Programm

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Deutschland 2026, 86 min, deutsche Originalfassung

Regie: Saša Vajda

In der Hitze des Berliner Sommers liegt Maria im Sterben. Ihr 16-jähriger Sohn Ilay driftet mit seinen Freunden durch die Peripherie der Stadt, während zu Hause die mexikanische Palliativ-Pflegerin Ana die Schwerkranke umsorgt. Zunehmend gerät Ilay in einen Zustand von Schlaflosigkeit und Tagtraum, flieht vor dem nahenden Tod seiner Mutter und droht, die Verbindung zur Realität zu verlieren. Ana hat zugleich mit ihrem fordernden Berufsalltag und mit einer Bürde aus ihrer schwierigen Vergangenheit zu kämpfen… In stillen, intensiven Bildern zeigt Saša Vajdas erster Langspielfilm den Alltag von Ilay und Ana. Zart sind die Bande zwischen den Figuren und sanft verwebt sich Alltägliches mit Traumhaftem.

„THE LIGHTS, THEY FALL nimmt sich als Stimmungsbild die letzten Tage im Leben einer Mutter zum Ausgangspunkt und spinnt leise die Fäden zu den Menschen, die sie umgeben. Ihr Sohn Ilay bestreitet schlaflos seinen prekären Alltag und mäandert, wie aus der Zeit gefallen, durch die Straßen. Zugleich zeichnet der Film die Arbeit der mexikanischen Pflegekraft Ana nach, die sich dem kranken Körper der Mutter annimmt, ihn routiniert wäscht, umbettet. Beide Figuren leben zunächst in ihrem eigenen Orbit.

Mir ging es in der Umsetzung vor allem um ein verändertes Zeitgefühl, welches sich einstellt, wenn ein Mensch von einem geht. Das verband ich mit einer einfach gehaltenen Erzählung, die sich stark an Cesare Zavattinis neorealistischen Drehbüchern orientiert, wie beispielsweise UMBERTO D., der um einen einzigen Moment in dem Leben seiner Figur kreist, der in seiner ganzen Komplexität beleuchtet wird. (…)

Das Street-Casting für THE LIGHTS, THEY FALL erstreckte sich über einen Zeitraum von zwei Jahren, in denen wir diesen Film besetzt und die fiktive Geschichte zum Teil mit den Berufen oder dem Wesenskern dieser Menschen lose verbanden. Ana, die Palliativpflegerin im Film wird von Flor Catemaxca, einer tatsächlichen Intensivpflegerin gespielt. Die Jugendlichen sind ebenfalls mit Laien besetzt und bringen ihren eigenen Habitus in den Film ein. 16-mm-Film und der Einsatz von anamorphotischen Linsen betonen in ruhigen, tendenziell langsamen Einstellungen die Verortung der Charaktere in Raum und Zeit. Die Elemente und die Figuren sollen in ihrer Präsenz spürbar werden – ein Gewitter, die Verlassenheit Ilays, die Pflege von Marias krankem Körper, die offenen Wunden einer Großstadt und ihrer gesellschaftlichen Ränder. Sich eigentlich fremd, führen die Wege des Jungen und der Pflegerin in dem Tod der Mutter zusammen. Ilay ist einem nicht einfachen Schicksal ausgesetzt, aber er hält stur an seinem tief verwurzelten Glauben an einer Transzendenz fest, worin am Ende seine Freiheit liegt.“ (Regienotiz)

So. 23.08.

19:00 Uhr

Hiddensee

Annekatrin Hendel

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Deutschland 2026, 119 min, deutsche Originalfassung

Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

So. 23.08.

21:15 Uhr

Noga נֹגַהּ

, OmdU

Jono & Benji Bergmann

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AT/ D/ IL 2026, 96 min, Hebräisch | Englisch mit deutschen UT

Regie: Jono & Benji Bergmann

Die Musikerin Noga Erez ist mit ihrem kreativen Partner und Lebensgefährten Ori Rousso DIE Musiksensation auf den internationalen Bühnen. Provokante Hits wie End Of The Road und Viewsfüllen die Hallen und machen sie zum heißesten Musikexport Israels. Als sie, von privaten Zerwürfnissen gebeutelt, an ihrem bislang größten Album arbeitet, wird ihr Leben von den politischen Ereignissen in ihrer Heimat erschüttert. Zwischen ausverkauften Konzerten, kompromissloser Kunst und einer Welt im Ausnahmezustand sucht sie nach Antworten – und nach ihrer eigenen Stimme. Mit außergewöhnlicher Nähe erzählen Jono und Benji Bergmann die Geschichte einer Künstlerin, die sich weder vereinnahmen noch zum Schweigen bringen lässt.

„Der Film entstand aus einem instinktiven Impuls heraus – der Erkenntnis, dass es sich hier nicht nur um eine aufstrebende Musikerin handelte, sondern um eine lebhafte Persönlichkeit, die sich in Echtzeit durch Ruhm, Intimität und Katastrophen bewegte. Von Anfang an ging es uns nicht darum, Nogas gesamtes Leben bis zu diesem Zeitpunkt nachzuzeichnen. Wir wollten einen Ausschnitt aus ihrem Leben einfangen: einen konzentrierten Blick auf mehrere entscheidende Jahre, in denen eine kreative Partnerschaft und ihr Identitätsgefühl gleichzeitig auf die Probe gestellt wurden. (…) Die Dreharbeiten begannen 2019. Die folgenden fünf Jahre entwickelten sich zu den prägendsten und zugleich unvorhersehbarsten ihres Lebens. Alles geriet aus den Fugen. Es gab zahlreiche Abschiede und Neuanfänge, immer wieder glaubten wir, die Geschichte gefunden zu haben – nur damit das Leben sie kurz darauf erneut in eine andere Richtung lenkte. Im Zentrum blieb jedoch stets dieselbe Frage: Wie verarbeitet eine vielschichtige künstlerische Stimme eine ebenso vielschichtige Wirklichkeit – mit den Mitteln der Musik, der Sprache, der Kunst?

In vielerlei Hinsicht ist dieser Film deshalb auch ein persönlicher. Wir sind zwar Brüder und kein Paar, doch die Beobachtung von Noga und Ori hat uns dazu gebracht, auch unseren eigenen künstlerischen Prozess zu hinterfragen. Als Juden, die in Österreich aufgewachsen sind, verbindet uns zudem ein komplexes Verhältnis zur Geschichte: Was wird weitergegeben? Was bleibt Erinnerung? Was wird auf uns projiziert? Und was kehrt immer wieder in der Gegenwart zurück? Der Film wurde für uns zu einer Möglichkeit, diesen Fragen in der Unmittelbarkeit des Hier und Jetzt nachzugehen. Wir wollten keinen Film machen, der einfache Antworten liefert. In einer Welt, die so komplex und widersprüchlich ist wie die unsere, bergen Antworten allzu oft die Gefahr, neue Vereinfachungen zu schaffen. Unsere Aufgabe sehen wir vielmehr darin, bessere Fragen zu stellen – Fragen, die Verhärtungen lösen und vielleicht den Raum öffnen für etwas, das wahrhaftiger ist und Menschen wieder miteinander verbindet.“ (Regiekommentar)

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Deutschland 2026, 86 min, deutsche Originalfassung

Regie: Saša Vajda

In der Hitze des Berliner Sommers liegt Maria im Sterben. Ihr 16-jähriger Sohn Ilay driftet mit seinen Freunden durch die Peripherie der Stadt, während zu Hause die mexikanische Palliativ-Pflegerin Ana die Schwerkranke umsorgt. Zunehmend gerät Ilay in einen Zustand von Schlaflosigkeit und Tagtraum, flieht vor dem nahenden Tod seiner Mutter und droht, die Verbindung zur Realität zu verlieren. Ana hat zugleich mit ihrem fordernden Berufsalltag und mit einer Bürde aus ihrer schwierigen Vergangenheit zu kämpfen… In stillen, intensiven Bildern zeigt Saša Vajdas erster Langspielfilm den Alltag von Ilay und Ana. Zart sind die Bande zwischen den Figuren und sanft verwebt sich Alltägliches mit Traumhaftem.

„THE LIGHTS, THEY FALL nimmt sich als Stimmungsbild die letzten Tage im Leben einer Mutter zum Ausgangspunkt und spinnt leise die Fäden zu den Menschen, die sie umgeben. Ihr Sohn Ilay bestreitet schlaflos seinen prekären Alltag und mäandert, wie aus der Zeit gefallen, durch die Straßen. Zugleich zeichnet der Film die Arbeit der mexikanischen Pflegekraft Ana nach, die sich dem kranken Körper der Mutter annimmt, ihn routiniert wäscht, umbettet. Beide Figuren leben zunächst in ihrem eigenen Orbit.

Mir ging es in der Umsetzung vor allem um ein verändertes Zeitgefühl, welches sich einstellt, wenn ein Mensch von einem geht. Das verband ich mit einer einfach gehaltenen Erzählung, die sich stark an Cesare Zavattinis neorealistischen Drehbüchern orientiert, wie beispielsweise UMBERTO D., der um einen einzigen Moment in dem Leben seiner Figur kreist, der in seiner ganzen Komplexität beleuchtet wird. (…)

Das Street-Casting für THE LIGHTS, THEY FALL erstreckte sich über einen Zeitraum von zwei Jahren, in denen wir diesen Film besetzt und die fiktive Geschichte zum Teil mit den Berufen oder dem Wesenskern dieser Menschen lose verbanden. Ana, die Palliativpflegerin im Film wird von Flor Catemaxca, einer tatsächlichen Intensivpflegerin gespielt. Die Jugendlichen sind ebenfalls mit Laien besetzt und bringen ihren eigenen Habitus in den Film ein. 16-mm-Film und der Einsatz von anamorphotischen Linsen betonen in ruhigen, tendenziell langsamen Einstellungen die Verortung der Charaktere in Raum und Zeit. Die Elemente und die Figuren sollen in ihrer Präsenz spürbar werden – ein Gewitter, die Verlassenheit Ilays, die Pflege von Marias krankem Körper, die offenen Wunden einer Großstadt und ihrer gesellschaftlichen Ränder. Sich eigentlich fremd, führen die Wege des Jungen und der Pflegerin in dem Tod der Mutter zusammen. Ilay ist einem nicht einfachen Schicksal ausgesetzt, aber er hält stur an seinem tief verwurzelten Glauben an einer Transzendenz fest, worin am Ende seine Freiheit liegt.“ (Regienotiz)

Mo. 24.08.

19:00 Uhr

Hiddensee

Annekatrin Hendel

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Deutschland 2026, 119 min, deutsche Originalfassung

Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

Mo. 24.08.

21:15 Uhr

Noga נֹגַהּ

, OmdU

Jono & Benji Bergmann

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AT/ D/ IL 2026, 96 min, Hebräisch | Englisch mit deutschen UT

Regie: Jono & Benji Bergmann

Die Musikerin Noga Erez ist mit ihrem kreativen Partner und Lebensgefährten Ori Rousso DIE Musiksensation auf den internationalen Bühnen. Provokante Hits wie End Of The Road und Viewsfüllen die Hallen und machen sie zum heißesten Musikexport Israels. Als sie, von privaten Zerwürfnissen gebeutelt, an ihrem bislang größten Album arbeitet, wird ihr Leben von den politischen Ereignissen in ihrer Heimat erschüttert. Zwischen ausverkauften Konzerten, kompromissloser Kunst und einer Welt im Ausnahmezustand sucht sie nach Antworten – und nach ihrer eigenen Stimme. Mit außergewöhnlicher Nähe erzählen Jono und Benji Bergmann die Geschichte einer Künstlerin, die sich weder vereinnahmen noch zum Schweigen bringen lässt.

„Der Film entstand aus einem instinktiven Impuls heraus – der Erkenntnis, dass es sich hier nicht nur um eine aufstrebende Musikerin handelte, sondern um eine lebhafte Persönlichkeit, die sich in Echtzeit durch Ruhm, Intimität und Katastrophen bewegte. Von Anfang an ging es uns nicht darum, Nogas gesamtes Leben bis zu diesem Zeitpunkt nachzuzeichnen. Wir wollten einen Ausschnitt aus ihrem Leben einfangen: einen konzentrierten Blick auf mehrere entscheidende Jahre, in denen eine kreative Partnerschaft und ihr Identitätsgefühl gleichzeitig auf die Probe gestellt wurden. (…) Die Dreharbeiten begannen 2019. Die folgenden fünf Jahre entwickelten sich zu den prägendsten und zugleich unvorhersehbarsten ihres Lebens. Alles geriet aus den Fugen. Es gab zahlreiche Abschiede und Neuanfänge, immer wieder glaubten wir, die Geschichte gefunden zu haben – nur damit das Leben sie kurz darauf erneut in eine andere Richtung lenkte. Im Zentrum blieb jedoch stets dieselbe Frage: Wie verarbeitet eine vielschichtige künstlerische Stimme eine ebenso vielschichtige Wirklichkeit – mit den Mitteln der Musik, der Sprache, der Kunst?

In vielerlei Hinsicht ist dieser Film deshalb auch ein persönlicher. Wir sind zwar Brüder und kein Paar, doch die Beobachtung von Noga und Ori hat uns dazu gebracht, auch unseren eigenen künstlerischen Prozess zu hinterfragen. Als Juden, die in Österreich aufgewachsen sind, verbindet uns zudem ein komplexes Verhältnis zur Geschichte: Was wird weitergegeben? Was bleibt Erinnerung? Was wird auf uns projiziert? Und was kehrt immer wieder in der Gegenwart zurück? Der Film wurde für uns zu einer Möglichkeit, diesen Fragen in der Unmittelbarkeit des Hier und Jetzt nachzugehen. Wir wollten keinen Film machen, der einfache Antworten liefert. In einer Welt, die so komplex und widersprüchlich ist wie die unsere, bergen Antworten allzu oft die Gefahr, neue Vereinfachungen zu schaffen. Unsere Aufgabe sehen wir vielmehr darin, bessere Fragen zu stellen – Fragen, die Verhärtungen lösen und vielleicht den Raum öffnen für etwas, das wahrhaftiger ist und Menschen wieder miteinander verbindet.“ (Regiekommentar)

Di. 25.08.

18:00 Uhr

Noga נֹגַהּ

, OmdU

Jono & Benji Bergmann

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AT/ D/ IL 2026, 96 min, Hebräisch | Englisch mit deutschen UT

Regie: Jono & Benji Bergmann

Die Musikerin Noga Erez ist mit ihrem kreativen Partner und Lebensgefährten Ori Rousso DIE Musiksensation auf den internationalen Bühnen. Provokante Hits wie End Of The Road und Viewsfüllen die Hallen und machen sie zum heißesten Musikexport Israels. Als sie, von privaten Zerwürfnissen gebeutelt, an ihrem bislang größten Album arbeitet, wird ihr Leben von den politischen Ereignissen in ihrer Heimat erschüttert. Zwischen ausverkauften Konzerten, kompromissloser Kunst und einer Welt im Ausnahmezustand sucht sie nach Antworten – und nach ihrer eigenen Stimme. Mit außergewöhnlicher Nähe erzählen Jono und Benji Bergmann die Geschichte einer Künstlerin, die sich weder vereinnahmen noch zum Schweigen bringen lässt.

„Der Film entstand aus einem instinktiven Impuls heraus – der Erkenntnis, dass es sich hier nicht nur um eine aufstrebende Musikerin handelte, sondern um eine lebhafte Persönlichkeit, die sich in Echtzeit durch Ruhm, Intimität und Katastrophen bewegte. Von Anfang an ging es uns nicht darum, Nogas gesamtes Leben bis zu diesem Zeitpunkt nachzuzeichnen. Wir wollten einen Ausschnitt aus ihrem Leben einfangen: einen konzentrierten Blick auf mehrere entscheidende Jahre, in denen eine kreative Partnerschaft und ihr Identitätsgefühl gleichzeitig auf die Probe gestellt wurden. (…) Die Dreharbeiten begannen 2019. Die folgenden fünf Jahre entwickelten sich zu den prägendsten und zugleich unvorhersehbarsten ihres Lebens. Alles geriet aus den Fugen. Es gab zahlreiche Abschiede und Neuanfänge, immer wieder glaubten wir, die Geschichte gefunden zu haben – nur damit das Leben sie kurz darauf erneut in eine andere Richtung lenkte. Im Zentrum blieb jedoch stets dieselbe Frage: Wie verarbeitet eine vielschichtige künstlerische Stimme eine ebenso vielschichtige Wirklichkeit – mit den Mitteln der Musik, der Sprache, der Kunst?

In vielerlei Hinsicht ist dieser Film deshalb auch ein persönlicher. Wir sind zwar Brüder und kein Paar, doch die Beobachtung von Noga und Ori hat uns dazu gebracht, auch unseren eigenen künstlerischen Prozess zu hinterfragen. Als Juden, die in Österreich aufgewachsen sind, verbindet uns zudem ein komplexes Verhältnis zur Geschichte: Was wird weitergegeben? Was bleibt Erinnerung? Was wird auf uns projiziert? Und was kehrt immer wieder in der Gegenwart zurück? Der Film wurde für uns zu einer Möglichkeit, diesen Fragen in der Unmittelbarkeit des Hier und Jetzt nachzugehen. Wir wollten keinen Film machen, der einfache Antworten liefert. In einer Welt, die so komplex und widersprüchlich ist wie die unsere, bergen Antworten allzu oft die Gefahr, neue Vereinfachungen zu schaffen. Unsere Aufgabe sehen wir vielmehr darin, bessere Fragen zu stellen – Fragen, die Verhärtungen lösen und vielleicht den Raum öffnen für etwas, das wahrhaftiger ist und Menschen wieder miteinander verbindet.“ (Regiekommentar)

Di. 25.08.

20:00 Uhr

Hiddensee

– in Anwesenheit der Regisseurin Annekatrin Hendel | Wir nehmen keine Reservierung mehr entgegen!

Annekatrin Hendel

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Deutschland 2026, 119 min, deutsche Originalfassung

Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

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ČSR 1930, 81 min, Frz. Tonfilmfassung mit engl. ZT

Regie: Karel Anton

nach der Erzählung Die Himmelfahrt der Galgentoni (1921) von Egon Erwin Kisch

Nach vielen Jahren kehrt die schöne Tonka in ihr Heimatdorf zurück. Doch weder das freudige Wiedersehen mit ihrer Mutter noch die Puppe und die Schiefertafel in ihrem ehemaligen Mädchenzimmer können die Erinnerungen an ihr Leben in der Stadt vertreiben. Als ein Freund ihr einen Heiratsantrag macht, flüchtet sie zurück nach Prag, wo sie als Edelprostituierte in einem Etablissement arbeitet. Voller Schwermut verbringt sie mit einem verurteilten Verbrecher dessen letzte Nacht in der Todeszelle und wird zu Tonka „Šibenice“, der „Galgentoni“. Basierend auf einer Erzählung des „rasenden Reporters“ Egon Erwin Kisch inszeniert Karel Anton ein packendes Melodram, dessen Heldin als Prostituierte mit Herz verzweifelt gegen Scheinmoral und Vorurteile ankämpft. Doch Tonkas Schicksal liegt nicht mehr in ihren Händen. Lyrische Naturaufnahmen stehen neben expressionistischer Gefängnismalerei, während sich die über die vier Jahreszeiten erstreckende Geschichte verdunkelt, bis die verschneiten Gassen Prags sie endgültig zu einem finsteren Märchen werden lassen. TONKA ŠIBENICE wurde als tschechische, deutsche und französische Version nachsynchronisiert und gilt heute als erster tschechoslowakischer Tonfilm. Im Vorprogramm zeigen wir ein filmisches Feuilleton von Eduard Schreiber über den „rasenden Reporter“. (Michael Pekler)

Vorfilm:

Wissen Sie nicht, wo Herr Kisch ist?

DDR 1985, 35mm, 14 min, DF, Regie: Eduard Schreiber

Mi. 26.08.

20:15 Uhr

Hiddensee

Annekatrin Hendel

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Deutschland 2026, 119 min, deutsche Originalfassung

Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

Do. 27.08.

17:45 Uhr

Hiddensee

Annekatrin Hendel

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Deutschland 2026, 119 min, deutsche Originalfassung

Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

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Tschechische Republik 2008, 83 min, Tschechisch mit engl. UT

Regie: Helena Treštíková

Als die Dokumentarfilmerin (und kurzzeitige Kulturministerin Tschechiens) Helena Třeštíková 1989 begann, den 17-jährigen René in einer Jugendstrafanstalt zu filmen, wusste sie nicht, dass das der Anfang einer zwanzigjährigen Begleitung sein würde. René gilt bis heute als eines der prägnantesten Beispiele für das Genre der filmischen Langzeitbeobachtung.

Die Regisseurin dokumentiert darin das Leben eines jungen Mannes, der zwischen kurzen Phasen der Freiheit und langen Haftstrafen pendelt, und spiegelt dabei die tiefgreifenden gesellschaftlichen Umbrüche Tschechiens wider. Während Renés Körper zunehmend von Tätowierungen gezeichnet wird, die wie eine eigene Sprache von seinem Widerstand erzählen, zeugen Fernsehbilder, die in Renés Zelle dringen von bewegten Zeiten draußen: von der Wende 1989, von der Abspaltung der Slowakei und vom EU-Beitritt beider Länder am 1. Mai 2004.

Die historische Dynamik steht im krassen Gegensatz zur biografischen Stagnation des Protagonisten, der ein hochintelligenter und kreativer, oft aber auch destruktiver Partner für die Regisseurin ist. Die Art ihrer Beobachtung könnte man unbeirrbar nennen, denn sie lässt auch dann nicht ab von diesem Projekt, als René sie während einer seiner Freilassungen bestiehlt. Das Werk wurde 2008 mit dem Europäischen Dokumentarfilmpreis ausgezeichnet. (Linda Söffker)

Do. 27.08.

21:30 Uhr

Noga נֹגַהּ

, OmdU

Jono & Benji Bergmann

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AT/ D/ IL 2026, 96 min, Hebräisch | Englisch mit deutschen UT

Regie: Jono & Benji Bergmann

Die Musikerin Noga Erez ist mit ihrem kreativen Partner und Lebensgefährten Ori Rousso DIE Musiksensation auf den internationalen Bühnen. Provokante Hits wie End Of The Road und Viewsfüllen die Hallen und machen sie zum heißesten Musikexport Israels. Als sie, von privaten Zerwürfnissen gebeutelt, an ihrem bislang größten Album arbeitet, wird ihr Leben von den politischen Ereignissen in ihrer Heimat erschüttert. Zwischen ausverkauften Konzerten, kompromissloser Kunst und einer Welt im Ausnahmezustand sucht sie nach Antworten – und nach ihrer eigenen Stimme. Mit außergewöhnlicher Nähe erzählen Jono und Benji Bergmann die Geschichte einer Künstlerin, die sich weder vereinnahmen noch zum Schweigen bringen lässt.

„Der Film entstand aus einem instinktiven Impuls heraus – der Erkenntnis, dass es sich hier nicht nur um eine aufstrebende Musikerin handelte, sondern um eine lebhafte Persönlichkeit, die sich in Echtzeit durch Ruhm, Intimität und Katastrophen bewegte. Von Anfang an ging es uns nicht darum, Nogas gesamtes Leben bis zu diesem Zeitpunkt nachzuzeichnen. Wir wollten einen Ausschnitt aus ihrem Leben einfangen: einen konzentrierten Blick auf mehrere entscheidende Jahre, in denen eine kreative Partnerschaft und ihr Identitätsgefühl gleichzeitig auf die Probe gestellt wurden. (…) Die Dreharbeiten begannen 2019. Die folgenden fünf Jahre entwickelten sich zu den prägendsten und zugleich unvorhersehbarsten ihres Lebens. Alles geriet aus den Fugen. Es gab zahlreiche Abschiede und Neuanfänge, immer wieder glaubten wir, die Geschichte gefunden zu haben – nur damit das Leben sie kurz darauf erneut in eine andere Richtung lenkte. Im Zentrum blieb jedoch stets dieselbe Frage: Wie verarbeitet eine vielschichtige künstlerische Stimme eine ebenso vielschichtige Wirklichkeit – mit den Mitteln der Musik, der Sprache, der Kunst?

In vielerlei Hinsicht ist dieser Film deshalb auch ein persönlicher. Wir sind zwar Brüder und kein Paar, doch die Beobachtung von Noga und Ori hat uns dazu gebracht, auch unseren eigenen künstlerischen Prozess zu hinterfragen. Als Juden, die in Österreich aufgewachsen sind, verbindet uns zudem ein komplexes Verhältnis zur Geschichte: Was wird weitergegeben? Was bleibt Erinnerung? Was wird auf uns projiziert? Und was kehrt immer wieder in der Gegenwart zurück? Der Film wurde für uns zu einer Möglichkeit, diesen Fragen in der Unmittelbarkeit des Hier und Jetzt nachzugehen. Wir wollten keinen Film machen, der einfache Antworten liefert. In einer Welt, die so komplex und widersprüchlich ist wie die unsere, bergen Antworten allzu oft die Gefahr, neue Vereinfachungen zu schaffen. Unsere Aufgabe sehen wir vielmehr darin, bessere Fragen zu stellen – Fragen, die Verhärtungen lösen und vielleicht den Raum öffnen für etwas, das wahrhaftiger ist und Menschen wieder miteinander verbindet.“ (Regiekommentar)

Fr. 28.08.

17:15 Uhr

Lebensansichten eines Huhns (Hen)

, OmdU

György Pálfi

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Deutschland / Griechenland/ Ungarn 2026, 96 min, OmdU

Regie: György Pálfi

Am Anfang war das Ei. Oder doch das Huhn? Für die existenziellste aller Fragen bleibt auf einer Hühnerfarm wenig Zeit. Es ist das Los des flauschigen Federviehs, dass es los muss – direkt nach dem Schlüpfen über Fabriklaufbänder und Autobahnen – und nicht selten im Suppentopf endet. Der Zufall will es, dass auf einem griechischen Hühnerhof ein schwarz gefiedertes und besonders kluges Hühnchen eines Tages entschlüpft und loszieht in die große, weite Welt. Nach einem Tankstellen-Rendezvous mit einem hungrigen Fuchs nutzt es eine Mitfahrgelegenheit mit einem Lkw. Doch ein Hund verschleppt das renitente Federtier auf den Hinterhof eines heruntergekommenen Restaurants. Dessen alternder Besitzer steht nur scheinbar besser da, denn der Laden läuft nicht mehr und schlecht gelaunte Schmuggler gehen ein und aus. Für das Huhn beginnt ein neuer Lebensabschnitt: Es beweist sich in der Hühnerstall-Hierarchie, zankt mit Puten, gewinnt das Herz des Hahns und erschließt neues Terrain auf der Suche nach einem Brutplatz. Dabei stolpert es in die kriminellen Verstrickungen der dort lebenden Familie, die ihrerseits ums Überleben kämpft. Und dabei den Kükenwunsch der unerschrockenen Henne unweigerlich durchkreuzt.

„Regisseur György Pálfi inszeniert hier keine niedliche Tiergeschichte, auch wenn gerade die Szenen, in denen die Tiere vermenschlicht werden, durchaus komisch sind: der Auftritt des Hahns unter einem schmalzigen Liebeslied, das Huhn als clevere Ausbrecherkönigin. Das Huhn und sein Schicksal sind vielmehr die Träger einer Geschichte, die im Kern mehr über Menschlichkeit als vom Körnerpicken erzählt. Über Ausbeutung, Entfremdung und Gewalt im Umgang mit sogenannten Nutztieren und in unserer menschlichen Gesellschaft und die ungebrochene Hoffnung und den Drang nach einem besseren Leben. Das ist feinsinnig und auch filmisch beeindruckend umgesetzt. Acht Hühnerdarstellerinnen und zwei Hähne wurden eigens für den Film trainiert.“ (Clarissa Lempp, indiekino.de)

Fr. 28.08.

19:00 Uhr

Hiddensee

Annekatrin Hendel

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Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

Fr. 28.08.

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Noga נֹגַהּ

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Regie: Jono & Benji Bergmann

Die Musikerin Noga Erez ist mit ihrem kreativen Partner und Lebensgefährten Ori Rousso DIE Musiksensation auf den internationalen Bühnen. Provokante Hits wie End Of The Road und Viewsfüllen die Hallen und machen sie zum heißesten Musikexport Israels. Als sie, von privaten Zerwürfnissen gebeutelt, an ihrem bislang größten Album arbeitet, wird ihr Leben von den politischen Ereignissen in ihrer Heimat erschüttert. Zwischen ausverkauften Konzerten, kompromissloser Kunst und einer Welt im Ausnahmezustand sucht sie nach Antworten – und nach ihrer eigenen Stimme. Mit außergewöhnlicher Nähe erzählen Jono und Benji Bergmann die Geschichte einer Künstlerin, die sich weder vereinnahmen noch zum Schweigen bringen lässt.

„Der Film entstand aus einem instinktiven Impuls heraus – der Erkenntnis, dass es sich hier nicht nur um eine aufstrebende Musikerin handelte, sondern um eine lebhafte Persönlichkeit, die sich in Echtzeit durch Ruhm, Intimität und Katastrophen bewegte. Von Anfang an ging es uns nicht darum, Nogas gesamtes Leben bis zu diesem Zeitpunkt nachzuzeichnen. Wir wollten einen Ausschnitt aus ihrem Leben einfangen: einen konzentrierten Blick auf mehrere entscheidende Jahre, in denen eine kreative Partnerschaft und ihr Identitätsgefühl gleichzeitig auf die Probe gestellt wurden. (…) Die Dreharbeiten begannen 2019. Die folgenden fünf Jahre entwickelten sich zu den prägendsten und zugleich unvorhersehbarsten ihres Lebens. Alles geriet aus den Fugen. Es gab zahlreiche Abschiede und Neuanfänge, immer wieder glaubten wir, die Geschichte gefunden zu haben – nur damit das Leben sie kurz darauf erneut in eine andere Richtung lenkte. Im Zentrum blieb jedoch stets dieselbe Frage: Wie verarbeitet eine vielschichtige künstlerische Stimme eine ebenso vielschichtige Wirklichkeit – mit den Mitteln der Musik, der Sprache, der Kunst?

In vielerlei Hinsicht ist dieser Film deshalb auch ein persönlicher. Wir sind zwar Brüder und kein Paar, doch die Beobachtung von Noga und Ori hat uns dazu gebracht, auch unseren eigenen künstlerischen Prozess zu hinterfragen. Als Juden, die in Österreich aufgewachsen sind, verbindet uns zudem ein komplexes Verhältnis zur Geschichte: Was wird weitergegeben? Was bleibt Erinnerung? Was wird auf uns projiziert? Und was kehrt immer wieder in der Gegenwart zurück? Der Film wurde für uns zu einer Möglichkeit, diesen Fragen in der Unmittelbarkeit des Hier und Jetzt nachzugehen. Wir wollten keinen Film machen, der einfache Antworten liefert. In einer Welt, die so komplex und widersprüchlich ist wie die unsere, bergen Antworten allzu oft die Gefahr, neue Vereinfachungen zu schaffen. Unsere Aufgabe sehen wir vielmehr darin, bessere Fragen zu stellen – Fragen, die Verhärtungen lösen und vielleicht den Raum öffnen für etwas, das wahrhaftiger ist und Menschen wieder miteinander verbindet.“ (Regiekommentar)

Sa. 29.08.

17:15 Uhr

Lebensansichten eines Huhns (Hen)

, OmdU

György Pálfi

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Deutschland / Griechenland/ Ungarn 2026, 96 min, OmdU

Regie: György Pálfi

Am Anfang war das Ei. Oder doch das Huhn? Für die existenziellste aller Fragen bleibt auf einer Hühnerfarm wenig Zeit. Es ist das Los des flauschigen Federviehs, dass es los muss – direkt nach dem Schlüpfen über Fabriklaufbänder und Autobahnen – und nicht selten im Suppentopf endet. Der Zufall will es, dass auf einem griechischen Hühnerhof ein schwarz gefiedertes und besonders kluges Hühnchen eines Tages entschlüpft und loszieht in die große, weite Welt. Nach einem Tankstellen-Rendezvous mit einem hungrigen Fuchs nutzt es eine Mitfahrgelegenheit mit einem Lkw. Doch ein Hund verschleppt das renitente Federtier auf den Hinterhof eines heruntergekommenen Restaurants. Dessen alternder Besitzer steht nur scheinbar besser da, denn der Laden läuft nicht mehr und schlecht gelaunte Schmuggler gehen ein und aus. Für das Huhn beginnt ein neuer Lebensabschnitt: Es beweist sich in der Hühnerstall-Hierarchie, zankt mit Puten, gewinnt das Herz des Hahns und erschließt neues Terrain auf der Suche nach einem Brutplatz. Dabei stolpert es in die kriminellen Verstrickungen der dort lebenden Familie, die ihrerseits ums Überleben kämpft. Und dabei den Kükenwunsch der unerschrockenen Henne unweigerlich durchkreuzt.

„Regisseur György Pálfi inszeniert hier keine niedliche Tiergeschichte, auch wenn gerade die Szenen, in denen die Tiere vermenschlicht werden, durchaus komisch sind: der Auftritt des Hahns unter einem schmalzigen Liebeslied, das Huhn als clevere Ausbrecherkönigin. Das Huhn und sein Schicksal sind vielmehr die Träger einer Geschichte, die im Kern mehr über Menschlichkeit als vom Körnerpicken erzählt. Über Ausbeutung, Entfremdung und Gewalt im Umgang mit sogenannten Nutztieren und in unserer menschlichen Gesellschaft und die ungebrochene Hoffnung und den Drang nach einem besseren Leben. Das ist feinsinnig und auch filmisch beeindruckend umgesetzt. Acht Hühnerdarstellerinnen und zwei Hähne wurden eigens für den Film trainiert.“ (Clarissa Lempp, indiekino.de)

Sa. 29.08.

19:00 Uhr

Hiddensee

Annekatrin Hendel

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Deutschland 2026, 119 min, deutsche Originalfassung

Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

Sa. 29.08.

21:15 Uhr

Noga נֹגַהּ

, OmdU

Jono & Benji Bergmann

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AT/ D/ IL 2026, 96 min, Hebräisch | Englisch mit deutschen UT

Regie: Jono & Benji Bergmann

Die Musikerin Noga Erez ist mit ihrem kreativen Partner und Lebensgefährten Ori Rousso DIE Musiksensation auf den internationalen Bühnen. Provokante Hits wie End Of The Road und Viewsfüllen die Hallen und machen sie zum heißesten Musikexport Israels. Als sie, von privaten Zerwürfnissen gebeutelt, an ihrem bislang größten Album arbeitet, wird ihr Leben von den politischen Ereignissen in ihrer Heimat erschüttert. Zwischen ausverkauften Konzerten, kompromissloser Kunst und einer Welt im Ausnahmezustand sucht sie nach Antworten – und nach ihrer eigenen Stimme. Mit außergewöhnlicher Nähe erzählen Jono und Benji Bergmann die Geschichte einer Künstlerin, die sich weder vereinnahmen noch zum Schweigen bringen lässt.

„Der Film entstand aus einem instinktiven Impuls heraus – der Erkenntnis, dass es sich hier nicht nur um eine aufstrebende Musikerin handelte, sondern um eine lebhafte Persönlichkeit, die sich in Echtzeit durch Ruhm, Intimität und Katastrophen bewegte. Von Anfang an ging es uns nicht darum, Nogas gesamtes Leben bis zu diesem Zeitpunkt nachzuzeichnen. Wir wollten einen Ausschnitt aus ihrem Leben einfangen: einen konzentrierten Blick auf mehrere entscheidende Jahre, in denen eine kreative Partnerschaft und ihr Identitätsgefühl gleichzeitig auf die Probe gestellt wurden. (…) Die Dreharbeiten begannen 2019. Die folgenden fünf Jahre entwickelten sich zu den prägendsten und zugleich unvorhersehbarsten ihres Lebens. Alles geriet aus den Fugen. Es gab zahlreiche Abschiede und Neuanfänge, immer wieder glaubten wir, die Geschichte gefunden zu haben – nur damit das Leben sie kurz darauf erneut in eine andere Richtung lenkte. Im Zentrum blieb jedoch stets dieselbe Frage: Wie verarbeitet eine vielschichtige künstlerische Stimme eine ebenso vielschichtige Wirklichkeit – mit den Mitteln der Musik, der Sprache, der Kunst?

In vielerlei Hinsicht ist dieser Film deshalb auch ein persönlicher. Wir sind zwar Brüder und kein Paar, doch die Beobachtung von Noga und Ori hat uns dazu gebracht, auch unseren eigenen künstlerischen Prozess zu hinterfragen. Als Juden, die in Österreich aufgewachsen sind, verbindet uns zudem ein komplexes Verhältnis zur Geschichte: Was wird weitergegeben? Was bleibt Erinnerung? Was wird auf uns projiziert? Und was kehrt immer wieder in der Gegenwart zurück? Der Film wurde für uns zu einer Möglichkeit, diesen Fragen in der Unmittelbarkeit des Hier und Jetzt nachzugehen. Wir wollten keinen Film machen, der einfache Antworten liefert. In einer Welt, die so komplex und widersprüchlich ist wie die unsere, bergen Antworten allzu oft die Gefahr, neue Vereinfachungen zu schaffen. Unsere Aufgabe sehen wir vielmehr darin, bessere Fragen zu stellen – Fragen, die Verhärtungen lösen und vielleicht den Raum öffnen für etwas, das wahrhaftiger ist und Menschen wieder miteinander verbindet.“ (Regiekommentar)

So. 30.08.

17:00 Uhr

Ingeborg Bachmann – Jemand, der einmal ich war

Regina Schilling

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Deutschland / Österreich 2026, 95 min, deutsche Originalfassung

Regie: Regina Schilling

In einer poetischen Spurensuche lässt Regisseurin Regina Schilling das Publikum am Entstehen von Kunst teilhaben: Schauspielerin Sandra Hüller nähert sich dem Leben von Ingeborg Bachmann an einem imaginären Tag und verleiht ihren Worten eine eindringliche Präsenz. Mit einem kunstvollen Geflecht aus improvisierten Szenen, Archivschätzen, Interviews und Bachmanns eigenen Texten durchmisst der Film die zentralen Lebensphasen der Autorin – von der Kriegskindheit in Kärnten, dem Aufstieg zum Star der Gruppe 47 bis zu den letzten Tagen in Rom. Der Weg ist gezeichnet von ihren komplizierten Beziehungen zu Paul Celan, Hans Werner Henze und Max Frisch und einem unnachgiebigen Ringen um eine eigene, radikale Sprache zwischen öffentlichem Ruhm und existenziellen Krisen. Zum 100. Geburtstag von Ingeborg Bachmann gelingt Regina Schilling eine so sinnliche wie intellektuelle Annäherung an eine der bedeutendsten Schriftstellerinnen des 20. Jahrhunderts. Durch die kraftvolle Interpretation von Sandra Hüller und meisterhafte Archivmontagen wird Bachmanns Sprachgewalt im Kino unmittelbar erfahrbar. INGEBORG BACHMANN – JEMAND, DER EINMAL ICH WAR ist ein filmisches Porträt, das die Zerbrechlichkeit und Kraft einer Künstlerin feiert, die sich jeder Vereinnahmung entzog und deren Werk bis heute eine visionäre Wucht besitzt.

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Deutschland 2026, 86 min, deutsche Originalfassung

Regie: Saša Vajda

In der Hitze des Berliner Sommers liegt Maria im Sterben. Ihr 16-jähriger Sohn Ilay driftet mit seinen Freunden durch die Peripherie der Stadt, während zu Hause die mexikanische Palliativ-Pflegerin Ana die Schwerkranke umsorgt. Zunehmend gerät Ilay in einen Zustand von Schlaflosigkeit und Tagtraum, flieht vor dem nahenden Tod seiner Mutter und droht, die Verbindung zur Realität zu verlieren. Ana hat zugleich mit ihrem fordernden Berufsalltag und mit einer Bürde aus ihrer schwierigen Vergangenheit zu kämpfen… In stillen, intensiven Bildern zeigt Saša Vajdas erster Langspielfilm den Alltag von Ilay und Ana. Zart sind die Bande zwischen den Figuren und sanft verwebt sich Alltägliches mit Traumhaftem.

„THE LIGHTS, THEY FALL nimmt sich als Stimmungsbild die letzten Tage im Leben einer Mutter zum Ausgangspunkt und spinnt leise die Fäden zu den Menschen, die sie umgeben. Ihr Sohn Ilay bestreitet schlaflos seinen prekären Alltag und mäandert, wie aus der Zeit gefallen, durch die Straßen. Zugleich zeichnet der Film die Arbeit der mexikanischen Pflegekraft Ana nach, die sich dem kranken Körper der Mutter annimmt, ihn routiniert wäscht, umbettet. Beide Figuren leben zunächst in ihrem eigenen Orbit.

Mir ging es in der Umsetzung vor allem um ein verändertes Zeitgefühl, welches sich einstellt, wenn ein Mensch von einem geht. Das verband ich mit einer einfach gehaltenen Erzählung, die sich stark an Cesare Zavattinis neorealistischen Drehbüchern orientiert, wie beispielsweise UMBERTO D., der um einen einzigen Moment in dem Leben seiner Figur kreist, der in seiner ganzen Komplexität beleuchtet wird. (…)

Das Street-Casting für THE LIGHTS, THEY FALL erstreckte sich über einen Zeitraum von zwei Jahren, in denen wir diesen Film besetzt und die fiktive Geschichte zum Teil mit den Berufen oder dem Wesenskern dieser Menschen lose verbanden. Ana, die Palliativpflegerin im Film wird von Flor Catemaxca, einer tatsächlichen Intensivpflegerin gespielt. Die Jugendlichen sind ebenfalls mit Laien besetzt und bringen ihren eigenen Habitus in den Film ein. 16-mm-Film und der Einsatz von anamorphotischen Linsen betonen in ruhigen, tendenziell langsamen Einstellungen die Verortung der Charaktere in Raum und Zeit. Die Elemente und die Figuren sollen in ihrer Präsenz spürbar werden – ein Gewitter, die Verlassenheit Ilays, die Pflege von Marias krankem Körper, die offenen Wunden einer Großstadt und ihrer gesellschaftlichen Ränder. Sich eigentlich fremd, führen die Wege des Jungen und der Pflegerin in dem Tod der Mutter zusammen. Ilay ist einem nicht einfachen Schicksal ausgesetzt, aber er hält stur an seinem tief verwurzelten Glauben an einer Transzendenz fest, worin am Ende seine Freiheit liegt.“ (Regienotiz)

So. 30.08.

20:30 Uhr

Hiddensee

Annekatrin Hendel

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Deutschland 2026, 119 min, deutsche Originalfassung

Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

Mo. 31.08.

17:00 Uhr

Ingeborg Bachmann – Jemand, der einmal ich war

Regina Schilling

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Deutschland / Österreich 2026, 95 min, deutsche Originalfassung

Regie: Regina Schilling

In einer poetischen Spurensuche lässt Regisseurin Regina Schilling das Publikum am Entstehen von Kunst teilhaben: Schauspielerin Sandra Hüller nähert sich dem Leben von Ingeborg Bachmann an einem imaginären Tag und verleiht ihren Worten eine eindringliche Präsenz. Mit einem kunstvollen Geflecht aus improvisierten Szenen, Archivschätzen, Interviews und Bachmanns eigenen Texten durchmisst der Film die zentralen Lebensphasen der Autorin – von der Kriegskindheit in Kärnten, dem Aufstieg zum Star der Gruppe 47 bis zu den letzten Tagen in Rom. Der Weg ist gezeichnet von ihren komplizierten Beziehungen zu Paul Celan, Hans Werner Henze und Max Frisch und einem unnachgiebigen Ringen um eine eigene, radikale Sprache zwischen öffentlichem Ruhm und existenziellen Krisen. Zum 100. Geburtstag von Ingeborg Bachmann gelingt Regina Schilling eine so sinnliche wie intellektuelle Annäherung an eine der bedeutendsten Schriftstellerinnen des 20. Jahrhunderts. Durch die kraftvolle Interpretation von Sandra Hüller und meisterhafte Archivmontagen wird Bachmanns Sprachgewalt im Kino unmittelbar erfahrbar. INGEBORG BACHMANN – JEMAND, DER EINMAL ICH WAR ist ein filmisches Porträt, das die Zerbrechlichkeit und Kraft einer Künstlerin feiert, die sich jeder Vereinnahmung entzog und deren Werk bis heute eine visionäre Wucht besitzt.

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Deutschland 2026, 86 min, deutsche Originalfassung

Regie: Saša Vajda

In der Hitze des Berliner Sommers liegt Maria im Sterben. Ihr 16-jähriger Sohn Ilay driftet mit seinen Freunden durch die Peripherie der Stadt, während zu Hause die mexikanische Palliativ-Pflegerin Ana die Schwerkranke umsorgt. Zunehmend gerät Ilay in einen Zustand von Schlaflosigkeit und Tagtraum, flieht vor dem nahenden Tod seiner Mutter und droht, die Verbindung zur Realität zu verlieren. Ana hat zugleich mit ihrem fordernden Berufsalltag und mit einer Bürde aus ihrer schwierigen Vergangenheit zu kämpfen… In stillen, intensiven Bildern zeigt Saša Vajdas erster Langspielfilm den Alltag von Ilay und Ana. Zart sind die Bande zwischen den Figuren und sanft verwebt sich Alltägliches mit Traumhaftem.

„THE LIGHTS, THEY FALL nimmt sich als Stimmungsbild die letzten Tage im Leben einer Mutter zum Ausgangspunkt und spinnt leise die Fäden zu den Menschen, die sie umgeben. Ihr Sohn Ilay bestreitet schlaflos seinen prekären Alltag und mäandert, wie aus der Zeit gefallen, durch die Straßen. Zugleich zeichnet der Film die Arbeit der mexikanischen Pflegekraft Ana nach, die sich dem kranken Körper der Mutter annimmt, ihn routiniert wäscht, umbettet. Beide Figuren leben zunächst in ihrem eigenen Orbit.

Mir ging es in der Umsetzung vor allem um ein verändertes Zeitgefühl, welches sich einstellt, wenn ein Mensch von einem geht. Das verband ich mit einer einfach gehaltenen Erzählung, die sich stark an Cesare Zavattinis neorealistischen Drehbüchern orientiert, wie beispielsweise UMBERTO D., der um einen einzigen Moment in dem Leben seiner Figur kreist, der in seiner ganzen Komplexität beleuchtet wird. (…)

Das Street-Casting für THE LIGHTS, THEY FALL erstreckte sich über einen Zeitraum von zwei Jahren, in denen wir diesen Film besetzt und die fiktive Geschichte zum Teil mit den Berufen oder dem Wesenskern dieser Menschen lose verbanden. Ana, die Palliativpflegerin im Film wird von Flor Catemaxca, einer tatsächlichen Intensivpflegerin gespielt. Die Jugendlichen sind ebenfalls mit Laien besetzt und bringen ihren eigenen Habitus in den Film ein. 16-mm-Film und der Einsatz von anamorphotischen Linsen betonen in ruhigen, tendenziell langsamen Einstellungen die Verortung der Charaktere in Raum und Zeit. Die Elemente und die Figuren sollen in ihrer Präsenz spürbar werden – ein Gewitter, die Verlassenheit Ilays, die Pflege von Marias krankem Körper, die offenen Wunden einer Großstadt und ihrer gesellschaftlichen Ränder. Sich eigentlich fremd, führen die Wege des Jungen und der Pflegerin in dem Tod der Mutter zusammen. Ilay ist einem nicht einfachen Schicksal ausgesetzt, aber er hält stur an seinem tief verwurzelten Glauben an einer Transzendenz fest, worin am Ende seine Freiheit liegt.“ (Regienotiz)

Mo. 31.08.

20:30 Uhr

Hiddensee

Annekatrin Hendel

Tickets

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Deutschland 2026, 119 min, deutsche Originalfassung

Regie: Annekatrin Hendel

Hiddensee, ein nur 17 Kilometer langer Streifen Land in der Ostsee, geliebt als Sehnsuchtsort der Freiheit. Sonnenanbeter, Nacktbader, Künstler, Punks und Prominente strömen seit jeher in Scharen auf die Insel. Der Dokumentarfilm reist durch ein ganzes Jahrhundert bis in die goldenen 1920er zurück, als die intellektuelle Avantgarde hier zu Hause ist – wie Stummfilmstar Asta Nielsen oder Literatur-Nobelpreisträger Gerhart Hauptmann. Damals wie heute ist Hiddensee gezeichnet von politischen Verwerfungen, die sich im ganzen Land abspielen. Deutschland im Miniaturformat. Mehrere Erzählstränge, verschränkt über Zeiten und Generationen, führen schließlich zu den sich unaufhörlich zuspitzenden Spannungen der Gegenwart.

In hypnotisch schönen Schwarz-Weiß-Bildern verwebt die preisgekrönte Regisseurin Annekatrin Hendel Landschaft, Geschichte und Schicksale zu einem faszinierenden Porträt und blickt wie durch ein Brennglas auf Bewegungen, die weit über die legendäre Ostseeinsel hinausreichen. HIDDENSEE ist ein gleichsam poetisches wie beunruhigendes Kinoerlebnis voller visueller und erzählerischer Kraft.

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US/PL 2025, 71 min, OmeU

R/K/S: Pete Ohs / B: Pete Ohs, Charli XCX, Lena Góra, Jeremy O. Harris, Will Madden / M: Isabella Summers, Charles Watson

D: Charli XCX, Lena Góra, Will Madden, Jeremy O. Harris, Agata Trzebuchowska, Maja Michnacka, Jan Lubaczewski u. a.

Beth reist mit ihrem Freund nach Warschau. Die Londonerin weiß, dass er einen Verlobungsring im Gepäck hat und ihr hier einen Heiratsantrag machen möchte. Eigentlich wollte er dafür nach Paris, aber sie hatte die polnische Hauptstadt für den romantischen Trip vorgeschlagen – und das nicht zufällig. Schon bald taucht sie nämlich bei der geheimnisvollen Blumenhändlerin Nel auf, die sie schon lange kennt.

Möglicherweise verbindet die Frauen mehr als nur Freundschaft. Sie finden immer wieder zueinander, wenn irgendwo ein Vulkan ausbricht – so wie auch jetzt wieder. Die Vulkanasche über Europa verzögert den Abflug und den Reisenden bleibt ausreichend Zeit, um sich über ihren Beziehungsstatus klar zu werden. Das gilt auch für den amerikanischen Künstler Claude und Nels Ex-Freundin Ula, die nun ebenfalls auf ihre Weise Nel umschwirren.

Pete Ohs erzählt sein multikulturelles Low-Budget-Beziehungs-Verwirrspiel, an dem die Darsteller*innen mitgeschrieben und ‑produziert haben, mit ironisch-beiläufigem Unterton und dezentem Retro-Touch vor dem Hintergrund einer Stadt, die von Postkartenidylle und Touri-Hotspot weit entfernt ist. Taugt die überdimensionierte Ansammlung von Beton, überfüllten Straßen, bröckelndem Putz und verblassenden Graffiti als Stadt der Liebe? Und bricht nicht jeden Tag irgendwo auf der Welt ein Vulkan aus? (Rainer Mende)

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PL 2025, 90 min, OmdU & eU

R: Robert Kwilman / B: Robert Kwilman, Malwina Górecka, Kirk Kjeldsen / K: Kasper Lorek / S: Ming-Wei Chiang

D: Daniel Felipe Jimenez Vaquez, Ivan Sharan, Josiana Costales, Justa Beatriz Blanco Rojas, Alejandra Herrera, Victor Venecia Fuentes, Gerson Isai Lam Lopez, Sebastian Stankiewicz, Michał Balicki u. a.

Eine Gruppe von Frauen und Männern aus Lateinamerika wird mit einem kleinen Bus irgendwo in die polnische Provinz gefahren. Dort hält man ihnen Verträge unter die Nase, deren Sprache sie nicht verstehen und in denen die zu Hause versprochenen 3.500 Dollar plötzlich zu 3.500 Złoty geworden sind. Schlimmer noch: Sie müssen ihre Reisepässe abgeben und statt in einem Hotel zu arbeiten, verpflichten sie sich mit diesen Verträgen zur monotonen, aufreibenden Arbeit in einer Fleischerei. Für das schäbige Wohnheim wird ihnen zusätzlich Geld abgeknöpft, Arbeitsschutz ist ein Fremdwort. Was als Aufenthalt zum Geldverdienen geplant war, fühlt sich bald an wie ein Gefängnis mit Zwangsarbeit.

Robert Kwilman erweckt das Sozialkino à la Ken Loach wieder zum Leben und setzt dessen Mittel gekonnt ein. Im Stil eines Dokumentarfilms, mit wackeliger Handkamera, ohne Musik oder künstliches Licht lässt er uns so nah wie möglich an die tragischen Helden des Films heranrücken, die sich bald die Frage stellen: Sollen sie die himmelschreiende Ungerechtigkeit still ertragen, rebellieren oder fliehen? Ohne Beschönigungen zeigt Kwilman ein Polen, das vom Auswanderungs- zum Einwanderungsland geworden ist, mit all seinen Schattenseiten. (Rainer Mende)

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PL 2025, 98 min, OmdU & eU

R: Maciej Sobieszczański / B: Maciej Sobieszczański, Grzegorz Puda / K: Jolanta Dylewska

/ S: Rafał Listopad / M: Antoni Komasa-Łazarkiewicz

D: Filip Wiłkomirski, Tytus Szymczuk, Agnieszka Grochowska, Julian Świeżewski, Jacek Braciak, Jakub Kamieński, Tomasz Schuchardt u. a.

Das Leben ist nicht leicht, wenn man sich wie Agnieszka als alleinerziehende Mutter mit zwei (prä-)pubertären Söhnen herumschlagen muss, während der Ehemann im Knast sitzt. Und nur wenige Wege führen aus dem Teufelskreis aus prekären Verhältnissen und Gewalt, die im Hochhausviertel der mittelpolnischen Kleinstadt Żyrardów an jeder Ecke lauern.

Doch der 14-jährige Dawid scheint einen entdeckt zu haben. Er ist ein passabler Judoka und hat in seinem Trainer Adam einen Mentor, der ihm bei tadelloser Führung auf der Matte und im Leben einen Platz auf einem Sportgymnasium in Gdańsk verschaffen könnte. Leider

haben einige Menschen in Dawids Umgebung etwas gegen seine potenzielle Erfolgsgeschichte.

Maciej Sobieszczański kann sich in seinem Sozialdrama klassischen Zuschnitts auf seine Protagonist*innen blind verlassen – allen voran Filip Wiłkomirski als Dawid und Agnieszka Grochowska als seine überforderte Mutter halten die permanente Nähe der Kamera souverän aus und verkörpern Figuren mit Ecken und Kanten, die eine Tür weiter wohnen könnten. Dabei schafft er es, ohne billige Schwarz-Weiß-Malerei auch im tristen Milieu der sozial Abgehängten einen Silberstreif am Horizont zu entdecken. (Rainer Mende)

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PL 2025, 105 min, OmdU & eU

R/B: Piotr Domalewski / K: Piotr Sobociński jr / S: Agnieszka Glińska / M: Dyspensa, Wojciech Urbański

D: Tobiasz Wajda, Bruno Błach-Baar, Mikołaj Juszczyk, Filip Juszczyk, Daria Kalinchuk, Sławomir Orzechowski, Tomasz Schuchardt, Kamila Urzędowska, Artur Paczesny u. a.

In dem unspektakulären Provinzort ist nicht viel los, deshalb ist die Kirche das kulturelle Zentrum der Stadt. Vier Jungs aus unterschiedlichen sozialen Schichten sind hier Messdiener und merken schon früh, dass sie in dieser Welt keine Gerechtigkeit zu erwarten brauchen – auch nicht in dem heiligen Haus, das eigentlich im Namen Gottes Werte vermitteln sollte.

Wenn selbst die Diener Gottes vor allem durch Gier, Doppelmoral und kriminelle Machenschaften auffallen, wer kümmert sich dann noch um Anstand und Moral? Das Teenie-Quartett nimmt die Sache selbst in die Hand, zieht sich als Graswurzel-Bewegung Tarnkappen über, rappt anonym seine Weltsicht in die Handykamera und macht sich dann in die Spur, um das zu tun, was die Erwachsenen versäumen – Schwachen helfen, Opfern Beistand leisten, Arme unterstützen, Mittel gerecht verteilen.

Piotr Domalewski wendet sich ein Stück vom schnörkellosen Stil seiner Sozialdramen („Stille Nacht”, „I Never Cry”) ab und erzählt uns ein modernes Märtyrer-Märchen. Seine Superhelden sind Kinder, souverän gespielt von Teenagern ohne Leinwanderfahrung, die uns mit unverbrauchtem Idealismus vormachen, dass die Welt nicht so bleiben muss, wie sie ist. Dabei umschifft er gekonnt Pathos, Schönfärberei und Schwarzmalerei, erlaubt sich eine Dosis Magie und berührt sozialpolitische ebenso wie religiöse und ethische Fragen. (Rainer Mende)

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PL 2025, 124 min, OmdU & eU

R: Wilhelm Sasnal, Anna Sasnal / B/K: Wilhelm Sasnal / S: Aleksandra Gowin

D: Piotr Trojan, Agnieszka Żulewska, Andrzej Konopka, Juliusz Chrząstowski, Roman Gancarczyk, Ewa Kolasińska, Mikołaj Kubacki, Michał Majnicz, Aleksandra Nowosadko, Marta Ojrzyńska u. a.

Dem jungen Christoph Marti ist klar, dass er mit seiner drögen Tätigkeit als Buchbinder nicht glücklich wird. Deshalb heuert er Hals über Kopf als titelgebender „Mann für alles” bei dem Erfinder und Unternehmer Tobler an. Der wünscht sich explizit jemanden, der nicht blind Befehle ausführt, sondern selbstständig und weise handelt.

Von nun an lebt und arbeitet Marti auf dem Anwesen von Tobler und dessen anspruchsvoller Frau, die sich kaum für ihre Tochter interessiert – und entdeckt zunehmend Ungereimtheiten. Ununterbrochen bringt der Briefträger Rechnungen, während Toblers Unternehmen kaum Einnahmen generiert. Nach außen wird der schöne Schein gewahrt, während hinter den Kulissen Firma und Familie auf eine Katastrophe zusteuern. Immer dringender stellt sich Marti die Frage: Wo endet seine Loyalität als Bediensteter und wann ist der Zeitpunkt gekommen, den Finger in die offene Wunde zu legen?

Das Künstlerpaar Sasnal interpretiert Robert Walsers Text „Der Gehülfe” auf den ersten Blick klassisch, in gemächlichem Tempo und historischer Ausstattung. Doch mit den anschwellenden Unklarheiten in der Handlung wird auch ihr Stil fluid – das Tempo zieht an und verlangsamt sich, immer mehr Fehler schleichen sich in die Bildebene und die Handlung kippt bisweilen ins Fantastische. Virtuos entwickeln sie ihren Stoff mit allen audiovisuellen Mitteln, die ihnen zur Verfügung stehen. (Rainer Mende)

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PL 2026, 102 min, OmeU

R: Łukasz Ronduda / B: Łukasz Ronduda, Agata K. Koschmieder / K: Weronika Bilska / S: Agata Cierniak

D: Jan Sałasiński, Izabella Dudziak, Anita Poddębniak, Adam Szyszkowski, Aleksandra Justa, Andrzej Konopka u. a.

Patryk kommt vom Dorf, wo seine bettelarmen Eltern sich auf einem heruntergekommenen Bauernhof mit Schrottverkauf über Wasser halten. Aber er will nicht Bauer werden – er

quartiert sich in Warschau in einem billigen Zimmer ein, trägt knallbunte Second-Hand-Klamotten und versucht, als Künstler Fuß zu fassen.

Eines Tages gerät er in eine Performance-Ausstellung, wo Maria den Besucher*innen Tränen abkauft und diese ausstellt. Sie stammt aus einem reichen Großstadt-Elternhaus – doch bei einem Rollenspiel zeigt sich, dass Maria ebenso wie der tränenlose Patryk schwer von Traumata belastet ist. In mancher Hinsicht sind sie Seelenverwandte. Ihre Beziehung entwickelt sich zu einer Berg-und-Tal-Bahn, die auf sozialer, erotischer, emotionaler und künstlerischer Ebene zu einer Zerreißprobe wird.

Erneut gelingt Łukasz Ronduda das Meisterstück, künstlerische Fragestellungen und reale Kunstwerke schlüssig in eine Filmhandlung einzubetten, so dass weder der Diskurs zu verkopft noch die Kunst banalisiert wird. Nachdem er in „Heart of Love” (2017) bereits ein Künstlerpaar porträtierte, bringt er nun in eine Beziehungsgeschichte noch den Aspekt des Klassismus ein. Dabei greift er erneut auf reale Vorbilder zurück – Patryks Vorbild ist der Künstler Patryk Różycki, für die Figur der Maria war die bildende Künstlerin Karolina Balcer Patin. (Rainer Mende)

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