Pro­gramm

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich 2026, 122 min, Deutsch, tw. Eng­lisch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Sebas­ti­an Brameshuber 

Ein Road­mo­vie über die Schön­heit und den Zau­ber all­täg­li­cher Begeg­nun­gen: Bob­by fährt immer wie­der die­sel­be Stre­cke zwi­schen Wien und Salz­burg. Er nimmt Men­schen mit, eigent­lich um Ben­zin­kos­ten zu spa­ren. Gemein­sam tei­len sie ein Stück Weg und für einen kur­zen Moment auch ihr Leben. Im Auto kom­men sie ins Gespräch über Lie­be und Krieg, Fami­lie und Erin­ne­rung, Her­kunft und Zukunft. Ein jun­ger Sol­dat, ein Super­markt­lehr­ling, ein Wis­sen­schaft­ler, eine que­e­re Frau kurz vor ihrer Hoch­zeit – flüch­ti­ge Augen­bli­cke, aus denen ein Mosa­ik der Gegen­wart ent­steht. Auch Bob­by erzählt: von sei­nem Leben, vom Älter­wer­den und von einem Freund, der in Salz­burg im Koma liegt – der Grund für sei­ne Fahr­ten. Wäh­rend drau­ßen Ber­ge, Wäl­der und Brü­cken vor­bei­zie­hen, ver­än­dert sich mit den Jah­res­zei­ten das Licht. Bob­by fährt wei­ter, aber in eine ande­re Richtung…

LON­DON ist ein lei­ser, tröst­li­cher Film zwi­schen Doku­men­ta­ri­schem und Fik­ti­on. Die Auto­bahn wird zum Ort der Begeg­nung, an dem Frem­de ein­an­der zuhö­ren und unse­re Gegen­wart für einen Augen­blick erfahr­bar wird. In beun­ru­hi­gen­den Zei­ten erzählt der Film von der Mög­lich­keit, dass Nähe und Soli­da­ri­tät dort ent­ste­hen, wo Men­schen ein Stück des Weges mit­ein­an­der zurücklegen.

„In einer Zeit, in der Tren­nen­des in den Vor­der­grund gerückt ist, woll­te ich einen Film machen, der betont, was wir gemein­sam haben.“ (Sebas­ti­an Brameshuber)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Öster­reich 2026, 122 min, Deutsch, tw. Eng­lisch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Sebas­ti­an Brameshuber 

Ein Road­mo­vie über die Schön­heit und den Zau­ber all­täg­li­cher Begeg­nun­gen: Bob­by fährt immer wie­der die­sel­be Stre­cke zwi­schen Wien und Salz­burg. Er nimmt Men­schen mit, eigent­lich um Ben­zin­kos­ten zu spa­ren. Gemein­sam tei­len sie ein Stück Weg und für einen kur­zen Moment auch ihr Leben. Im Auto kom­men sie ins Gespräch über Lie­be und Krieg, Fami­lie und Erin­ne­rung, Her­kunft und Zukunft. Ein jun­ger Sol­dat, ein Super­markt­lehr­ling, ein Wis­sen­schaft­ler, eine que­e­re Frau kurz vor ihrer Hoch­zeit – flüch­ti­ge Augen­bli­cke, aus denen ein Mosa­ik der Gegen­wart ent­steht. Auch Bob­by erzählt: von sei­nem Leben, vom Älter­wer­den und von einem Freund, der in Salz­burg im Koma liegt – der Grund für sei­ne Fahr­ten. Wäh­rend drau­ßen Ber­ge, Wäl­der und Brü­cken vor­bei­zie­hen, ver­än­dert sich mit den Jah­res­zei­ten das Licht. Bob­by fährt wei­ter, aber in eine ande­re Richtung…

LON­DON ist ein lei­ser, tröst­li­cher Film zwi­schen Doku­men­ta­ri­schem und Fik­ti­on. Die Auto­bahn wird zum Ort der Begeg­nung, an dem Frem­de ein­an­der zuhö­ren und unse­re Gegen­wart für einen Augen­blick erfahr­bar wird. In beun­ru­hi­gen­den Zei­ten erzählt der Film von der Mög­lich­keit, dass Nähe und Soli­da­ri­tät dort ent­ste­hen, wo Men­schen ein Stück des Weges mit­ein­an­der zurücklegen.

„In einer Zeit, in der Tren­nen­des in den Vor­der­grund gerückt ist, woll­te ich einen Film machen, der betont, was wir gemein­sam haben.“ (Sebas­ti­an Brameshuber)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Lesung, Scree­ning & Gespräch mit Anna Scha­pi­ro und Evge­nia Gostrer

ver­an­stal­tet von der Film­uni­ver­si­tät Babels­berg anläss­lich der Bil­dungs- und Akti­ons­wo­chen gegen Anti­se­mi­tis­mus 2026

Bis wann ist man Gast, ab wann ist man Zuhau­se? Wie las­sen sich Erin­ne­run­gen kon­ser­vie­ren, die nicht die eige­nen sind? An die­sem Nach­mit­tag tref­fen zwei künst­le­ri­sche Posi­tio­nen auf­ein­an­der, die sich auf unter­schied­li­che Wei­se mit sowje­tisch-jüdi­scher Fami­li­en­ge­schich­te, Migra­ti­on und Erin­ne­rung beschäf­ti­gen. Anna Scha­pi­ro liest aus ihrem gera­de erschie­ne­nen Debüt­ro­man “Füh­len Sie sich wie zu Hau­se, aber ver­ges­sen Sie dabei nicht, dass Sie zu Gast sind”. Aus­gangs­punkt ist die Beer­di­gung der Groß­mutter der Erzäh­le­rin. Sie reist zu den ver­streu­ten Mit­glie­dern ihrer Fami­lie, über die sie bis­her vor allem Geschich­ten hör­te. Nun erzäh­len sie sel­ber: von Borschtsch, vom Lager, von der Lie­be. Im Anschluss zei­gen wir KIRSCH­KNO­CHEN (2021), einen doku­men­ta­ri­schen Ani­ma­ti­ons­film von Evge­nia Gostrer. Gostrer war 14 Jah­re alt, als sie Mit­te der 1990er-Jah­re mit ihrer Fami­lie als „Kon­tin­gent­flücht­lin­ge“ aus der ehe­ma­li­gen Sowjet­uni­on nach Deutsch­land kam. Aus heu­ti­ger Per­spek­ti­ve blickt sie auf die­se Zeit zurück und sucht das Gespräch mit ihren Eltern: Was hat sie dazu bewo­gen, ihre bis­he­ri­ge Hei­mat zu ver­las­sen? Was bedeu­te­te der Neu­an­fang in Deutschland?

Nach dem Kern­pro­gramm folgt ein mode­rier­tes Gespräch zwi­schen Anna Scha­pi­ro und Evge­nia Gostrer. 

Die Ver­an­stal­tung fin­det im Rah­men der Bil­dungs- und Akti­ons­wo­chen gegen Anti­se­mi­tis­mus statt, einem Pro­jekt der Ama­deu Anto­nio Stif­tung und des Anne Frank Zen­trums. Orga­ni­siert wird sie von einer stu­den­ti­schen Initia­ti­ve der Film­uni­ver­si­tät Babels­berg KON­RAD WOLF.

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich 2026, 122 min, Deutsch, tw. Eng­lisch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Sebas­ti­an Brameshuber 

Ein Road­mo­vie über die Schön­heit und den Zau­ber all­täg­li­cher Begeg­nun­gen: Bob­by fährt immer wie­der die­sel­be Stre­cke zwi­schen Wien und Salz­burg. Er nimmt Men­schen mit, eigent­lich um Ben­zin­kos­ten zu spa­ren. Gemein­sam tei­len sie ein Stück Weg und für einen kur­zen Moment auch ihr Leben. Im Auto kom­men sie ins Gespräch über Lie­be und Krieg, Fami­lie und Erin­ne­rung, Her­kunft und Zukunft. Ein jun­ger Sol­dat, ein Super­markt­lehr­ling, ein Wis­sen­schaft­ler, eine que­e­re Frau kurz vor ihrer Hoch­zeit – flüch­ti­ge Augen­bli­cke, aus denen ein Mosa­ik der Gegen­wart ent­steht. Auch Bob­by erzählt: von sei­nem Leben, vom Älter­wer­den und von einem Freund, der in Salz­burg im Koma liegt – der Grund für sei­ne Fahr­ten. Wäh­rend drau­ßen Ber­ge, Wäl­der und Brü­cken vor­bei­zie­hen, ver­än­dert sich mit den Jah­res­zei­ten das Licht. Bob­by fährt wei­ter, aber in eine ande­re Richtung…

LON­DON ist ein lei­ser, tröst­li­cher Film zwi­schen Doku­men­ta­ri­schem und Fik­ti­on. Die Auto­bahn wird zum Ort der Begeg­nung, an dem Frem­de ein­an­der zuhö­ren und unse­re Gegen­wart für einen Augen­blick erfahr­bar wird. In beun­ru­hi­gen­den Zei­ten erzählt der Film von der Mög­lich­keit, dass Nähe und Soli­da­ri­tät dort ent­ste­hen, wo Men­schen ein Stück des Weges mit­ein­an­der zurücklegen.

„In einer Zeit, in der Tren­nen­des in den Vor­der­grund gerückt ist, woll­te ich einen Film machen, der betont, was wir gemein­sam haben.“ (Sebas­ti­an Brameshuber)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich 2026, 122 min, Deutsch, tw. Eng­lisch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Sebas­ti­an Brameshuber 

Ein Road­mo­vie über die Schön­heit und den Zau­ber all­täg­li­cher Begeg­nun­gen: Bob­by fährt immer wie­der die­sel­be Stre­cke zwi­schen Wien und Salz­burg. Er nimmt Men­schen mit, eigent­lich um Ben­zin­kos­ten zu spa­ren. Gemein­sam tei­len sie ein Stück Weg und für einen kur­zen Moment auch ihr Leben. Im Auto kom­men sie ins Gespräch über Lie­be und Krieg, Fami­lie und Erin­ne­rung, Her­kunft und Zukunft. Ein jun­ger Sol­dat, ein Super­markt­lehr­ling, ein Wis­sen­schaft­ler, eine que­e­re Frau kurz vor ihrer Hoch­zeit – flüch­ti­ge Augen­bli­cke, aus denen ein Mosa­ik der Gegen­wart ent­steht. Auch Bob­by erzählt: von sei­nem Leben, vom Älter­wer­den und von einem Freund, der in Salz­burg im Koma liegt – der Grund für sei­ne Fahr­ten. Wäh­rend drau­ßen Ber­ge, Wäl­der und Brü­cken vor­bei­zie­hen, ver­än­dert sich mit den Jah­res­zei­ten das Licht. Bob­by fährt wei­ter, aber in eine ande­re Richtung…

LON­DON ist ein lei­ser, tröst­li­cher Film zwi­schen Doku­men­ta­ri­schem und Fik­ti­on. Die Auto­bahn wird zum Ort der Begeg­nung, an dem Frem­de ein­an­der zuhö­ren und unse­re Gegen­wart für einen Augen­blick erfahr­bar wird. In beun­ru­hi­gen­den Zei­ten erzählt der Film von der Mög­lich­keit, dass Nähe und Soli­da­ri­tät dort ent­ste­hen, wo Men­schen ein Stück des Weges mit­ein­an­der zurücklegen.

„In einer Zeit, in der Tren­nen­des in den Vor­der­grund gerückt ist, woll­te ich einen Film machen, der betont, was wir gemein­sam haben.“ (Sebas­ti­an Brameshuber)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich 2026, 122 min, Deutsch, tw. Eng­lisch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Sebas­ti­an Brameshuber 

Ein Road­mo­vie über die Schön­heit und den Zau­ber all­täg­li­cher Begeg­nun­gen: Bob­by fährt immer wie­der die­sel­be Stre­cke zwi­schen Wien und Salz­burg. Er nimmt Men­schen mit, eigent­lich um Ben­zin­kos­ten zu spa­ren. Gemein­sam tei­len sie ein Stück Weg und für einen kur­zen Moment auch ihr Leben. Im Auto kom­men sie ins Gespräch über Lie­be und Krieg, Fami­lie und Erin­ne­rung, Her­kunft und Zukunft. Ein jun­ger Sol­dat, ein Super­markt­lehr­ling, ein Wis­sen­schaft­ler, eine que­e­re Frau kurz vor ihrer Hoch­zeit – flüch­ti­ge Augen­bli­cke, aus denen ein Mosa­ik der Gegen­wart ent­steht. Auch Bob­by erzählt: von sei­nem Leben, vom Älter­wer­den und von einem Freund, der in Salz­burg im Koma liegt – der Grund für sei­ne Fahr­ten. Wäh­rend drau­ßen Ber­ge, Wäl­der und Brü­cken vor­bei­zie­hen, ver­än­dert sich mit den Jah­res­zei­ten das Licht. Bob­by fährt wei­ter, aber in eine ande­re Richtung…

LON­DON ist ein lei­ser, tröst­li­cher Film zwi­schen Doku­men­ta­ri­schem und Fik­ti­on. Die Auto­bahn wird zum Ort der Begeg­nung, an dem Frem­de ein­an­der zuhö­ren und unse­re Gegen­wart für einen Augen­blick erfahr­bar wird. In beun­ru­hi­gen­den Zei­ten erzählt der Film von der Mög­lich­keit, dass Nähe und Soli­da­ri­tät dort ent­ste­hen, wo Men­schen ein Stück des Weges mit­ein­an­der zurücklegen.

„In einer Zeit, in der Tren­nen­des in den Vor­der­grund gerückt ist, woll­te ich einen Film machen, der betont, was wir gemein­sam haben.“ (Sebas­ti­an Brameshuber)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich 2026, 122 min, Deutsch, tw. Eng­lisch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Sebas­ti­an Brameshuber 

Ein Road­mo­vie über die Schön­heit und den Zau­ber all­täg­li­cher Begeg­nun­gen: Bob­by fährt immer wie­der die­sel­be Stre­cke zwi­schen Wien und Salz­burg. Er nimmt Men­schen mit, eigent­lich um Ben­zin­kos­ten zu spa­ren. Gemein­sam tei­len sie ein Stück Weg und für einen kur­zen Moment auch ihr Leben. Im Auto kom­men sie ins Gespräch über Lie­be und Krieg, Fami­lie und Erin­ne­rung, Her­kunft und Zukunft. Ein jun­ger Sol­dat, ein Super­markt­lehr­ling, ein Wis­sen­schaft­ler, eine que­e­re Frau kurz vor ihrer Hoch­zeit – flüch­ti­ge Augen­bli­cke, aus denen ein Mosa­ik der Gegen­wart ent­steht. Auch Bob­by erzählt: von sei­nem Leben, vom Älter­wer­den und von einem Freund, der in Salz­burg im Koma liegt – der Grund für sei­ne Fahr­ten. Wäh­rend drau­ßen Ber­ge, Wäl­der und Brü­cken vor­bei­zie­hen, ver­än­dert sich mit den Jah­res­zei­ten das Licht. Bob­by fährt wei­ter, aber in eine ande­re Richtung…

LON­DON ist ein lei­ser, tröst­li­cher Film zwi­schen Doku­men­ta­ri­schem und Fik­ti­on. Die Auto­bahn wird zum Ort der Begeg­nung, an dem Frem­de ein­an­der zuhö­ren und unse­re Gegen­wart für einen Augen­blick erfahr­bar wird. In beun­ru­hi­gen­den Zei­ten erzählt der Film von der Mög­lich­keit, dass Nähe und Soli­da­ri­tät dort ent­ste­hen, wo Men­schen ein Stück des Weges mit­ein­an­der zurücklegen.

„In einer Zeit, in der Tren­nen­des in den Vor­der­grund gerückt ist, woll­te ich einen Film machen, der betont, was wir gemein­sam haben.“ (Sebas­ti­an Brameshuber)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

D/ F/ BG/ AT 2026, 164 min, Bul­ga­risch mit deut­schen UT

Regie: Val­eska Grisebach 

Die Archäo­lo­gin Ves­ka ist für ein Aus­gra­bungs­pro­jekt in ihre Hei­mat­stadt Svi­len­grad zurück­ge­kehrt, in die Grenz­re­gi­on zwi­schen Bul­ga­ri­en, Grie­chen­land und der Tür­kei. Über­ra­schend trifft sie auf Said, einen alten Bekann­ten aus den Rhod­o­pen, den undurch­sich­ti­ge Geschäf­te nach Svi­len­grad geführt haben. Saids Auto ist gestoh­len wor­den, und Ves­ka lädt ihn ein, den Tag mit ihr auf der Aus­gra­bungs­stät­te zu ver­brin­gen. Es ist ein glück­li­cher Tag vol­ler Ver­traut­heit, ein Tag wie ein Ver­spre­chen. Am nächs­ten Mor­gen ist Said ver­schwun­den. Ves­ka folgt den Spu­ren Saids und dringt dabei immer tie­fer in die ver­bor­ge­nen Schich­ten und Ver­hält­nis­se der Stadt und ihrer Men­schen vor – Geschich­ten aus der Zeit des gro­ßen Umbruchs in den 90er Jah­ren, von Frei­heit und geplatz­ten Träu­men, Gewalt und schnel­lem Geld. Was hat Said mit Ili­ya zu tun, dem mäch­ti­gen Mann im Hin­ter­grund, bei dem alle Fäden zusam­men­zu­lau­fen schei­nen? Ves­ka ist gezwun­gen, sich ihren eige­nen Erin­ne­run­gen zu stel­len. Unter­stützt von ihren Freun­din­nen und Freun­den aus Svi­len­grad, beginnt sie, ihre eige­ne Geschich­te zu schreiben.

„‘Show, don’t tell‘ lau­tet ein viel zitier­ter Grund­satz des Fil­me­ma­chens und irgend­wie voll­bringt Val­eska Gri­se­bach das Kunst­stück, das bei ihr Zei­gen und Erzäh­len ein und das­sel­be ist. In die­ser Hin­sicht ist DAS GETRÄUM­TE ABEN­TEU­ER der per­fek­te Film. Kei­ne Sze­ne in den knapp unter drei Stun­den Lauf­zeit ist über­flüs­sig, es gibt kei­ne Ein­stel­lung oder Dia­log­zei­le, die nicht behut­sam immer mehr Nuan­cen des Lebens bei Svi­len­grad und von Ves­kas eige­ner Ver­gan­gen­heit frei­legt, ohne dabei je gewollt oder über­la­den zu wir­ken. Manch­mal geht das mit Ves­kas Angriffs­lust ein­her, manch­mal mit hin­ter­grün­di­gem Humor, aber immer mit unge­brems­ter Neu­gier auf die Geschich­ten, die an die­sem Ort nicht ein­mal ver­gra­ben, son­dern für jeden, der hin­se­hen will, offen sicht­bar auf der Erde lie­gen.“ (Kat­rin Doerksen, kino​-zeit​.de)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Deutsch­land 2026, 102 min, Deutsch | Ukrai­nisch mit deut­schen UT

Regie: Myky­ta Gibalenko

Als Vita­ly (22) sei­ne Mut­ter und Schwes­ter in der Ukrai­ne zurück­lässt, träumt er von einem neu­en Leben als Stu­dent in Mün­chen. Am 24.02.2022 platzt die­ser Traum. Inner­halb von einer Nacht ste­hen plötz­lich zwei har­te Rea­li­tä­ten vor sei­ner Tür: die poli­ti­sche Welt­la­ge und die eige­ne Familie.

„Fas­zi­nie­rend an CAMOU­FLA­GE ist nicht zuletzt, wie ein­dring­lich Giba­len­ko beim fil­mi­schen Abtas­ten die­ser Zer­reiß­pro­be mit Spra­che arbei­tet – und zwar sowohl mit der gespro­che­nen Spra­che als auch mit Kör­per­spra­che und Ges­ten. Dabei geht es nie nur um Inhal­te, son­dern um Spra­che in ihrer gan­zen Sinn­lich­keit, mit der man sich aus­drückt, die sich aber auch in einen ein­drückt, ins Den­ken, Füh­len und Sein. Die Kame­ra­ar­beit und Mon­ta­ge sind ruhig und geben dem exzel­len­ten Haupt­dar­stel­ler Arthur Ali­iev und sei­nen Mit­spie­le­rin­nen den nöti­gen Raum, um die vie­len Nuan­cen, Schwie­rig­kei­ten und Schön­hei­ten der Kom­mu­ni­ka­ti­on ihrer Figu­ren mit­ein­an­der und mit ihrer Umwelt zu entfalten.

Als eine Art Leit­mo­tiv fun­gie­ren Vögel. Nicht nur in den Voka­beln, mit denen Vita­ly die deut­sche Spra­che lernt (‚Gans – Gän­se‘, ‚Schwal­be – Schwal­ben‘), oder in dem Zun­gen­bre­cher, mit dem er die Aus­spra­che trai­niert. Vögel tau­chen auch sonst immer wie­der auf, etwa in einer Thea­ter­per­for­mance, an der Vita­ly in Mün­chen mit­wirkt und die sich an Aris­to­pha­nes’ Die Vögel abzu­ar­bei­ten scheint. Als flie­gen­de Krea­tu­ren, die nicht an den Erd­bo­den oder Gren­zen gebun­den sind, spie­geln sie Vita­lys Sehn­sucht nach Frei­heit und Neu­auf­bruch, die ihn aus der Woh­nung der Mut­ter fort und nach Mün­chen getrie­ben hat. Aber auch das Ver­letz­li­che sei­ner Iden­ti­tät, die ‚zug­vo­gel­haft‘ zwi­schen zwei Wel­ten aus­ge­spannt ist und vom Krieg wie von einem schar­fen Wind aus der Bahn gewor­fen zu wer­den droht, klingt in dem Motiv an. Ein ers­ter fil­mi­scher Höhen­flug ist Myky­ta Giba­len­ko damit alle­mal gelun­gen.“ (Feli­ci­tas Klei­ner, film​dienst​.de)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Deutsch­land 2026, 102 min, Deutsch | Ukrai­nisch mit deut­schen UT

Regie: Myky­ta Gibalenko

Als Vita­ly (22) sei­ne Mut­ter und Schwes­ter in der Ukrai­ne zurück­lässt, träumt er von einem neu­en Leben als Stu­dent in Mün­chen. Am 24.02.2022 platzt die­ser Traum. Inner­halb von einer Nacht ste­hen plötz­lich zwei har­te Rea­li­tä­ten vor sei­ner Tür: die poli­ti­sche Welt­la­ge und die eige­ne Familie.

„Fas­zi­nie­rend an CAMOU­FLA­GE ist nicht zuletzt, wie ein­dring­lich Giba­len­ko beim fil­mi­schen Abtas­ten die­ser Zer­reiß­pro­be mit Spra­che arbei­tet – und zwar sowohl mit der gespro­che­nen Spra­che als auch mit Kör­per­spra­che und Ges­ten. Dabei geht es nie nur um Inhal­te, son­dern um Spra­che in ihrer gan­zen Sinn­lich­keit, mit der man sich aus­drückt, die sich aber auch in einen ein­drückt, ins Den­ken, Füh­len und Sein. Die Kame­ra­ar­beit und Mon­ta­ge sind ruhig und geben dem exzel­len­ten Haupt­dar­stel­ler Arthur Ali­iev und sei­nen Mit­spie­le­rin­nen den nöti­gen Raum, um die vie­len Nuan­cen, Schwie­rig­kei­ten und Schön­hei­ten der Kom­mu­ni­ka­ti­on ihrer Figu­ren mit­ein­an­der und mit ihrer Umwelt zu entfalten.

Als eine Art Leit­mo­tiv fun­gie­ren Vögel. Nicht nur in den Voka­beln, mit denen Vita­ly die deut­sche Spra­che lernt (‚Gans – Gän­se‘, ‚Schwal­be – Schwal­ben‘), oder in dem Zun­gen­bre­cher, mit dem er die Aus­spra­che trai­niert. Vögel tau­chen auch sonst immer wie­der auf, etwa in einer Thea­ter­per­for­mance, an der Vita­ly in Mün­chen mit­wirkt und die sich an Aris­to­pha­nes’ Die Vögel abzu­ar­bei­ten scheint. Als flie­gen­de Krea­tu­ren, die nicht an den Erd­bo­den oder Gren­zen gebun­den sind, spie­geln sie Vita­lys Sehn­sucht nach Frei­heit und Neu­auf­bruch, die ihn aus der Woh­nung der Mut­ter fort und nach Mün­chen getrie­ben hat. Aber auch das Ver­letz­li­che sei­ner Iden­ti­tät, die ‚zug­vo­gel­haft‘ zwi­schen zwei Wel­ten aus­ge­spannt ist und vom Krieg wie von einem schar­fen Wind aus der Bahn gewor­fen zu wer­den droht, klingt in dem Motiv an. Ein ers­ter fil­mi­scher Höhen­flug ist Myky­ta Giba­len­ko damit alle­mal gelun­gen.“ (Feli­ci­tas Klei­ner, film​dienst​.de)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Deutsch­land 2026, 102 min, Deutsch | Ukrai­nisch mit deut­schen UT

Regie: Myky­ta Gibalenko

Als Vita­ly (22) sei­ne Mut­ter und Schwes­ter in der Ukrai­ne zurück­lässt, träumt er von einem neu­en Leben als Stu­dent in Mün­chen. Am 24.02.2022 platzt die­ser Traum. Inner­halb von einer Nacht ste­hen plötz­lich zwei har­te Rea­li­tä­ten vor sei­ner Tür: die poli­ti­sche Welt­la­ge und die eige­ne Familie.

„Fas­zi­nie­rend an CAMOU­FLA­GE ist nicht zuletzt, wie ein­dring­lich Giba­len­ko beim fil­mi­schen Abtas­ten die­ser Zer­reiß­pro­be mit Spra­che arbei­tet – und zwar sowohl mit der gespro­che­nen Spra­che als auch mit Kör­per­spra­che und Ges­ten. Dabei geht es nie nur um Inhal­te, son­dern um Spra­che in ihrer gan­zen Sinn­lich­keit, mit der man sich aus­drückt, die sich aber auch in einen ein­drückt, ins Den­ken, Füh­len und Sein. Die Kame­ra­ar­beit und Mon­ta­ge sind ruhig und geben dem exzel­len­ten Haupt­dar­stel­ler Arthur Ali­iev und sei­nen Mit­spie­le­rin­nen den nöti­gen Raum, um die vie­len Nuan­cen, Schwie­rig­kei­ten und Schön­hei­ten der Kom­mu­ni­ka­ti­on ihrer Figu­ren mit­ein­an­der und mit ihrer Umwelt zu entfalten.

Als eine Art Leit­mo­tiv fun­gie­ren Vögel. Nicht nur in den Voka­beln, mit denen Vita­ly die deut­sche Spra­che lernt (‚Gans – Gän­se‘, ‚Schwal­be – Schwal­ben‘), oder in dem Zun­gen­bre­cher, mit dem er die Aus­spra­che trai­niert. Vögel tau­chen auch sonst immer wie­der auf, etwa in einer Thea­ter­per­for­mance, an der Vita­ly in Mün­chen mit­wirkt und die sich an Aris­to­pha­nes’ Die Vögel abzu­ar­bei­ten scheint. Als flie­gen­de Krea­tu­ren, die nicht an den Erd­bo­den oder Gren­zen gebun­den sind, spie­geln sie Vita­lys Sehn­sucht nach Frei­heit und Neu­auf­bruch, die ihn aus der Woh­nung der Mut­ter fort und nach Mün­chen getrie­ben hat. Aber auch das Ver­letz­li­che sei­ner Iden­ti­tät, die ‚zug­vo­gel­haft‘ zwi­schen zwei Wel­ten aus­ge­spannt ist und vom Krieg wie von einem schar­fen Wind aus der Bahn gewor­fen zu wer­den droht, klingt in dem Motiv an. Ein ers­ter fil­mi­scher Höhen­flug ist Myky­ta Giba­len­ko damit alle­mal gelun­gen.“ (Feli­ci­tas Klei­ner, film​dienst​.de)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Deutsch­land 2026, 122 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Vol­ker Schlöndorff

Ein ein­drück­li­ches Pan­ora­ma des letz­ten Jahr­hun­derts deut­scher Geschich­te in einem Haus an einem mär­ki­schen See: Schau­platz für Geschich­ten und Lebens­we­ge der wech­seln­den Besit­zer und ihrer Schick­sa­le, die mit­ein­an­der ver­wo­ben und von monu­men­ta­len his­to­ri­schen Ereig­nis­sen geprägt sind. Die Bewoh­ner erle­ben die Wei­ma­rer Repu­blik, das Drit­te Reich, den Krieg und des­sen Ende, die DDR und die Wen­de­zeit, wäh­rend sie auf der Suche nach Hei­mat und einem Ort der Zuge­hö­rig­keit sind.

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Tsche­chen / Slo­wa­kei 2026, 110 min, Tsche­chisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Gewin­ner Cali­ga­ri-Film­preis & Ber­li­na­le Doku­men­tar­film­preis 2026

Regie: Pepa Lubojacki

Über fünf Jah­re doku­men­tiert Pepa Lub­o­ja­cki vier Fami­li­en­mit­glie­der, allen vor­an Bru­der David, der alko­hol­ab­hän­gig und ohne Obdach ist. In einer hoch­per­sön­li­chen, tage­buch­ar­ti­gen Col­la­ge unter­nimmt Lub­o­ja­cki den Ver­such, die Wur­zeln gene­ra­tio­nen­über­grei­fen­den Unglücks frei­zu­le­gen, das sei­nen Aus­druck immer wie­der in schwe­ren Sucht­er­kran­kun­gen fin­det. Dabei ver­schmel­zen Text­skulp­tu­ren, Lang­zeit­be­ob­ach­tung, Syn­thie-Beats und mit KI ani­mier­te Foto­gra­fien aus der Kind­heit zu einer mar­kant-ver­spiel­ten, scho­nungs­lo­sen und doch lie­ben­den Offen­le­gung. IF PIGE­ONS TUR­NED TO GOLD ist Kapi­tu­la­ti­on und Hoff­nungs­schim­mer glei­cher­ma­ßen, Kraft­akt und Lösungs­pro­zess. Pepa Lub­o­ja­cki bringt die Ver­gan­gen­heit zum Spre­chen und schafft auf die­se Wei­se einen Kon­text, der David und die eben­falls sucht­kran­ken Cou­sins dem rich­ten­den Urteil der Außen­welt ent­zieht – und auch deren Igno­ranz. In der behut­sa­men Begeg­nung wer­den sie für einen Moment erneut zu ein­sa­men Kin­dern. Weni­ger auf der Suche nach Schuld als nach Hei­lung, steht am Ende die Mög­lich­keit einer Trans­for­ma­ti­on, ver­sinn­bild­licht im ver­fal­le­nen Haus des Vaters, das Pepa in einen geschütz­ten Ort ver­wan­delt: Home, I’m coming. (Caro­lin Weid­ner, Ber­li­na­le Forum 2026)

Ein Inter­view sowie den Kom­men­tar von Pepa Lub­o­ja­cki fin­det man auf der Sei­te des Ber­li­na­le Forum.

“Der mit dem Cali­ga­ri-Preis aus­ge­zeich­ne­te Film legt die Ambi­va­lenz einer medi­al über­form­ten Gegen­wart offen, in der Sicht­bar­keit Aner­ken­nung ver­spricht, aber kaum Schutz­räu­me kennt. Das ein­dring­li­che Por­trät einer Geschwis­ter­be­zie­hung ent­puppt sich zugleich als viel­schich­ti­ge Refle­xi­on über die Mög­lich­kei­ten und Gren­zen fil­mi­scher Ver­mitt­lung.” Film­dienst

“If Pige­ons Tur­ned to Gold ist kein Film über David und sein Alko­hol­pro­blem, son­dern über die Situa­ti­on, unbe­dingt hel­fen zu wol­len und es nicht zu kön­nen, und über all die Din­ge, die man tut, um das nicht wahr­ha­ben zu müs­sen: von quä­len­den Selbst­be­fra­gun­gen bis zur Idee, ein doku­men­ta­ri­sches Por­trät zu machen und dafür Kin­der­fo­to­gra­fien per KI zu ani­mie­ren.” cri​tic​.de

“Es ist der gro­ße Zau­ber die­ses col­la­ge­ar­ti­gen, sti­lis­tisch so zugäng­li­chen Fil­mes, nicht nur mit der Scham zu bre­chen, son­dern dem geäch­te­ten Bild von Obdach­lo­sen und Sucht­kran­ken einen Gegen­ent­wurf aus Anteil­nah­me, Mit­ge­fühl und Für­sor­ge ent­ge­gen­zu­stel­len. Lub­o­ja­ckis erklär­tes Ziel ist es, den Zuschau­er ein­zu­la­den, es ihr gleich­zu­tun, mit „bru­ta­ler Ehr­lich­keit“ hin­zu­schau­en, weil es Leben ret­ten kann. Denn ‘wären Tau­ben aus Gold, wür­den sie die Stra­ßen deko­rie­ren und wären den ande­ren Vögeln eben­bür­tig. Sie wür­den nicht die Bän­ke voll­schei­ßen, Müll fres­sen und vor der Rea­li­tät flüch­ten. Sie wür­den die Stra­ßen zum Glän­zen brin­gen.’ ” Ber­li­ner Filmfestivals

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Tsche­chen / Slo­wa­kei 2026, 110 min, Tsche­chisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Gewin­ner Cali­ga­ri-Film­preis & Ber­li­na­le Doku­men­tar­film­preis 2026

Regie: Pepa Lubojacki

Über fünf Jah­re doku­men­tiert Pepa Lub­o­ja­cki vier Fami­li­en­mit­glie­der, allen vor­an Bru­der David, der alko­hol­ab­hän­gig und ohne Obdach ist. In einer hoch­per­sön­li­chen, tage­buch­ar­ti­gen Col­la­ge unter­nimmt Lub­o­ja­cki den Ver­such, die Wur­zeln gene­ra­tio­nen­über­grei­fen­den Unglücks frei­zu­le­gen, das sei­nen Aus­druck immer wie­der in schwe­ren Sucht­er­kran­kun­gen fin­det. Dabei ver­schmel­zen Text­skulp­tu­ren, Lang­zeit­be­ob­ach­tung, Syn­thie-Beats und mit KI ani­mier­te Foto­gra­fien aus der Kind­heit zu einer mar­kant-ver­spiel­ten, scho­nungs­lo­sen und doch lie­ben­den Offen­le­gung. IF PIGE­ONS TUR­NED TO GOLD ist Kapi­tu­la­ti­on und Hoff­nungs­schim­mer glei­cher­ma­ßen, Kraft­akt und Lösungs­pro­zess. Pepa Lub­o­ja­cki bringt die Ver­gan­gen­heit zum Spre­chen und schafft auf die­se Wei­se einen Kon­text, der David und die eben­falls sucht­kran­ken Cou­sins dem rich­ten­den Urteil der Außen­welt ent­zieht – und auch deren Igno­ranz. In der behut­sa­men Begeg­nung wer­den sie für einen Moment erneut zu ein­sa­men Kin­dern. Weni­ger auf der Suche nach Schuld als nach Hei­lung, steht am Ende die Mög­lich­keit einer Trans­for­ma­ti­on, ver­sinn­bild­licht im ver­fal­le­nen Haus des Vaters, das Pepa in einen geschütz­ten Ort ver­wan­delt: Home, I’m coming. (Caro­lin Weid­ner, Ber­li­na­le Forum 2026)

Ein Inter­view sowie den Kom­men­tar von Pepa Lub­o­ja­cki fin­det man auf der Sei­te des Ber­li­na­le Forum.

“Der mit dem Cali­ga­ri-Preis aus­ge­zeich­ne­te Film legt die Ambi­va­lenz einer medi­al über­form­ten Gegen­wart offen, in der Sicht­bar­keit Aner­ken­nung ver­spricht, aber kaum Schutz­räu­me kennt. Das ein­dring­li­che Por­trät einer Geschwis­ter­be­zie­hung ent­puppt sich zugleich als viel­schich­ti­ge Refle­xi­on über die Mög­lich­kei­ten und Gren­zen fil­mi­scher Ver­mitt­lung.” Film­dienst

“If Pige­ons Tur­ned to Gold ist kein Film über David und sein Alko­hol­pro­blem, son­dern über die Situa­ti­on, unbe­dingt hel­fen zu wol­len und es nicht zu kön­nen, und über all die Din­ge, die man tut, um das nicht wahr­ha­ben zu müs­sen: von quä­len­den Selbst­be­fra­gun­gen bis zur Idee, ein doku­men­ta­ri­sches Por­trät zu machen und dafür Kin­der­fo­to­gra­fien per KI zu ani­mie­ren.” cri​tic​.de

“Es ist der gro­ße Zau­ber die­ses col­la­ge­ar­ti­gen, sti­lis­tisch so zugäng­li­chen Fil­mes, nicht nur mit der Scham zu bre­chen, son­dern dem geäch­te­ten Bild von Obdach­lo­sen und Sucht­kran­ken einen Gegen­ent­wurf aus Anteil­nah­me, Mit­ge­fühl und Für­sor­ge ent­ge­gen­zu­stel­len. Lub­o­ja­ckis erklär­tes Ziel ist es, den Zuschau­er ein­zu­la­den, es ihr gleich­zu­tun, mit „bru­ta­ler Ehr­lich­keit“ hin­zu­schau­en, weil es Leben ret­ten kann. Denn ‘wären Tau­ben aus Gold, wür­den sie die Stra­ßen deko­rie­ren und wären den ande­ren Vögeln eben­bür­tig. Sie wür­den nicht die Bän­ke voll­schei­ßen, Müll fres­sen und vor der Rea­li­tät flüch­ten. Sie wür­den die Stra­ßen zum Glän­zen brin­gen.’ ” Ber­li­ner Filmfestivals

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Deutsch­land 2026, 102 min, Deutsch | Ukrai­nisch mit deut­schen UT

Regie: Myky­ta Gibalenko

Als Vita­ly (22) sei­ne Mut­ter und Schwes­ter in der Ukrai­ne zurück­lässt, träumt er von einem neu­en Leben als Stu­dent in Mün­chen. Am 24.02.2022 platzt die­ser Traum. Inner­halb von einer Nacht ste­hen plötz­lich zwei har­te Rea­li­tä­ten vor sei­ner Tür: die poli­ti­sche Welt­la­ge und die eige­ne Familie.

„Fas­zi­nie­rend an CAMOU­FLA­GE ist nicht zuletzt, wie ein­dring­lich Giba­len­ko beim fil­mi­schen Abtas­ten die­ser Zer­reiß­pro­be mit Spra­che arbei­tet – und zwar sowohl mit der gespro­che­nen Spra­che als auch mit Kör­per­spra­che und Ges­ten. Dabei geht es nie nur um Inhal­te, son­dern um Spra­che in ihrer gan­zen Sinn­lich­keit, mit der man sich aus­drückt, die sich aber auch in einen ein­drückt, ins Den­ken, Füh­len und Sein. Die Kame­ra­ar­beit und Mon­ta­ge sind ruhig und geben dem exzel­len­ten Haupt­dar­stel­ler Arthur Ali­iev und sei­nen Mit­spie­le­rin­nen den nöti­gen Raum, um die vie­len Nuan­cen, Schwie­rig­kei­ten und Schön­hei­ten der Kom­mu­ni­ka­ti­on ihrer Figu­ren mit­ein­an­der und mit ihrer Umwelt zu entfalten.

Als eine Art Leit­mo­tiv fun­gie­ren Vögel. Nicht nur in den Voka­beln, mit denen Vita­ly die deut­sche Spra­che lernt (‚Gans – Gän­se‘, ‚Schwal­be – Schwal­ben‘), oder in dem Zun­gen­bre­cher, mit dem er die Aus­spra­che trai­niert. Vögel tau­chen auch sonst immer wie­der auf, etwa in einer Thea­ter­per­for­mance, an der Vita­ly in Mün­chen mit­wirkt und die sich an Aris­to­pha­nes’ Die Vögel abzu­ar­bei­ten scheint. Als flie­gen­de Krea­tu­ren, die nicht an den Erd­bo­den oder Gren­zen gebun­den sind, spie­geln sie Vita­lys Sehn­sucht nach Frei­heit und Neu­auf­bruch, die ihn aus der Woh­nung der Mut­ter fort und nach Mün­chen getrie­ben hat. Aber auch das Ver­letz­li­che sei­ner Iden­ti­tät, die ‚zug­vo­gel­haft‘ zwi­schen zwei Wel­ten aus­ge­spannt ist und vom Krieg wie von einem schar­fen Wind aus der Bahn gewor­fen zu wer­den droht, klingt in dem Motiv an. Ein ers­ter fil­mi­scher Höhen­flug ist Myky­ta Giba­len­ko damit alle­mal gelun­gen.“ (Feli­ci­tas Klei­ner, film​dienst​.de)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

D/ F/ BG/ AT 2026, 164 min, Bul­ga­risch mit deut­schen UT

Regie: Val­eska Grisebach 

Die Archäo­lo­gin Ves­ka ist für ein Aus­gra­bungs­pro­jekt in ihre Hei­mat­stadt Svi­len­grad zurück­ge­kehrt, in die Grenz­re­gi­on zwi­schen Bul­ga­ri­en, Grie­chen­land und der Tür­kei. Über­ra­schend trifft sie auf Said, einen alten Bekann­ten aus den Rhod­o­pen, den undurch­sich­ti­ge Geschäf­te nach Svi­len­grad geführt haben. Saids Auto ist gestoh­len wor­den, und Ves­ka lädt ihn ein, den Tag mit ihr auf der Aus­gra­bungs­stät­te zu ver­brin­gen. Es ist ein glück­li­cher Tag vol­ler Ver­traut­heit, ein Tag wie ein Ver­spre­chen. Am nächs­ten Mor­gen ist Said ver­schwun­den. Ves­ka folgt den Spu­ren Saids und dringt dabei immer tie­fer in die ver­bor­ge­nen Schich­ten und Ver­hält­nis­se der Stadt und ihrer Men­schen vor – Geschich­ten aus der Zeit des gro­ßen Umbruchs in den 90er Jah­ren, von Frei­heit und geplatz­ten Träu­men, Gewalt und schnel­lem Geld. Was hat Said mit Ili­ya zu tun, dem mäch­ti­gen Mann im Hin­ter­grund, bei dem alle Fäden zusam­men­zu­lau­fen schei­nen? Ves­ka ist gezwun­gen, sich ihren eige­nen Erin­ne­run­gen zu stel­len. Unter­stützt von ihren Freun­din­nen und Freun­den aus Svi­len­grad, beginnt sie, ihre eige­ne Geschich­te zu schreiben.

„‘Show, don’t tell‘ lau­tet ein viel zitier­ter Grund­satz des Fil­me­ma­chens und irgend­wie voll­bringt Val­eska Gri­se­bach das Kunst­stück, das bei ihr Zei­gen und Erzäh­len ein und das­sel­be ist. In die­ser Hin­sicht ist DAS GETRÄUM­TE ABEN­TEU­ER der per­fek­te Film. Kei­ne Sze­ne in den knapp unter drei Stun­den Lauf­zeit ist über­flüs­sig, es gibt kei­ne Ein­stel­lung oder Dia­log­zei­le, die nicht behut­sam immer mehr Nuan­cen des Lebens bei Svi­len­grad und von Ves­kas eige­ner Ver­gan­gen­heit frei­legt, ohne dabei je gewollt oder über­la­den zu wir­ken. Manch­mal geht das mit Ves­kas Angriffs­lust ein­her, manch­mal mit hin­ter­grün­di­gem Humor, aber immer mit unge­brems­ter Neu­gier auf die Geschich­ten, die an die­sem Ort nicht ein­mal ver­gra­ben, son­dern für jeden, der hin­se­hen will, offen sicht­bar auf der Erde lie­gen.“ (Kat­rin Doerksen, kino​-zeit​.de)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Am 9. Novem­ber vor 37 Jah­ren fand mit der Öff­nung der deutsch-deut­schen Mau­er eines der zen­tra­len Ereig­nis­se der jün­ge­ren euro­päi­schen Geschich­te statt. Anläss­lich die­ses bedeut­sa­men Datums prä­sen­tiert die DEFA-Stif­tung ein Pro­gramm mit drei Kurz-Doku­men­tar­fil­men, die Regis­seur Tho­mas Kuschel 1989 und 1990 rea­li­sier­te und die sich um den Mau­er­fall her­um bewe­gen, das Davor und das Danach abste­cken sowie anhand von Ein­zel­schick­sa­len Hin­ter­grün­de und Fol­gen der Umbrü­che des Herbsts 1989 hin­ter­fra­gen. DER STOFF ZUM LEBEN por­trä­tiert Mario, einen 26-jäh­ri­gen Bri­ga­dier im Che­mie­fa­s­er­werk Prem­nitz, der in sei­nem Betrieb als Vor­bild agiert, sich aber zugleich sehr kri­tisch gegen­über Pro­ble­men der Ver­sor­gungs­la­ge und Wohn­si­tua­ti­on sowie der „Schön­fär­be­rei“ durch Par­tei­ge­nos­sen äußert. Der im Früh­jahr 1989 pro­du­zier­te Film lässt den wach­sen­den Unmut erah­nen, der in die Umwäl­zun­gen der Wen­de­zeit mün­den soll­te. In LIE­BE NINA… befragt Kuschel die 28-jäh­ri­ge Foto­gra­fin Nina, die in Mos­kau Jour­na­lis­mus stu­diert hat, bei der Frei­en Welt arbei­tet – und die am 7. Okto­ber 1989 am Ran­de einer fried­li­chen Demons­tra­ti­on von Volks­po­li­zei­kräf­ten bru­tal miss­han­delt wur­de. Der staat­lich sank­tio­nier­te Über­griff und sei­ne gesund­heit­li­chen Fol­gen set­zen bei Nina einen Refle­xi­ons­pro­zess in Gang, der ihr bis­he­ri­ges Welt­bild fun­da­men­tal infra­ge stellt. Am 27. Juni 1990 um 8.02 Uhr läuft in den Zwi­ckau­er Sach­sen­ring Auto­mo­bil­wer­ken DER LETZ­TE TRAB­BI des Modells P 601 vom Band, die Pro­duk­ti­on endet nach 34 Jah­ren und 5,2 Mil­lio­nen her­ge­stell­ten Fahr­zeu­gen. Tho­mas Kuschel beob­ach­tet die letz­ten Arbeits­ta­ge, inter­viewt Werk­tä­ti­ge und Füh­rungs­per­so­nal und fängt die zwi­schen Ent­täu­schung, Rat­lo­sig­keit und Hoff­nung schwan­ken­de Stim­mung am Ende einer Ära ein. (Mir­ko Wier­mann, DEFA-Stiftung)

DER STOFF ZUM LEBEN, 1989, 35mm, 23 min, R: Tho­mas Kuschel

LIE­BE NINA…, 1990, 35mm, 26 min, R: Tho­mas Kuschel

DER LETZ­TE TRAB­BI, 1990, 29 min, R: Tho­mas Kuschel

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Regie: Kers­tin Bas­ti­an, Kame­ra: Micha­el Doe­r­ing, Bernd Höhne

An der dama­li­gen HFF „Kon­rad Wolf“ in Pots­dam-Babels­berg dreh­te die Regie­stu­den­tin Kers­tin Bas­ti­an ihren Haupt­prü­fungs­film über die Bri­ga­de „Ver­ein­te Kraft“ in einem Ber­li­ner Heiz­kraft­werk zwi­schen dem Rück­tritt von Egon Krenz Anfang Dezem­ber 1989 und dem Neu­jahrs­tag 1990. Es gelang ihr, in Gesprä­chen viel von der bri­san­ten Atmo­sphä­re die­ser Zeit ein­zu­fan­gen. „Bas­ti­an zeigt sowohl die Unsi­cher­heit als auch die Boden­stän­dig­keit der Män­ner inmit­ten des sich abzeich­nen­den Zusam­men­bruchs der DDR“, schrieb der Film­ku­ra­tor Flo­ri­an Wüst, der den ver­schol­le­nen Film vor einem Jahr wie­der­ent­deck­te. Die Fil­me­ma­che­rin bringt sich selbst mit ein und führt u.a. Gesprä­che mit dem Bri­ga­de­lei­ter Wil­helm Päch, der frü­her z.B. als Volks­po­li­zist und DEFA-Dra­ma­turg („Die Rus­sen kom­men“) geschasst wur­de und als Arbei­ter eine neue Bestim­mung fand.

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Weißt du eigent­lich, wie lieb ich dich hab? – Das Lied des Windes

Das Schilf­rohr pfeift im Wind und der klei­ne brau­ne Hase möch­te ger­ne mit­pfei­fen. Doch das ist nicht so leicht.
Regie: Ste­ve Molt­zen, AUS/D 2014, Zei­chen­trick­film, 10 Min.

Dorn­rös­chen war ein schö­nes Kind

Wer kennt das Dorn­rös­chen­lied? Das Sing­spiel der Pup­pen auf der Lein­wand lädt zum Mit­sin­gen ein.
Regie: Kat­ja Geor­gie, DDR 1987, Pup­pen­trick­film, 5 Min.

Klei­ne Prin­zes­sin – Ich will eine Trompete

Tröööööt! Laut trom­pe­tet die klei­ne Prin­zes­sin mit dem Trich­ter durchs Schloss. Lei­der sind nicht alle von ihrer Musik begeis­tert.
Regie: Edward Fors­ter, GB 2007, Zei­chen­trick­film, 7 Min.

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Tsche­chen / Slo­wa­kei 2026, 110 min, Tsche­chisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Gewin­ner Cali­ga­ri-Film­preis & Ber­li­na­le Doku­men­tar­film­preis 2026

Regie: Pepa Lubojacki

Über fünf Jah­re doku­men­tiert Pepa Lub­o­ja­cki vier Fami­li­en­mit­glie­der, allen vor­an Bru­der David, der alko­hol­ab­hän­gig und ohne Obdach ist. In einer hoch­per­sön­li­chen, tage­buch­ar­ti­gen Col­la­ge unter­nimmt Lub­o­ja­cki den Ver­such, die Wur­zeln gene­ra­tio­nen­über­grei­fen­den Unglücks frei­zu­le­gen, das sei­nen Aus­druck immer wie­der in schwe­ren Sucht­er­kran­kun­gen fin­det. Dabei ver­schmel­zen Text­skulp­tu­ren, Lang­zeit­be­ob­ach­tung, Syn­thie-Beats und mit KI ani­mier­te Foto­gra­fien aus der Kind­heit zu einer mar­kant-ver­spiel­ten, scho­nungs­lo­sen und doch lie­ben­den Offen­le­gung. IF PIGE­ONS TUR­NED TO GOLD ist Kapi­tu­la­ti­on und Hoff­nungs­schim­mer glei­cher­ma­ßen, Kraft­akt und Lösungs­pro­zess. Pepa Lub­o­ja­cki bringt die Ver­gan­gen­heit zum Spre­chen und schafft auf die­se Wei­se einen Kon­text, der David und die eben­falls sucht­kran­ken Cou­sins dem rich­ten­den Urteil der Außen­welt ent­zieht – und auch deren Igno­ranz. In der behut­sa­men Begeg­nung wer­den sie für einen Moment erneut zu ein­sa­men Kin­dern. Weni­ger auf der Suche nach Schuld als nach Hei­lung, steht am Ende die Mög­lich­keit einer Trans­for­ma­ti­on, ver­sinn­bild­licht im ver­fal­le­nen Haus des Vaters, das Pepa in einen geschütz­ten Ort ver­wan­delt: Home, I’m coming. (Caro­lin Weid­ner, Ber­li­na­le Forum 2026)

Ein Inter­view sowie den Kom­men­tar von Pepa Lub­o­ja­cki fin­det man auf der Sei­te des Ber­li­na­le Forum.

“Der mit dem Cali­ga­ri-Preis aus­ge­zeich­ne­te Film legt die Ambi­va­lenz einer medi­al über­form­ten Gegen­wart offen, in der Sicht­bar­keit Aner­ken­nung ver­spricht, aber kaum Schutz­räu­me kennt. Das ein­dring­li­che Por­trät einer Geschwis­ter­be­zie­hung ent­puppt sich zugleich als viel­schich­ti­ge Refle­xi­on über die Mög­lich­kei­ten und Gren­zen fil­mi­scher Ver­mitt­lung.” Film­dienst

“If Pige­ons Tur­ned to Gold ist kein Film über David und sein Alko­hol­pro­blem, son­dern über die Situa­ti­on, unbe­dingt hel­fen zu wol­len und es nicht zu kön­nen, und über all die Din­ge, die man tut, um das nicht wahr­ha­ben zu müs­sen: von quä­len­den Selbst­be­fra­gun­gen bis zur Idee, ein doku­men­ta­ri­sches Por­trät zu machen und dafür Kin­der­fo­to­gra­fien per KI zu ani­mie­ren.” cri​tic​.de

“Es ist der gro­ße Zau­ber die­ses col­la­ge­ar­ti­gen, sti­lis­tisch so zugäng­li­chen Fil­mes, nicht nur mit der Scham zu bre­chen, son­dern dem geäch­te­ten Bild von Obdach­lo­sen und Sucht­kran­ken einen Gegen­ent­wurf aus Anteil­nah­me, Mit­ge­fühl und Für­sor­ge ent­ge­gen­zu­stel­len. Lub­o­ja­ckis erklär­tes Ziel ist es, den Zuschau­er ein­zu­la­den, es ihr gleich­zu­tun, mit „bru­ta­ler Ehr­lich­keit“ hin­zu­schau­en, weil es Leben ret­ten kann. Denn ‘wären Tau­ben aus Gold, wür­den sie die Stra­ßen deko­rie­ren und wären den ande­ren Vögeln eben­bür­tig. Sie wür­den nicht die Bän­ke voll­schei­ßen, Müll fres­sen und vor der Rea­li­tät flüch­ten. Sie wür­den die Stra­ßen zum Glän­zen brin­gen.’ ” Ber­li­ner Filmfestivals

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

ČSSR 1980, 95 min, Slo­wa­kisch mit engl. UT

Regie: Dušan Hanák

Da der klein­wüch­si­ge Bahn­post­ar­bei­ter Piš­ta kei­ne Frau fin­det, gibt er sich hem­mungs­los dem Alko­hol hin. Als sein Freund Vin­co, ein statt­li­cher Macho, ver­un­glückt und die schwan­ge­re Vie­ra hin­ter­lässt, küm­mert er sich lie­be­voll um die ‚Wit­we‘. Oh ja, er hat sie schon immer ins­ge­heim ver­ehrt und ist sogar bereit, für ihre Gegen­lie­be dem Alko­hol zu ent­sa­gen. Als er jedoch rück­fäl­lig wird, wirft auch sie ihn hinaus.

Zwi­schen Paket­sta­peln, Bahn­hofs­knei­pen und Woh­nun­gen am Stadt­rand ent­fal­tet Ja milujem, ty miluješ ein komisch-trau­ri­ges Uni­ver­sum aus Witz, Poe­sie und vie­len skur­ri­len Ent­glei­sun­gen. Und die Lie­be, von der hier die Rede ist, meint weni­ger die gro­ße roman­ti­sche Wal­lung, als das ele­men­ta­re Bedürf­nis, einem ande­ren Men­schen nahe zu sein.

Der zärt­li­che Blick Dusan Hanaks auf die Habe­nicht­se am Rand der Gesell­schaft war der Zen­sur so unheim­lich, dass der 1980 gedreh­te Film fast ein Jahr­zehnt unter Ver­schluss blieb, bevor er 1989 in Ber­lin den Sil­ber­nen Bären für die bes­te Regie gewann. (Ralph Eue)

VOR­FILM:

Uče­nie (Lear­ning)

ČSSR 1965, 15 min, Slo­wa­kisch mit engl. UT

Regie: Dušan Hanák

Der Film por­trä­tiert jun­ge Fri­seur-Lehr­lin­ge und the­ma­ti­siert ihren Ein­stieg ins Berufs- und Erwachsenenleben.

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

ČSSR 1967, 87 min, OmeU

Regie: Jozef Zachar

Ein­füh­rung: Olaf Moeller

Auf­ruhr in der Abitur­klas­se: Ein übler Streich bringt fünf Abitu­ri­en­tin­nen eines slo­wa­ki­schen Gym­na­si­ums in Ver­ruf. Jemand hat einen „Ver­trag mit dem Teu­fel” fabri­ziert, ein auf altes Per­ga­ment geschrie­be­nes und angeb­lich mit Blut unter­zeich­ne­tes Schrift­stück. Dar­in ver­pflich­ten sich die fünf Mäd­chen schein­bar, noch vor der Matu­ra ihre Unschuld zu ver­lie­ren. Das Papier gerät in die Hän­de der Leh­rer­schaft, und die Empö­rung ist groß. Die Schü­le­rin­nen beteu­ern, nichts damit zu tun zu haben, doch nie­mand glaubt ihnen: weder die Schul­lei­tung noch die eige­nen Eltern. Aus Trotz beschlie­ßen Mar­ce­la, Ája, Oli­na und ihre Freun­din­nen dar­auf­hin, den Pakt tat­säch­lich zu erfül­len und genau das zu tun, was man ihnen ohne­hin unter­stellt. Ihre Ver­su­che gera­ten meist unbe­hol­fen und komisch – an einer Stel­le aber füh­ren sie fast in die Katastrophe.

Jozef Zachar insze­nier­te das Dreh­buch des Dra­ma­ti­kers Ivan Buko­včan als bit­ter­sü­ße Komö­die. Sie nimmt die sprü­hen­de Vita­li­tät der Mäd­chen aus dem Schuss­feld und nimmt statt­des­sen die Dop­pel­mo­ral einer Gesell­schaft spät­tisch ins Visier, die von Sitt­lich­keit spricht und Miss­trau­en meint. Die jun­gen Dar­stel­le­rin­nen Iva­na Kar­ba­no­vá, Zuz­a­na Kocúri­ko­vá und Syl­via Tur­bo­vá spie­len mit fre­cher Unbe­küm­mert­heit. Ihnen gegen­über steht eine Rie­ge pro­mi­nen­ter Neben­dar­stel­ler, dar­un­ter Vla­dimír Menšík, Jaromír Hanz­lík und Marián Labu­da. Die Musik stammt von Zdeněk Liš­ka. (Ralph Eue)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Öster­reich / Luxem­burg / Deutsch­land 2026, 119 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Ulri­ke Ottinger

Eine aben­teu­er­li­che Schnit­zel­jagd durch Wiens mor­bi­de Schau­plät­ze, opu­len­te Kos­tü­me und spek­ta­ku­lä­re Kino-Bil­der von Kame­ra­mann Mar­tin Gschlacht. Ein exzen­tri­scher Tanz der Vam­pi­re im Dreivierteltakt.

Zwi­schen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUT­GRÄ­FIN von Kult­re­gis­seu­rin Ulri­ke Ottin­ger ist die Mut­ter aller Kino­fes­te, ein gro­tes­kes Gela­ge gran­dio­ser Gran­de Dames, die nach dem roten Eli­xier des Lebens stre­ben und auf der Umlauf­bahn der Deu­tun­gen abso­lut unein­hol­bar sind. Ein exzel­len­tes, spiel­freu­di­ges Ensem­ble in einer feder­leich­ten Vam­pir­ko­mö­die, die schon jetzt unsterb­lich ist.

“…Ottin­ger fin­det sou­ve­rän jene Ton­la­ge zwi­schen quee­rem Spek­ta­kel, heid­ni­schem Bil­der­sturm und Hoch­kul­tur-Per­si­fla­ge, die immer schon einen wich­ti­gen Strang in ihrem gro­ßen und beein­dru­cken­den Werk aus­ge­macht hat. Elfrie­de Jeli­nek hat ihr aus Freund­schaft bei den Dia­lo­gen ein wenig unter den Schreib­arm gegrif­fen und damit eini­ge groß­ar­ti­ge Details zu einem Film bei­gesteu­ert, den man nicht zuletzt als eine Urkun­de der Ver­bun­den­heit die­ser bei­den so unter­schied­li­chen Städ­te Ber­lin und Wien sehen kann.“ (Bert Reb­handl, tipBerlin)

Deutsch­land 2026, 111 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Andre­as Dresen

Eine berüh­ren­de und zugleich hei­te­re Paar­ge­schich­te vol­ler Wort­witz, lei­ser Melan­cho­lie und zärt­li­cher Momen­te. Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Best­sel­ler von Elke Hei­den­reich und Bernd Schroe­der, der im August 2026 im Han­ser Ver­lag neu auf­ge­legt wird, erzäh­len sie über zwei Men­schen, die nach vier Jahr­zehn­ten Jah­ren Ehe ent­de­cken, dass es für Ver­än­de­run­gen nie zu spät ist.

Seit sei­ner Pen­sio­nie­rung meckert Har­ry nur noch rum, trinkt Wei­zen­bier und pflegt sei­nen Rit­ter­sporn. Fin­det Lore. Sie klam­mert sich an ihren Job als Biblio­the­ka­rin, orga­ni­siert pein­li­che Lesun­gen und ver­ehrt ihre Dich­ter wie Pro­phe­ten. Fin­det Har­ry. Für ein altes Ehe­paar reden die bei­den erstaun­lich viel – und mei­nen doch meis­tens etwas ande­res. Als Toch­ter Julia zum drit­ten Mal hei­ra­ten will, ist der Streit pro­gram­miert und doch nur die Spit­ze des Eis­bergs. In vier­zig Jah­ren Ehe sam­melt sich eini­ges an. Unter der Ober­flä­che bro­delt es: unaus­ge­spro­che­ne Fra­gen, alte Eifer­sucht, der Streit um Har­rys Phleg­ma und um den Sinn eines Hoch­druck­rei­ni­gers. Wäh­rend Har­ry sei­nen Gar­ten hegt, träumt Lore von einem ande­ren Leben, von Rei­sen, von Auf­bruch. Sie fühlt sich kraft­los und fragt sich immer dring­li­cher: War das schon alles? Wel­che Chan­cen hat sie ver­passt? Ist es mit über sech­zig zu spät für einen Neu­an­fang? Har­ry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. (Pan­do­ra)

ČSR 1932, 95 min, OmeU

Ein Pra­ger Gym­na­si­um kurz vor der Matu­ra. Die Abitu­ri­en­ten fürch­ten ihren pedan­ti­schen Mathe­ma­tik­leh­rer Kleč und ver­eh­ren den ver­stän­di­gen Pro­fes­sor Donát. Der begab­te Jan Šimon fin­det neben dem Ler­nen Zeit für Sport und für die Schü­le­rin Mar­ta. Sein Zim­mer­ge­nos­se Karel Kaf­ka dage­gen müht sich näch­te­lang ver­geb­lich mit Zah­len ab. Auf einem Klas­sen­aus­flug eska­liert der Kon­flikt mit Kleč, der Šimon von der Schu­le wer­fen las­sen will. Als Kaf­ka durch die Mathe­ma­tik­prü­fung fällt, greift er zu Šimons Revol­ver. Beim Ver­such, ihm die Waf­fe zu ent­win­den, wird Kleč ange­schos­sen. Am Kran­ken­bett ver­än­dert sich das Ver­hält­nis zwi­schen Leh­rer und Schü­lern grundlegend.

PŘED MATU­RI­TOU ist das Regie­de­büt von Vla­dis­lav Vanču­ra. Er war Arzt, ers­ter Vor­sit­zen­der der Avant­gar­de­ver­ei­ni­gung Devět­sil und einer der eigen­wil­ligs­ten Pro­sa­au­to­ren der tsche­chi­schen Moder­ne. An sei­ner Sei­te stand mit Svat­o­pluk Inne­mann ein erfah­re­ner Rou­ti­nier des Unter­hal­tungs­films, für den die Arbeit einen zwei­ten künst­le­ri­schen Höhe­punkt mar­kier­te. Aus die­ser unge­wöhn­li­chen Alli­anz ent­stand ein frü­hes Ton­film­dra­ma. Es ver­bin­det den Elan eines Jugend­films mit einem für die Zeit erstaun­lich scho­nungs­lo­sen Blick auf Leis­tungs­druck, Ver­zweif­lung und auto­ri­tä­re Päd­ago­gik. Jin­dřich Plach­ta legt den gefürch­te­ten Kleč nicht als Kari­ka­tur an, son­dern als Mann, des­sen Stren­ge die eige­ne Ver­letz­lich­keit verbirgt.

Der Film star­te­te am 9. Sep­tem­ber 1932 in den Pra­ger Kinos Kot­va und Lucer­na und lief dort jeweils fünf Wochen. Die Zen­sur gab ihn aus­ge­rech­net für Jugend­li­che nicht frei, also für jenes Publi­kum, von dem er erzählt. Vanču­ra insze­nier­te danach noch vier wei­te­re Fil­me, dar­un­ter die avant­gar­dis­ti­schen Expe­ri­men­te NA SLU­N­EČNÍ STRANĚ und MARI­J­KA NEVĚR­NICE, bevor er 1942 von den natio­nal­so­zia­lis­ti­schen Besat­zern hin­ge­rich­tet wur­de. Grö­ße­re Bekannt­heit erlang­te sein Name im Kino spä­ter durch Ver­fil­mun­gen sei­ner Roma­ne, allen vor­an Fran­tišek Vlá­čils MAR­KE­TA LAZA­RO­VÁ (1967). (Ralph Eue)

ČSFR 1992, 120 min, Tsche­chisch mit deut­schen UT

Regie: Věra Chytilová

Bohuš ist der größ­te Tau­ge­nichts eines mäh­ri­schen Dor­fes. Er lebt in den Tag hin­ein, ver­bringt sei­ne Aben­de in der Dorf­knei­pe und wirbt dort um die Gunst der Wir­tin Vlas­ta. Eines Tages taucht ein Herr im Anzug auf und will ihn spre­chen. Die Sauf­kum­pa­ne des Tau­ge­nichts hal­ten den Frem­den sofort für einen Geheim­po­li­zis­ten. Der ent­puppt sich jedoch als Anwalt mit einer unglaub­li­chen Nach­richt: Bohuš hat ein Ver­mö­gen geerbt. Über Nacht wird aus dem Dorf­trot­tel ein Mil­lio­när, der die neue Frei­heit des Gel­des mit vol­len Hän­den aus­kos­tet und eine aber­wit­zi­ge Idee nach der ande­ren umsetzt.

Das Dreh­buch schrie­ben Chyti­l­o­vá und Bolek Polív­ka, der auch die Haupt­rol­le spielt. Polív­ka, der in Tsche­chi­en vor allem als Pan­to­mi­me, Clown und Thea­ter­mann bekannt ist, spielt den Bohuš mit der­ber Wucht und über­ra­schen­der Gut­mü­tig­keit. Schon der nahe­zu unaus­sprech­li­che Titel – eine Mischung aus tsche­chi­schem Fluch und ver­ball­horn­tem „Guten Tag“ – gibt den Ton vor.

Dědict­ví aneb Kur­vahoši­gutn­tag ent­stand kurz nach der Sam­te­nen Revo­lu­ti­on. Damals galt der Film vie­len als blo­ße Kom­merz­ko­mö­die. Kri­tik und Publi­kum rümpf­ten die Nase über die Vul­ga­ri­tät und gro­tes­ken Über­zeich­nun­gen des Films.

Erst im Rück­blick zeig­te sich, wie hell­sich­tig Chyti­l­o­vá die Wen­de­jah­re erfasst hat­te: als Moral­stück über die Fähig­keit von Geld, tief in die DNA nicht nur ein­zel­ner Men­schen, son­dern einer gan­zen Gesell­schaft einzudringen.

Heu­te zählt der Film zu den stärks­ten Arbei­ten ihres Spät­werks. (Ralph Eue)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Frank­reich / Deutsch­land / Lett­land 2026. 141 min, rus­si­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Andrey Zvyagintsev

Russ­land, 2022: Fir­men­chef Gleb gerät von allen Sei­ten unter Druck. Einer­seits quält ihn der Ver­dacht, dass sei­ne Frau ihn betrügt, ande­rer­seits soll er ein Kon­tin­gent der Beleg­schaft für den Krieg stel­len. Er will sau­be­re Hän­de behal­ten, doch der Kampf um die Kon­trol­le droht ihm zu entgleiten.

„Der Krieg ist dabei von Anfang an prä­sent, auch wenn Zvyag­int­s­ev ihn fast nie direkt zeigt. Mili­tär­pla­ka­te hän­gen an Haus­fas­sa­den, Pan­zer rol­len auf Zügen durch die Stadt, jun­ge Män­ner ver­schwin­den an die Front. Der Krieg ist wie ein per­ma­nen­tes Hin­ter­grund­rau­schen, das längst Teil des All­tags gewor­den ist. Nie­mand dis­ku­tiert dar­über wirk­lich. Nie­mand scheint über­rascht oder empört. Gera­de die­se Nor­ma­li­sie­rung macht MINO­TAUR unan­ge­nehm prä­zi­se deut­lich. (…) Der titel­ge­ben­de Mythos bleibt im Hin­ter­grund, zieht sich aber unter­schwel­lig durch den gesam­ten Film. Wie im anti­ken Mythos wer­den auch hier Men­schen geop­fert, um ein Sys­tem am Leben zu hal­ten. Die vier­zehn Mit­ar­bei­ter, die Gleb an die Front schi­cken soll, sind kein Zufall. Zvyag­int­s­ev ver­bin­det die­se Opfer­be­reit­schaft mit einem Staat, der sei­ne eige­nen Bür­ger ver­schlingt und gleich­zei­tig jede Ver­ant­wor­tung von sich weist. Dabei beein­druckt vor allem, wie kon­se­quent MINO­TAUR jede Form von Hoff­nung ver­wei­gert. Der Film glaubt nicht an schnel­le Ver­än­de­run­gen oder mora­li­sche Erlö­sung. Statt­des­sen zeigt er eine Gesell­schaft, die sich längst mit ihrer eige­nen Käl­te arran­giert hat. Das mag stre­cken­wei­se schwer aus­zu­hal­ten sein, doch gera­de die­se Kon­se­quenz macht den Film so kraft­voll. (…) Vor allen Din­gen ist er ein Film, der weit über sei­ne kon­kre­te poli­ti­sche Situa­ti­on hin­aus­reicht. Er erzählt von einer Gesell­schaft, in der Men­schen ihre Mensch­lich­keit Stück für Stück gegen Sta­bi­li­tät, Wohl­stand und Selbst­schutz ein­ge­tauscht haben – und erkennt dar­in eine Tra­gö­die.“ (Mia Pflü­ger, kino​-zeit​.de)

„Ihre ers­ten bei­den Fil­me waren noch weit von der Poli­tik ent­fernt. Die fol­gen­den vier, dar­un­ter MINO­TAU­RUS, befas­sen sich dage­gen mit der Lage in Russ­land. Obwohl sie nicht mehr dort leben, keh­ren sie immer wie­der zur Ana­ly­se der rus­si­schen Gesell­schaft zurück. Wie bli­cken Sie heu­te auf Russ­land und die Welt? - Seit LEVIA­THAN ste­hen mei­ne Fil­me tat­säch­lich in einem kon­kre­ten poli­ti­schen Kon­text. Die Poli­tik ist in unser Leben ein­ge­drun­gen, und wir kön­nen uns ihr nicht mehr ent­zie­hen. (…) Die Men­schen im heu­ti­gen Russ­land sind apa­thisch und leben unter dem Joch der Zen­sur. Sie haben Angst, sind ori­en­tie­rungs­los, und die sozia­len Netz­wer­ke funk­tio­nie­ren immer schlech­ter. Der Kampf gegen den Fort­schritt läuft eben­so auf Hoch­tou­ren wie die Pro­pa­gan­da­ma­schi­ne­rie. Alle ver­su­chen, die Augen zu ver­schlie­ßen. Denn mit jedem Tag ste­hen sie tie­fer in der Schuld der Wahr­heit, und es wird immer beängs­ti­gen­der, ihr ins Auge zu sehen – Russ­land wirkt inzwi­schen wie ein Unge­heu­er. Die euro­päi­sche Zivi­li­sa­ti­on ruht auf drei Säu­len: der Ver­nunft, dem Logos der alten Grie­chen; der Gerech­tig­keit, dem römi­schen Recht; und der christ­li­chen Nächs­ten­lie­be. Wenn sich unse­re Vor­stel­lun­gen von Ver­nunft und Gerech­tig­keit vor unse­ren Augen ver­än­dern und neue Regeln uns gera­de­wegs in den Zusam­men­bruch füh­ren, müs­sen wir uns auf Nächs­ten­lie­be besinnen. (…)

Da Dreh­ar­bei­ten in Russ­land nicht infra­ge kamen: War­um fiel Ihre Wahl auf Lett­land? - Ich wuss­te, dass sich die rus­si­sche Ver­gan­gen­heit in Lett­land noch an der Archi­tek­tur able­sen lässt. Die sowje­ti­schen Groß­wohn­sied­lun­gen Rigas glei­chen denen in den Vor­or­ten rus­si­scher Städ­te. Die Riga­er Alt­stadt hin­ge­gen sieht aus wie jede ande­re euro­päi­sche Stadt und kann des­halb nicht als Russ­land die­nen. Eine der zen­tra­len Sequen­zen des Films spielt jedoch in der Woh­nung des Foto­gra­fen Anton, im sieb­ten Stock eines Wohn­blocks. Ich war sicher, dass wir einen sol­chen Ort in Riga fin­den wür­den. Außer­dem brauch­ten wir außer­halb der Stadt ein Haus für das Ehe­paar. Die Vil­len rund um Riga besit­zen aller­dings eine ganz eige­ne archi­tek­to­ni­sche Fär­bung und unter­schei­den sich etwas von denen im Mos­kau­er Umland. Doch wir hat­ten Glück: Nicht weit von Riga fan­den wir ein eben­erdi­ges Haus in euro­päi­scher Bau­wei­se, wie es auch in der Umge­bung rus­si­scher Städ­te ste­hen könn­te. Die Hand­lung ist in einer mit­tel­gro­ßen rus­si­schen Pro­vinz­stadt ange­sie­delt, für die wir sogar einen Namen erfun­den haben: Kras­no­borsk. Die benö­tig­ten Innen­räu­me fan­den wir in Riga ohne Schwie­rig­kei­ten. (…) Die Außen­auf­nah­men ent­stan­den also in einer Riga­er Groß­wohn­sied­lung; die Woh­nung selbst war ein eigens errich­te­ter Studiobau.

Konn­ten Sie für die­sen Film wie­der mit Ihrer gewohn­ten Crew arbei­ten? - Ja, zum Glück. Obwohl wir heu­te über die gan­ze Welt ver­streut leben, konn­ten wir fast alle wie­der zusam­men­brin­gen. Andrey Der­ga­chev etwa, der seit DIE VER­BAN­NUNG bei all mei­nen Fil­men für den Ton ver­ant­wort­lich ist, lebt in Kana­da. Andrey Pon­kra­tov, seit DIE VER­BAN­NUNG mein Sze­nen­bild­ner, und Masha Sla­vina, die bereits am Sze­nen­bild von LOVE­L­ESS mit­ge­wirkt hat­te, leben in den Ver­ei­nig­ten Staa­ten. Mikhail Krich­man, der Kame­ra­mann all mei­ner Fil­me, lebt in Lon­don. Auch mein Koau­tor Simon Lya­shen­ko wohnt nicht mehr in Russ­land. Ich selbst bin in Frank­reich, eben­so wie mein Kom­po­nist Evgue­ni Gal­pe­ri­ne. Mit ihm hat­te ich bereits bei LOVE­L­ESS gear­bei­tet, und sein Talent hat mich sehr beein­druckt. Für die­sen Film woll­te ich nur sehr wenig Musik, eigent­lich fast gar kei­ne. Es gibt eine bei­na­he zwan­zig­mi­nü­ti­ge Sze­ne ohne Dia­log. Natür­lich hät­te ich ver­sucht sein kön­nen, dort Musik ein­zu­set­zen. Doch ich nahm mir vor, die­ser Ver­su­chung nicht nach­zu­ge­ben. Und es ist mir durch­aus gelun­gen – auch wenn dar­über letzt­lich das Publi­kum ent­schei­det. Unver­zicht­bar erschie­nen mir nur die Musik im Vor­spann und jene, die die letz­ten Bil­der beglei­tet.“ (Gespräch mit Andrey Zvyag­int­s­ev, Pres­se­heft MUBI)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Ita­li­en / Deutsch­land 2025, 98 min, ita­lie­ni­sche Ori­gi­nal­fas­sung mit deut­schen UT

Regie: Fran­ces­co Sossai

Car­lo­bi­an­chi und Doria­no, zwei mit­tel­lo­se Fünf­zig­jäh­ri­ge, sind beses­sen von der Idee des letz­ten Gla­ses. Als sie auf einer Nacht­fahrt durch die vene­ti­sche Ebe­ne zufäl­lig dem schüch­ter­nen Archi­tek­tur­stu­den­ten Giu­lio begeg­nen, beginnt ein chao­ti­scher Road­trip vol­ler schlech­ter Rat­schlä­ge, Rausch­zu­stän­de und uner­war­te­ter Freundschaften.

„So befreit und betrun­ken Car­lo­bi­an­chi und Doria­no durchs Leben mäan­dern, so unge­zwun­gen erzählt Sos­sai auch. Ansatz­los fügt er Erzäh­lun­gen oder Erin­ne­run­gen ein, lässt das Duo bald die Poli­zei, die eine Kon­trol­le durch­füh­ren will, abhän­gen, nach einem Restau­rant suchen, in dem sie einst die bes­ten Schne­cken genos­sen, oder sich gegen­über dem ade­li­gen Besit­zer eines reno­vie­rungs­be­dürf­ti­gen Land­schlos­ses als Archi­tek­ten aus­ge­ben. Ganz eige­nen Reiz ent­wi­ckelt LE CIT­TÀ DI PIA­NURA dabei auch durch den Dreh auf ana­lo­gem Super 16mm Film. Mit den ver­wa­sche­nen Far­ben und der leich­ten Kör­nung sind die Bil­der ungleich hap­ti­scher als gesto­chen schar­fe Digi­tal­bil­der. Gleich­zei­tig passt die­se Ästhe­tik eben­so wie die alko­hol­ge­schwän­ger­ten, sich an der ame­ri­ka­ni­schen Folk-Musik ori­en­tie­ren­den Songs des aus Tre­vi­so stam­men­den Sin­ger-Song­wri­ters Kra­no auch bes­tens zu den wenig gla­mou­rö­sen und sehr all­täg­li­chen Prot­ago­nis­ten. (…) Mögen Car­lo­bi­an­chi und Doria­no in ihrer Ziel­lo­sig­keit dabei auch an die Prot­ago­nis­ten von Feder­i­co Fellins VITEL­LO­NI / DIE MÜS­SIG­GÄN­GER (1953) erin­nern und Sos­sai auch mit einer Hub­schrau­ber­sze­ne Felli­nis LA DOL­CE VITA (1960) sei­ne Reve­renz erwei­sen, so steht LE CIT­TÀ DI PIA­NURA ins­ge­samt doch vor allem in der Tra­di­ti­on der frü­hen Fil­men Jim Jar­muschs und Aki Kau­ris­mä­kis. Nicht nur die Prot­ago­nis­ten und der melan­cho­li­sche Blick auf eine tris­te Welt ver­bin­det die­se Rei­se durch Nord­ita­li­en mit den Fil­men der US-Indie-Iko­ne und des Fin­nen, son­dern auch die Arbeit mit der Musik und die auf klas­si­sche Plot­points ver­zich­ten­de, undra­ma­ti­sche Erzähl­wei­se, durch die die­ses Road­mo­vie sei­ne bezau­bern­de und befrei­en­de Kraft ent­wi­ckelt.“ (Wal­ter Gas­pe­ri, film​-netz​.com)

Pet­ters­son und Fin­dus – Namens­tag für alle

Fin­dus beschließt sei­nen Namens­tag zu fei­ern. Pet­ters­son und die Hüh­ner sind natür­lich auch dabei. Das Fest läuft aller­dings anders als geplant.
Regie: Dirk Ham­pel, Mir­ko Drei­ling, Ben­ja­min Loren­zo, S/D 2021, Zei­chen­trick­film, 12 Min.

Die Weih­nachts­gans Auguste

Der Vater bringt eine leben­de Gans als Weih­nachts­bra­ten nach Hau­se. Doch Augus­te erobert die Her­zen der Kin­der und das Fest­essen ist in Gefahr!
Regie: Gün­ter Rätz, DDR 1985, Pup­pen­trick­film, 20 Min.