Pro­gramm

Isra­el / Ukrai­ne 2022, 76 min, Hebrä­isch | Rus­sisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Michal Vinik

Regen in Tel Aviv. Ein schlech­tes Vor­zei­chen? Chris­ti­na jeden­falls ist vol­ler Zuver­sicht, denn sie erwar­tet die Ankunft ihrer jün­ge­ren Schwes­ter Vale­ria aus der Ukrai­ne. Die­se kommt nach Isra­el, um erst­mals ihren Ver­lob­ten Eytan zu tref­fen. Die Ehe wur­de online arran­giert, ähn­lich wie einst bei Chris­ti­na selbst, die nun mit Micha­el ein bes­se­res Zuhau­se und Zufrie­den­heit gefun­den hat. Das­sel­be wünscht sie sich auch für ihre Schwes­ter. Doch als Vale­ria und Eytan sich dann end­lich von Ange­sicht zu Ange­sicht gegen­über­ste­hen, kippt die Stim­mung sehr bald ins Unbe­hag­li­che, weil bei Vale­ria Zwei­fel auf­tre­ten. Plötz­lich macht Micha­el Chris­ti­na für das abwei­sen­de Ver­hal­ten ihrer Schwes­ter ver­ant­wort­lich – denn das gesam­te Arran­ge­ment dient auch sei­nen eige­nen Inter­es­sen. Ihre Stel­lung als Ehe­frau gerät zuneh­mend ins Wanken …

Öster­reich / Deutsch­land / Frank­reich 2022, 99 min, Deutsch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Ulrich Seidl 

Vor Jah­ren hat es den Mitt­vier­zi­ger Ewald nach Rumä­ni­en ver­schla­gen. Jetzt wagt er einen Neu­an­fang. Er ver­lässt sei­ne Freun­din und zieht in die ver­arm­te, länd­li­che Ein­öde, wo er mit Jun­gen aus der Umge­bung ein ver­fal­le­nes Schul­ge­bäu­de zu einer Fes­tung aus­baut. Die Kin­der ent­de­cken dort eine Unbe­schwert­heit, die sie so nicht kann­ten, doch der Arg­wohn der Dorf­be­woh­ner lässt nicht lan­ge auf sich war­ten. Und Ewald muss sich einer lan­ge ver­dräng­ten Wahr­heit stel­len. SPAR­TA von Ulrich Seidl erzählt von der Unent­rinn­bar­keit der eige­nen Ver­gan­gen­heit und von dem Schmerz, sich selbst zu finden.

„Am Anfang steht eines die­ser typi­schen Ulrich-Seidl-Tableaus. Es ist das­sel­be, mit denen der öster­rei­chi­sche Regis­seur auch RIMI­NI begin­nen ließ, das kurz vor­her erschie­ne­ne Bru­der­stück zu SPAR­TA: Eine Grup­pe von Rentner:innen sitzt neben­ein­an­der auf­ge­reiht im Auf­ent­halts­raum eines Senio­ren­heims und into­niert das Fass­nachts­lied ‚So ein Tag, so wun­der­schön wie heu­te‘. Die Stim­men sin­gen schlep­pend, schwach und zitt­rig durch­ein­an­der, nur wenig ist schön an die­sem Tag und in die­sem Leben, das stellt Seidl gleich zu Anfang unmiss­ver­ständ­lich klar – so weit, so bekannt. (…)

Nun also RIMI­NI und SPAR­TA, zwei Fil­me, die eigent­lich einer wer­den soll­ten, die immer noch Spu­ren von­ein­an­der ent­hal­ten, nun aber getrennt von­ein­an­der ver­öf­fent­licht wer­den. Im Fokus ste­hen zwei Brü­der. Bei­de zieht es – in einer Art Flucht­re­flex vor dem Bekann­ten, der Ver­gan­gen­heit und sich selbst – ins Aus­land, den einen nach Rimi­ni, den ande­ren ins dörf­li­che Rumä­ni­en. Nach­dem RIMI­NI, der Micha­el Tho­mas als abge­half­ter­ten Schla­ger­sän­ger Richie Bra­vo durch eine trüb­graue Urlaubs­höl­le voll begra­be­ner Träu­me beglei­te­te, von vie­len Rezipient:innen nicht ganz zu Recht als busi­ness as usu­al bei­sei­te­ge­legt wur­de, hat SPAR­TA nun für die ers­te rich­ti­ge Seidl-Kon­tro­ver­se gesorgt. Die­se dreht sich erst­mals nicht um das Sicht­ba­re, son­dern um das Dahin­ter­lie­gen­de, genau­er: die Produktionsbedingungen. (…)

Was macht man mit einem Film, der von einer Dis­kus­si­on um Aus­beu­tung und Kin­des­wohl­ge­fähr­dung über­schat­tet wird? Nun: ihn sich im Zwei­fel erst ein­mal anschau­en. Denn zur Ambi­gui­tät des Sach­ver­halts gehört auch, dass die Vor­wür­fe mit SPAR­TA einen Film tref­fen, auf den vie­le der wie­der­keh­ren­den ästhe­ti­schen und per­spek­ti­vi­schen Kri­tik­punk­te nicht so leicht anzu­wen­den sind. Schon in der Kame­ra­füh­rung offen­bart sich eine Ver­än­de­rung: Die Zahl der künst­lich sym­me­tri­sier­ten, bewe­gungs­lo­sen Tota­len und Halb­to­ta­len ist deut­lich ver­rin­gert, an ihre Stel­le rückt wie schon bei RIMI­NI eine erstaun­lich agi­le Hand­ka­me­ra. Seidl zwingt die Figu­ren nicht mehr in die von ihm gewähl­ten Bild­aus­schnit­te, son­dern folgt ihnen nach und lässt sie auf die­se Wei­se das Blick­feld bestimmen. (…)

Zurück zum ein­gangs erwähn­ten Senio­ren­heim: Hier vege­tiert – offen­sicht­lich kurz vor sei­nem Tod – der Vater von Ewald und Richie vor sich hin, irrt ver­lo­ren durch die Gän­ge und wird inmit­ten des demen­ten Siech­tums blitz­licht­ar­tig von Erin­ne­rungs­fet­zen heim­ge­sucht, die ihn zurück in die Behüt­etheit sei­ner Kind­heit tra­gen oder Nazi­lie­der sin­gen las­sen. Die Wur­zeln des indi­vi­du­el­len Leids lie­gen nicht zuletzt in über Genera­tio­nen wei­ter­ge­reich­ten Trau­ma­ta. Das Ver­gan­ge­ne lässt uns selbst dann nicht ruhen, wenn die Gegen­wart schon vor unse­ren Augen ver­schwimmt. Die­ser klam­mer­ar­ti­ge Über­bau fin­det sich mit teils iden­ti­schen Sze­nen sowohl in RIMI­NI als auch SPAR­TA wie­der, und viel­leicht wäre er im Kon­text des Gesamt­wer­kes bes­ser auf­ge­gan­gen. Gleich­zei­tig pro­fi­tiert SPAR­TA von sei­ner Kon­zen­triert­heit. Wie der Regis­seur in RIMI­NI eine fra­gi­le Vater-Toch­ter-Annä­he­rung dazu nutzt, von der Tris­tesse und dem Tran­szen­denz­po­ten­zi­al von Schla­gern zu erzäh­len, hät­te sich schwer­lich mit dem unbe­haue­nen Qua­si-Neo­rea­lis­mus von SPAR­TA ver­tra­gen. Am Ende steht Ulrich Seidls streit­bars­ter Film seit Lan­gem, aber – so viel Ambi­va­lenz muss man aus­hal­ten – auch sein bes­ter.“ (Micha­el S. Ben­dix, kino​-zeit​.de)

Deutsch­land 2022, 91 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Astrid Menzel

„Küm­mer‘ dich um Oma, wenn ich nicht mehr da bin“, sagt der Groß­va­ter zu sei­ner 30-jäh­ri­gen Enke­lin Astrid. Da ist der Groß­va­ter bereits immer häu­fi­ger im Kran­ken­haus. Ers­te Erin­ne­rungs­lü­cken machen sich bei Oma Car­men bemerk­bar. Als der Opa ver­stirbt, kommt Car­men in ein Senio­ren­heim. Ihre Demen­z­er­kran­kung ver­schlech­tert sich zuse­hends. Sie fühlt sich, trotz Besu­chen, von der Fami­lie im Stich gelas­sen. Astrid wird klar, dass sie ihr Ver­spre­chen an den Opa nicht erfüllt hat. Sie beschließt ihre 86-jäh­ri­ge Groß­mutter mit auf eine zwei­wö­chi­ge Kanu­tour zu neh­men, zurück zum Steg, wo das Boot vor vie­len Jah­ren getauft wur­de. Eine Rei­se­rou­te wird aus­ge­tüf­telt, Equip­ment besorgt. Erfüllt von Nost­al­gie und Trotz, soll die­se gemein­sa­me Rei­se Klar­heit brin­gen, ob und wie sie in Zukunft für ihre Oma sor­gen könnte.

Und so begibt sich Astrid gemein­sam mit ihrem jün­ge­ren Bru­der Hend­ric und Oma Car­men auf eine Kanu­tour von Bre­men bis Kiel. Vol­ler Ver­trau­en steigt die 86-jäh­ri­ge täg­lich zu ihren Enkeln ins Kanu. Es wackelt und glu­ckert, die Son­ne scheint. Die unge­wis­se Zukunft rückt in wei­te Fer­ne. Alles scheint gut. Doch es ist nicht leicht Car­mens gewohn­ten Tages­rhyth­mus auf der Rei­se bei­zu­be­hal­ten. Die täg­li­chen Orts­wech­sel set­zen ihr zu. Trotz gedul­di­ger Wie­der­ho­lun­gen kann sie sich nichts Neu­es mehr mer­ken. Wäh­rend die Groß­mutter die Gesell­schaft ihrer Enkel auf dem Was­ser genießt, wer­den die Näch­te für alle drei immer belas­ten­der. Die Situa­ti­on spitzt sich zu, bis Car­men eines Nachts beschließt, zu Fuß nach Hau­se zu gehen.

Deutsch­land 2022, 91 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Astrid Menzel

„Küm­mer‘ dich um Oma, wenn ich nicht mehr da bin“, sagt der Groß­va­ter zu sei­ner 30-jäh­ri­gen Enke­lin Astrid. Da ist der Groß­va­ter bereits immer häu­fi­ger im Kran­ken­haus. Ers­te Erin­ne­rungs­lü­cken machen sich bei Oma Car­men bemerk­bar. Als der Opa ver­stirbt, kommt Car­men in ein Senio­ren­heim. Ihre Demen­z­er­kran­kung ver­schlech­tert sich zuse­hends. Sie fühlt sich, trotz Besu­chen, von der Fami­lie im Stich gelas­sen. Astrid wird klar, dass sie ihr Ver­spre­chen an den Opa nicht erfüllt hat. Sie beschließt ihre 86-jäh­ri­ge Groß­mutter mit auf eine zwei­wö­chi­ge Kanu­tour zu neh­men, zurück zum Steg, wo das Boot vor vie­len Jah­ren getauft wur­de. Eine Rei­se­rou­te wird aus­ge­tüf­telt, Equip­ment besorgt. Erfüllt von Nost­al­gie und Trotz, soll die­se gemein­sa­me Rei­se Klar­heit brin­gen, ob und wie sie in Zukunft für ihre Oma sor­gen könnte.

Und so begibt sich Astrid gemein­sam mit ihrem jün­ge­ren Bru­der Hend­ric und Oma Car­men auf eine Kanu­tour von Bre­men bis Kiel. Vol­ler Ver­trau­en steigt die 86-jäh­ri­ge täg­lich zu ihren Enkeln ins Kanu. Es wackelt und glu­ckert, die Son­ne scheint. Die unge­wis­se Zukunft rückt in wei­te Fer­ne. Alles scheint gut. Doch es ist nicht leicht Car­mens gewohn­ten Tages­rhyth­mus auf der Rei­se bei­zu­be­hal­ten. Die täg­li­chen Orts­wech­sel set­zen ihr zu. Trotz gedul­di­ger Wie­der­ho­lun­gen kann sie sich nichts Neu­es mehr mer­ken. Wäh­rend die Groß­mutter die Gesell­schaft ihrer Enkel auf dem Was­ser genießt, wer­den die Näch­te für alle drei immer belas­ten­der. Die Situa­ti­on spitzt sich zu, bis Car­men eines Nachts beschließt, zu Fuß nach Hau­se zu gehen.

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Deutsch­land 2022, 91 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Astrid Menzel

„Küm­mer‘ dich um Oma, wenn ich nicht mehr da bin“, sagt der Groß­va­ter zu sei­ner 30-jäh­ri­gen Enke­lin Astrid. Da ist der Groß­va­ter bereits immer häu­fi­ger im Kran­ken­haus. Ers­te Erin­ne­rungs­lü­cken machen sich bei Oma Car­men bemerk­bar. Als der Opa ver­stirbt, kommt Car­men in ein Senio­ren­heim. Ihre Demen­z­er­kran­kung ver­schlech­tert sich zuse­hends. Sie fühlt sich, trotz Besu­chen, von der Fami­lie im Stich gelas­sen. Astrid wird klar, dass sie ihr Ver­spre­chen an den Opa nicht erfüllt hat. Sie beschließt ihre 86-jäh­ri­ge Groß­mutter mit auf eine zwei­wö­chi­ge Kanu­tour zu neh­men, zurück zum Steg, wo das Boot vor vie­len Jah­ren getauft wur­de. Eine Rei­se­rou­te wird aus­ge­tüf­telt, Equip­ment besorgt. Erfüllt von Nost­al­gie und Trotz, soll die­se gemein­sa­me Rei­se Klar­heit brin­gen, ob und wie sie in Zukunft für ihre Oma sor­gen könnte.

Und so begibt sich Astrid gemein­sam mit ihrem jün­ge­ren Bru­der Hend­ric und Oma Car­men auf eine Kanu­tour von Bre­men bis Kiel. Vol­ler Ver­trau­en steigt die 86-jäh­ri­ge täg­lich zu ihren Enkeln ins Kanu. Es wackelt und glu­ckert, die Son­ne scheint. Die unge­wis­se Zukunft rückt in wei­te Fer­ne. Alles scheint gut. Doch es ist nicht leicht Car­mens gewohn­ten Tages­rhyth­mus auf der Rei­se bei­zu­be­hal­ten. Die täg­li­chen Orts­wech­sel set­zen ihr zu. Trotz gedul­di­ger Wie­der­ho­lun­gen kann sie sich nichts Neu­es mehr mer­ken. Wäh­rend die Groß­mutter die Gesell­schaft ihrer Enkel auf dem Was­ser genießt, wer­den die Näch­te für alle drei immer belas­ten­der. Die Situa­ti­on spitzt sich zu, bis Car­men eines Nachts beschließt, zu Fuß nach Hau­se zu gehen.

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Isra­el / Ukrai­ne 2022, 76 min, Hebrä­isch | Rus­sisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Michal Vinik

Regen in Tel Aviv. Ein schlech­tes Vor­zei­chen? Chris­ti­na jeden­falls ist vol­ler Zuver­sicht, denn sie erwar­tet die Ankunft ihrer jün­ge­ren Schwes­ter Vale­ria aus der Ukrai­ne. Die­se kommt nach Isra­el, um erst­mals ihren Ver­lob­ten Eytan zu tref­fen. Die Ehe wur­de online arran­giert, ähn­lich wie einst bei Chris­ti­na selbst, die nun mit Micha­el ein bes­se­res Zuhau­se und Zufrie­den­heit gefun­den hat. Das­sel­be wünscht sie sich auch für ihre Schwes­ter. Doch als Vale­ria und Eytan sich dann end­lich von Ange­sicht zu Ange­sicht gegen­über­ste­hen, kippt die Stim­mung sehr bald ins Unbe­hag­li­che, weil bei Vale­ria Zwei­fel auf­tre­ten. Plötz­lich macht Micha­el Chris­ti­na für das abwei­sen­de Ver­hal­ten ihrer Schwes­ter ver­ant­wort­lich – denn das gesam­te Arran­ge­ment dient auch sei­nen eige­nen Inter­es­sen. Ihre Stel­lung als Ehe­frau gerät zuneh­mend ins Wanken …

Deutsch­land / Japan 2022, 97 min, Deutsch | Japa­nisch mit deut­schen UT

Regie: Rai­ner Komers

Das kar­ge und aut­ar­ke Leben in den japa­ni­schen Ber­gen, ein­ge­fan­gen zwi­schen Regen­zeit und ers­tem Schnee. Abge­le­gen und ruhig: ein Ort, den die Zeit ver­ges­sen hat – und doch, selbst hier, ein Gefühl der Unru­he … Die Welt ver­än­dert sich, und es gibt kein Ent­rin­nen, nur Anpassung.

Rai­ner Komers por­trai­tiert in sei­nem neu­en Film die Dorf­ge­mein­schaft von Miya­ma, einer Berg­re­gi­on nörd­lich von Kyo­to, und trifft dabei auf eine Welt, in der Tra­di­ti­on und Moder­ne, auf viel­fäl­ti­ge Wei­se ver­wo­ben, mit­ein­an­der exis­tie­ren. Jun­ge Fami­li­en, die ver­su­chen, sich eine eigen­stän­di­ge Exis­tenz auf­zu­bau­en, die Alten, die ein genüg­sa­mes Leben aus einer ande­ren Zeit zu füh­ren schei­nen, die immer gegen­wär­ti­ge Natur, der tra­di­tio­nel­le Reis­an­bau und der Kampf gegen die Maka­ken bil­den den Fluss der Erzählung.

Die­sem gesellt sich als Melo­die die Geschich­te von Uwe Wal­ter hin­zu, der aus dem Ruhr­ge­biet stammt und seit drei Jahr­zehn­ten mit sei­ner japa­ni­schen Frau in Miya­ma lebt. Für die Alt­ein­ge­ses­se­nen ist Uwe der Außen­sei­ter, aber zugleich auch ein Ken­ner des tra­di­tio­nel­len Nō-Thea­ters und ein Meis­ter der Shakuha­chi-Flö­te, einem prä­gen­den Instru­ment der klas­si­schen Musik Japans. Kaum vor­stell­bar, dass es einen wei­te­ren Deut­schen gibt, der so sehr die japa­ni­sche Kul­tur lebt und sich der dörf­li­chen Gemein­schaft ange­passt hat.

MIYA­MA, KYO­TO PRE­FEC­TU­RE erzählt vom Leben in die­ser Dorf­ge­mein­schaft, von der der Lei­ter des Doku­men­tar­film­fes­ti­vals Leip­zig, Chris­toph Ter­hech­te sagt: „Der eigent­li­che Gegen­stand die­ses Films ist nicht der graublond gelock­te Deut­sche, son­dern eben jene Gemein­schaft, die Rai­ner Komers in bit­ter­sü­ßer Viel­stim­mig­keit por­trä­tiert. Sie ent­steht im Spiel der Kin­der, in den Ver­rich­tun­gen der Erwach­se­nen und den Erzäh­lun­gen der Alten, in den som­mer­li­chen Wol­ken­brü­chen der Regen­zeit, im wei­ßen Mond über dem nächt­li­chen Dorf und in den blut­rot gefärb­ten Blät­tern im Herbst – ein herr­li­cher Film, der zeigt, wie anpas­sungs­fä­hig wir Men­schen sind.“

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Isra­el / Ukrai­ne 2022, 76 min, Hebrä­isch | Rus­sisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Michal Vinik

Regen in Tel Aviv. Ein schlech­tes Vor­zei­chen? Chris­ti­na jeden­falls ist vol­ler Zuver­sicht, denn sie erwar­tet die Ankunft ihrer jün­ge­ren Schwes­ter Vale­ria aus der Ukrai­ne. Die­se kommt nach Isra­el, um erst­mals ihren Ver­lob­ten Eytan zu tref­fen. Die Ehe wur­de online arran­giert, ähn­lich wie einst bei Chris­ti­na selbst, die nun mit Micha­el ein bes­se­res Zuhau­se und Zufrie­den­heit gefun­den hat. Das­sel­be wünscht sie sich auch für ihre Schwes­ter. Doch als Vale­ria und Eytan sich dann end­lich von Ange­sicht zu Ange­sicht gegen­über­ste­hen, kippt die Stim­mung sehr bald ins Unbe­hag­li­che, weil bei Vale­ria Zwei­fel auf­tre­ten. Plötz­lich macht Micha­el Chris­ti­na für das abwei­sen­de Ver­hal­ten ihrer Schwes­ter ver­ant­wort­lich – denn das gesam­te Arran­ge­ment dient auch sei­nen eige­nen Inter­es­sen. Ihre Stel­lung als Ehe­frau gerät zuneh­mend ins Wanken …

Deutsch­land / Japan 2022, 97 min, Deutsch | Japa­nisch mit deut­schen UT

Regie: Rai­ner Komers

Das kar­ge und aut­ar­ke Leben in den japa­ni­schen Ber­gen, ein­ge­fan­gen zwi­schen Regen­zeit und ers­tem Schnee. Abge­le­gen und ruhig: ein Ort, den die Zeit ver­ges­sen hat – und doch, selbst hier, ein Gefühl der Unru­he … Die Welt ver­än­dert sich, und es gibt kein Ent­rin­nen, nur Anpassung.

Rai­ner Komers por­trai­tiert in sei­nem neu­en Film die Dorf­ge­mein­schaft von Miya­ma, einer Berg­re­gi­on nörd­lich von Kyo­to, und trifft dabei auf eine Welt, in der Tra­di­ti­on und Moder­ne, auf viel­fäl­ti­ge Wei­se ver­wo­ben, mit­ein­an­der exis­tie­ren. Jun­ge Fami­li­en, die ver­su­chen, sich eine eigen­stän­di­ge Exis­tenz auf­zu­bau­en, die Alten, die ein genüg­sa­mes Leben aus einer ande­ren Zeit zu füh­ren schei­nen, die immer gegen­wär­ti­ge Natur, der tra­di­tio­nel­le Reis­an­bau und der Kampf gegen die Maka­ken bil­den den Fluss der Erzählung.

Die­sem gesellt sich als Melo­die die Geschich­te von Uwe Wal­ter hin­zu, der aus dem Ruhr­ge­biet stammt und seit drei Jahr­zehn­ten mit sei­ner japa­ni­schen Frau in Miya­ma lebt. Für die Alt­ein­ge­ses­se­nen ist Uwe der Außen­sei­ter, aber zugleich auch ein Ken­ner des tra­di­tio­nel­len Nō-Thea­ters und ein Meis­ter der Shakuha­chi-Flö­te, einem prä­gen­den Instru­ment der klas­si­schen Musik Japans. Kaum vor­stell­bar, dass es einen wei­te­ren Deut­schen gibt, der so sehr die japa­ni­sche Kul­tur lebt und sich der dörf­li­chen Gemein­schaft ange­passt hat.

MIYA­MA, KYO­TO PRE­FEC­TU­RE erzählt vom Leben in die­ser Dorf­ge­mein­schaft, von der der Lei­ter des Doku­men­tar­film­fes­ti­vals Leip­zig, Chris­toph Ter­hech­te sagt: „Der eigent­li­che Gegen­stand die­ses Films ist nicht der graublond gelock­te Deut­sche, son­dern eben jene Gemein­schaft, die Rai­ner Komers in bit­ter­sü­ßer Viel­stim­mig­keit por­trä­tiert. Sie ent­steht im Spiel der Kin­der, in den Ver­rich­tun­gen der Erwach­se­nen und den Erzäh­lun­gen der Alten, in den som­mer­li­chen Wol­ken­brü­chen der Regen­zeit, im wei­ßen Mond über dem nächt­li­chen Dorf und in den blut­rot gefärb­ten Blät­tern im Herbst – ein herr­li­cher Film, der zeigt, wie anpas­sungs­fä­hig wir Men­schen sind.“

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Isra­el / Ukrai­ne 2022, 76 min, Hebrä­isch | Rus­sisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Michal Vinik

Regen in Tel Aviv. Ein schlech­tes Vor­zei­chen? Chris­ti­na jeden­falls ist vol­ler Zuver­sicht, denn sie erwar­tet die Ankunft ihrer jün­ge­ren Schwes­ter Vale­ria aus der Ukrai­ne. Die­se kommt nach Isra­el, um erst­mals ihren Ver­lob­ten Eytan zu tref­fen. Die Ehe wur­de online arran­giert, ähn­lich wie einst bei Chris­ti­na selbst, die nun mit Micha­el ein bes­se­res Zuhau­se und Zufrie­den­heit gefun­den hat. Das­sel­be wünscht sie sich auch für ihre Schwes­ter. Doch als Vale­ria und Eytan sich dann end­lich von Ange­sicht zu Ange­sicht gegen­über­ste­hen, kippt die Stim­mung sehr bald ins Unbe­hag­li­che, weil bei Vale­ria Zwei­fel auf­tre­ten. Plötz­lich macht Micha­el Chris­ti­na für das abwei­sen­de Ver­hal­ten ihrer Schwes­ter ver­ant­wort­lich – denn das gesam­te Arran­ge­ment dient auch sei­nen eige­nen Inter­es­sen. Ihre Stel­lung als Ehe­frau gerät zuneh­mend ins Wanken …

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Isra­el / Ukrai­ne 2022, 76 min, Hebrä­isch | Rus­sisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Michal Vinik

Regen in Tel Aviv. Ein schlech­tes Vor­zei­chen? Chris­ti­na jeden­falls ist vol­ler Zuver­sicht, denn sie erwar­tet die Ankunft ihrer jün­ge­ren Schwes­ter Vale­ria aus der Ukrai­ne. Die­se kommt nach Isra­el, um erst­mals ihren Ver­lob­ten Eytan zu tref­fen. Die Ehe wur­de online arran­giert, ähn­lich wie einst bei Chris­ti­na selbst, die nun mit Micha­el ein bes­se­res Zuhau­se und Zufrie­den­heit gefun­den hat. Das­sel­be wünscht sie sich auch für ihre Schwes­ter. Doch als Vale­ria und Eytan sich dann end­lich von Ange­sicht zu Ange­sicht gegen­über­ste­hen, kippt die Stim­mung sehr bald ins Unbe­hag­li­che, weil bei Vale­ria Zwei­fel auf­tre­ten. Plötz­lich macht Micha­el Chris­ti­na für das abwei­sen­de Ver­hal­ten ihrer Schwes­ter ver­ant­wort­lich – denn das gesam­te Arran­ge­ment dient auch sei­nen eige­nen Inter­es­sen. Ihre Stel­lung als Ehe­frau gerät zuneh­mend ins Wanken …

Mama Muh geht schwimmen

Du denkst Kühe kön­nen nicht schwim­men? Dann kennst du Mama Muh nicht! Mama Muh nimmt Anlauf und springt in den See.
Regie: Igor Veysh­ta­gin, S 2008, Zei­chen­trick­film, 7 Min.

Riff

Glit­zern­de Fisch­schwär­me, bun­te Koral­len, atem­be­rau­ben­de Rochen … Der fas­zi­nie­ren­de Mario­net­ten­film prä­sen­tiert eine Unter­was­ser­welt vol­ler Über­ra­schun­gen.
Regie: Eric Steegs­tra, NL 2008, Mario­net­tentrick­film, 12 Min.

Pet­ters­son und Fin­dus: Tap­fe­res Seepferdchen

Pet­ters­son erzählt Fin­dus stolz von dem Schwimm­ab­zei­chen, das er als Kind bekom­men hat. Doch mit dem Erin­nern und dem Schwim­men ist es so eine Sache.
Regie: Jör­gen Ler­dam, Anders Sören­sen, S 2006, Zei­chen­trick­film, 11 Min.

Deutsch­land 2022, 91 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Astrid Menzel

„Küm­mer‘ dich um Oma, wenn ich nicht mehr da bin“, sagt der Groß­va­ter zu sei­ner 30-jäh­ri­gen Enke­lin Astrid. Da ist der Groß­va­ter bereits immer häu­fi­ger im Kran­ken­haus. Ers­te Erin­ne­rungs­lü­cken machen sich bei Oma Car­men bemerk­bar. Als der Opa ver­stirbt, kommt Car­men in ein Senio­ren­heim. Ihre Demen­z­er­kran­kung ver­schlech­tert sich zuse­hends. Sie fühlt sich, trotz Besu­chen, von der Fami­lie im Stich gelas­sen. Astrid wird klar, dass sie ihr Ver­spre­chen an den Opa nicht erfüllt hat. Sie beschließt ihre 86-jäh­ri­ge Groß­mutter mit auf eine zwei­wö­chi­ge Kanu­tour zu neh­men, zurück zum Steg, wo das Boot vor vie­len Jah­ren getauft wur­de. Eine Rei­se­rou­te wird aus­ge­tüf­telt, Equip­ment besorgt. Erfüllt von Nost­al­gie und Trotz, soll die­se gemein­sa­me Rei­se Klar­heit brin­gen, ob und wie sie in Zukunft für ihre Oma sor­gen könnte.

Und so begibt sich Astrid gemein­sam mit ihrem jün­ge­ren Bru­der Hend­ric und Oma Car­men auf eine Kanu­tour von Bre­men bis Kiel. Vol­ler Ver­trau­en steigt die 86-jäh­ri­ge täg­lich zu ihren Enkeln ins Kanu. Es wackelt und glu­ckert, die Son­ne scheint. Die unge­wis­se Zukunft rückt in wei­te Fer­ne. Alles scheint gut. Doch es ist nicht leicht Car­mens gewohn­ten Tages­rhyth­mus auf der Rei­se bei­zu­be­hal­ten. Die täg­li­chen Orts­wech­sel set­zen ihr zu. Trotz gedul­di­ger Wie­der­ho­lun­gen kann sie sich nichts Neu­es mehr mer­ken. Wäh­rend die Groß­mutter die Gesell­schaft ihrer Enkel auf dem Was­ser genießt, wer­den die Näch­te für alle drei immer belas­ten­der. Die Situa­ti­on spitzt sich zu, bis Car­men eines Nachts beschließt, zu Fuß nach Hau­se zu gehen.

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Deutsch­land 2022, 82 min, OmdU 

Mit der Kame­ra gegen die Hoff­nungs­lo­sig­keit: Die Doku­men­tar­fil­me­rin Lina Lužy­te folgt dem afgha­ni­schen Künst­ler Talibs­hah Hosi­ni, der mit Fami­lie im grie­chi­schen Lager Moria fest­steckt. Dort schreibt, pro­du­ziert und dreht er mit ande­ren Asyl­su­chen­den einen Spiel­film über eine geflüch­te­te Fami­lie. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager. Aber bei aller har­schen Kri­tik an der euro­päi­schen Asyl­po­li­tik ist dies auch eine Geschich­te über Tri­umph und Erlösung.

Talib Shah Hos­sai­ni, ein 37-jäh­ri­ger afgha­ni­scher Fil­me­ma­cher und Asyl­be­wer­ber, lebt in Moria auf der grie­chi­schen Insel Les­bos. Moria war das größ­te Flücht­lings­la­ger in Euro­pa bis es im Herbst 2020 bis auf die Grund­mau­ern nie­der­brann­te. Nach einem Jahr in die­sem Lager steht Talib Shah kurz davor, die Hoff­nung zu ver­lie­ren. Anstatt jedoch auf­zu­ge­ben, beschließt er, sein Lei­den in Kunst zu ver­wan­deln und dreht den Film PIC­NIC – ein Ein­blick in das Leben tau­sen­der Flücht­lin­ge, die in Moria fest­sit­zen, einem Ort, der häu­fig als huma­ni­tä­re Kata­stro­phe bezeich­net wird. Die Fil­me­ma­che­rin Lina Lužy­tė folgt dem täg­li­chen Leben von Talib Shah und zeigt ihn bei den Dreh­ar­bei­ten zu sei­nem Film. Mit­glie­der von Talib Shahs Fami­lie tre­ten neben ande­ren Ama­teur­schau­spie­lern in dem Film auf. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager.

„Die zuneh­men­de Anti-Migra­ti­ons-Stim­mung in Euro­pa hat dazu geführt, dass vie­le EU-Län­der ihre Gren­zen geschlos­sen haben, so dass Tau­sen­de von Geflüch­te­ten in Moria, dem größ­ten Lager auf der grie­chi­schen Insel Les­bos fest­sa­ßen. Im Früh­herbst 2020 brann­te das Lager nie­der. Die Asyl­su­chen­den hoff­ten, dies wür­de end­lich Frei­heit bedeu­ten, aber 72 Stun­den spä­ter wur­de ein neu­es Lager errich­tet, in das die Men­schen auf unbe­stimm­te Zeit gebracht wurden.

Die einen nen­nen es die poli­ti­sche Ohn­macht der EU, die ande­ren sagen, es sei eine Stra­te­gie der Zurück­wei­sung. Ich schlie­ße mich dem Phi­lo­so­phen Sla­voj Žižek an, der behaup­tet, dass weder Akzep­tanz noch Ableh­nung Lösun­gen sind. Ihm zufol­ge ist es statt­des­sen not­wen­dig, das Kon­zept von Euro­pa und Euro­pa selbst zu über­den­ken. Mit die­sen Gedan­ken im Hin­ter­kopf habe ich mit Talibs­hah Hosi­ni zusam­men­ge­ar­bei­tet, einem afgha­ni­schen Fil­me­ma­cher, der in Moria lebt. Er hat einen Film gedreht, der die täg­li­chen Kämp­fe der Asyl­su­chen­den und ihrer unge­wis­sen Zukunft zeigt, wäh­rend­des­sen film­te ich Talibs­hah in sei­nem täg­li­chen Leben sowie bei der Ent­ste­hung sei­nes Films.

Ich habe mich dafür ent­schie­den, den Meta-Film als Ver­grö­ße­rungs­glas / Lupe zu ver­wen­den, um den Blick zu erwei­tern und die Geflüch­te­ten nicht als Emp­fän­ger von Almo­sen dar­zu­stel­len, son­dern als Men­schen, die etwas zu sagen haben und fähig sind, dies zu tun.“ (Lina Lužy­te)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Isra­el / Ukrai­ne 2022, 76 min, Hebrä­isch | Rus­sisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Michal Vinik

Regen in Tel Aviv. Ein schlech­tes Vor­zei­chen? Chris­ti­na jeden­falls ist vol­ler Zuver­sicht, denn sie erwar­tet die Ankunft ihrer jün­ge­ren Schwes­ter Vale­ria aus der Ukrai­ne. Die­se kommt nach Isra­el, um erst­mals ihren Ver­lob­ten Eytan zu tref­fen. Die Ehe wur­de online arran­giert, ähn­lich wie einst bei Chris­ti­na selbst, die nun mit Micha­el ein bes­se­res Zuhau­se und Zufrie­den­heit gefun­den hat. Das­sel­be wünscht sie sich auch für ihre Schwes­ter. Doch als Vale­ria und Eytan sich dann end­lich von Ange­sicht zu Ange­sicht gegen­über­ste­hen, kippt die Stim­mung sehr bald ins Unbe­hag­li­che, weil bei Vale­ria Zwei­fel auf­tre­ten. Plötz­lich macht Micha­el Chris­ti­na für das abwei­sen­de Ver­hal­ten ihrer Schwes­ter ver­ant­wort­lich – denn das gesam­te Arran­ge­ment dient auch sei­nen eige­nen Inter­es­sen. Ihre Stel­lung als Ehe­frau gerät zuneh­mend ins Wanken …

Deutsch­land 2022, 82 min, OmdU 

Mit der Kame­ra gegen die Hoff­nungs­lo­sig­keit: Die Doku­men­tar­fil­me­rin Lina Lužy­te folgt dem afgha­ni­schen Künst­ler Talibs­hah Hosi­ni, der mit Fami­lie im grie­chi­schen Lager Moria fest­steckt. Dort schreibt, pro­du­ziert und dreht er mit ande­ren Asyl­su­chen­den einen Spiel­film über eine geflüch­te­te Fami­lie. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager. Aber bei aller har­schen Kri­tik an der euro­päi­schen Asyl­po­li­tik ist dies auch eine Geschich­te über Tri­umph und Erlösung.

Talib Shah Hos­sai­ni, ein 37-jäh­ri­ger afgha­ni­scher Fil­me­ma­cher und Asyl­be­wer­ber, lebt in Moria auf der grie­chi­schen Insel Les­bos. Moria war das größ­te Flücht­lings­la­ger in Euro­pa bis es im Herbst 2020 bis auf die Grund­mau­ern nie­der­brann­te. Nach einem Jahr in die­sem Lager steht Talib Shah kurz davor, die Hoff­nung zu ver­lie­ren. Anstatt jedoch auf­zu­ge­ben, beschließt er, sein Lei­den in Kunst zu ver­wan­deln und dreht den Film PIC­NIC – ein Ein­blick in das Leben tau­sen­der Flücht­lin­ge, die in Moria fest­sit­zen, einem Ort, der häu­fig als huma­ni­tä­re Kata­stro­phe bezeich­net wird. Die Fil­me­ma­che­rin Lina Lužy­tė folgt dem täg­li­chen Leben von Talib Shah und zeigt ihn bei den Dreh­ar­bei­ten zu sei­nem Film. Mit­glie­der von Talib Shahs Fami­lie tre­ten neben ande­ren Ama­teur­schau­spie­lern in dem Film auf. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager.

„Die zuneh­men­de Anti-Migra­ti­ons-Stim­mung in Euro­pa hat dazu geführt, dass vie­le EU-Län­der ihre Gren­zen geschlos­sen haben, so dass Tau­sen­de von Geflüch­te­ten in Moria, dem größ­ten Lager auf der grie­chi­schen Insel Les­bos fest­sa­ßen. Im Früh­herbst 2020 brann­te das Lager nie­der. Die Asyl­su­chen­den hoff­ten, dies wür­de end­lich Frei­heit bedeu­ten, aber 72 Stun­den spä­ter wur­de ein neu­es Lager errich­tet, in das die Men­schen auf unbe­stimm­te Zeit gebracht wurden.

Die einen nen­nen es die poli­ti­sche Ohn­macht der EU, die ande­ren sagen, es sei eine Stra­te­gie der Zurück­wei­sung. Ich schlie­ße mich dem Phi­lo­so­phen Sla­voj Žižek an, der behaup­tet, dass weder Akzep­tanz noch Ableh­nung Lösun­gen sind. Ihm zufol­ge ist es statt­des­sen not­wen­dig, das Kon­zept von Euro­pa und Euro­pa selbst zu über­den­ken. Mit die­sen Gedan­ken im Hin­ter­kopf habe ich mit Talibs­hah Hosi­ni zusam­men­ge­ar­bei­tet, einem afgha­ni­schen Fil­me­ma­cher, der in Moria lebt. Er hat einen Film gedreht, der die täg­li­chen Kämp­fe der Asyl­su­chen­den und ihrer unge­wis­sen Zukunft zeigt, wäh­rend­des­sen film­te ich Talibs­hah in sei­nem täg­li­chen Leben sowie bei der Ent­ste­hung sei­nes Films.

Ich habe mich dafür ent­schie­den, den Meta-Film als Ver­grö­ße­rungs­glas / Lupe zu ver­wen­den, um den Blick zu erwei­tern und die Geflüch­te­ten nicht als Emp­fän­ger von Almo­sen dar­zu­stel­len, son­dern als Men­schen, die etwas zu sagen haben und fähig sind, dies zu tun.“ (Lina Lužy­te)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Isra­el / Ukrai­ne 2022, 76 min, Hebrä­isch | Rus­sisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Michal Vinik

Regen in Tel Aviv. Ein schlech­tes Vor­zei­chen? Chris­ti­na jeden­falls ist vol­ler Zuver­sicht, denn sie erwar­tet die Ankunft ihrer jün­ge­ren Schwes­ter Vale­ria aus der Ukrai­ne. Die­se kommt nach Isra­el, um erst­mals ihren Ver­lob­ten Eytan zu tref­fen. Die Ehe wur­de online arran­giert, ähn­lich wie einst bei Chris­ti­na selbst, die nun mit Micha­el ein bes­se­res Zuhau­se und Zufrie­den­heit gefun­den hat. Das­sel­be wünscht sie sich auch für ihre Schwes­ter. Doch als Vale­ria und Eytan sich dann end­lich von Ange­sicht zu Ange­sicht gegen­über­ste­hen, kippt die Stim­mung sehr bald ins Unbe­hag­li­che, weil bei Vale­ria Zwei­fel auf­tre­ten. Plötz­lich macht Micha­el Chris­ti­na für das abwei­sen­de Ver­hal­ten ihrer Schwes­ter ver­ant­wort­lich – denn das gesam­te Arran­ge­ment dient auch sei­nen eige­nen Inter­es­sen. Ihre Stel­lung als Ehe­frau gerät zuneh­mend ins Wanken …

Deutsch­land 2022, 82 min, OmdU 

Mit der Kame­ra gegen die Hoff­nungs­lo­sig­keit: Die Doku­men­tar­fil­me­rin Lina Lužy­te folgt dem afgha­ni­schen Künst­ler Talibs­hah Hosi­ni, der mit Fami­lie im grie­chi­schen Lager Moria fest­steckt. Dort schreibt, pro­du­ziert und dreht er mit ande­ren Asyl­su­chen­den einen Spiel­film über eine geflüch­te­te Fami­lie. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager. Aber bei aller har­schen Kri­tik an der euro­päi­schen Asyl­po­li­tik ist dies auch eine Geschich­te über Tri­umph und Erlösung.

Talib Shah Hos­sai­ni, ein 37-jäh­ri­ger afgha­ni­scher Fil­me­ma­cher und Asyl­be­wer­ber, lebt in Moria auf der grie­chi­schen Insel Les­bos. Moria war das größ­te Flücht­lings­la­ger in Euro­pa bis es im Herbst 2020 bis auf die Grund­mau­ern nie­der­brann­te. Nach einem Jahr in die­sem Lager steht Talib Shah kurz davor, die Hoff­nung zu ver­lie­ren. Anstatt jedoch auf­zu­ge­ben, beschließt er, sein Lei­den in Kunst zu ver­wan­deln und dreht den Film PIC­NIC – ein Ein­blick in das Leben tau­sen­der Flücht­lin­ge, die in Moria fest­sit­zen, einem Ort, der häu­fig als huma­ni­tä­re Kata­stro­phe bezeich­net wird. Die Fil­me­ma­che­rin Lina Lužy­tė folgt dem täg­li­chen Leben von Talib Shah und zeigt ihn bei den Dreh­ar­bei­ten zu sei­nem Film. Mit­glie­der von Talib Shahs Fami­lie tre­ten neben ande­ren Ama­teur­schau­spie­lern in dem Film auf. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager.

„Die zuneh­men­de Anti-Migra­ti­ons-Stim­mung in Euro­pa hat dazu geführt, dass vie­le EU-Län­der ihre Gren­zen geschlos­sen haben, so dass Tau­sen­de von Geflüch­te­ten in Moria, dem größ­ten Lager auf der grie­chi­schen Insel Les­bos fest­sa­ßen. Im Früh­herbst 2020 brann­te das Lager nie­der. Die Asyl­su­chen­den hoff­ten, dies wür­de end­lich Frei­heit bedeu­ten, aber 72 Stun­den spä­ter wur­de ein neu­es Lager errich­tet, in das die Men­schen auf unbe­stimm­te Zeit gebracht wurden.

Die einen nen­nen es die poli­ti­sche Ohn­macht der EU, die ande­ren sagen, es sei eine Stra­te­gie der Zurück­wei­sung. Ich schlie­ße mich dem Phi­lo­so­phen Sla­voj Žižek an, der behaup­tet, dass weder Akzep­tanz noch Ableh­nung Lösun­gen sind. Ihm zufol­ge ist es statt­des­sen not­wen­dig, das Kon­zept von Euro­pa und Euro­pa selbst zu über­den­ken. Mit die­sen Gedan­ken im Hin­ter­kopf habe ich mit Talibs­hah Hosi­ni zusam­men­ge­ar­bei­tet, einem afgha­ni­schen Fil­me­ma­cher, der in Moria lebt. Er hat einen Film gedreht, der die täg­li­chen Kämp­fe der Asyl­su­chen­den und ihrer unge­wis­sen Zukunft zeigt, wäh­rend­des­sen film­te ich Talibs­hah in sei­nem täg­li­chen Leben sowie bei der Ent­ste­hung sei­nes Films.

Ich habe mich dafür ent­schie­den, den Meta-Film als Ver­grö­ße­rungs­glas / Lupe zu ver­wen­den, um den Blick zu erwei­tern und die Geflüch­te­ten nicht als Emp­fän­ger von Almo­sen dar­zu­stel­len, son­dern als Men­schen, die etwas zu sagen haben und fähig sind, dies zu tun.“ (Lina Lužy­te)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Isra­el / Ukrai­ne 2022, 76 min, Hebrä­isch | Rus­sisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Michal Vinik

Regen in Tel Aviv. Ein schlech­tes Vor­zei­chen? Chris­ti­na jeden­falls ist vol­ler Zuver­sicht, denn sie erwar­tet die Ankunft ihrer jün­ge­ren Schwes­ter Vale­ria aus der Ukrai­ne. Die­se kommt nach Isra­el, um erst­mals ihren Ver­lob­ten Eytan zu tref­fen. Die Ehe wur­de online arran­giert, ähn­lich wie einst bei Chris­ti­na selbst, die nun mit Micha­el ein bes­se­res Zuhau­se und Zufrie­den­heit gefun­den hat. Das­sel­be wünscht sie sich auch für ihre Schwes­ter. Doch als Vale­ria und Eytan sich dann end­lich von Ange­sicht zu Ange­sicht gegen­über­ste­hen, kippt die Stim­mung sehr bald ins Unbe­hag­li­che, weil bei Vale­ria Zwei­fel auf­tre­ten. Plötz­lich macht Micha­el Chris­ti­na für das abwei­sen­de Ver­hal­ten ihrer Schwes­ter ver­ant­wort­lich – denn das gesam­te Arran­ge­ment dient auch sei­nen eige­nen Inter­es­sen. Ihre Stel­lung als Ehe­frau gerät zuneh­mend ins Wanken …

Deutsch­land 2022, 82 min, OmdU 

Mit der Kame­ra gegen die Hoff­nungs­lo­sig­keit: Die Doku­men­tar­fil­me­rin Lina Lužy­te folgt dem afgha­ni­schen Künst­ler Talibs­hah Hosi­ni, der mit Fami­lie im grie­chi­schen Lager Moria fest­steckt. Dort schreibt, pro­du­ziert und dreht er mit ande­ren Asyl­su­chen­den einen Spiel­film über eine geflüch­te­te Fami­lie. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager. Aber bei aller har­schen Kri­tik an der euro­päi­schen Asyl­po­li­tik ist dies auch eine Geschich­te über Tri­umph und Erlösung.

Talib Shah Hos­sai­ni, ein 37-jäh­ri­ger afgha­ni­scher Fil­me­ma­cher und Asyl­be­wer­ber, lebt in Moria auf der grie­chi­schen Insel Les­bos. Moria war das größ­te Flücht­lings­la­ger in Euro­pa bis es im Herbst 2020 bis auf die Grund­mau­ern nie­der­brann­te. Nach einem Jahr in die­sem Lager steht Talib Shah kurz davor, die Hoff­nung zu ver­lie­ren. Anstatt jedoch auf­zu­ge­ben, beschließt er, sein Lei­den in Kunst zu ver­wan­deln und dreht den Film PIC­NIC – ein Ein­blick in das Leben tau­sen­der Flücht­lin­ge, die in Moria fest­sit­zen, einem Ort, der häu­fig als huma­ni­tä­re Kata­stro­phe bezeich­net wird. Die Fil­me­ma­che­rin Lina Lužy­tė folgt dem täg­li­chen Leben von Talib Shah und zeigt ihn bei den Dreh­ar­bei­ten zu sei­nem Film. Mit­glie­der von Talib Shahs Fami­lie tre­ten neben ande­ren Ama­teur­schau­spie­lern in dem Film auf. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager.

„Die zuneh­men­de Anti-Migra­ti­ons-Stim­mung in Euro­pa hat dazu geführt, dass vie­le EU-Län­der ihre Gren­zen geschlos­sen haben, so dass Tau­sen­de von Geflüch­te­ten in Moria, dem größ­ten Lager auf der grie­chi­schen Insel Les­bos fest­sa­ßen. Im Früh­herbst 2020 brann­te das Lager nie­der. Die Asyl­su­chen­den hoff­ten, dies wür­de end­lich Frei­heit bedeu­ten, aber 72 Stun­den spä­ter wur­de ein neu­es Lager errich­tet, in das die Men­schen auf unbe­stimm­te Zeit gebracht wurden.

Die einen nen­nen es die poli­ti­sche Ohn­macht der EU, die ande­ren sagen, es sei eine Stra­te­gie der Zurück­wei­sung. Ich schlie­ße mich dem Phi­lo­so­phen Sla­voj Žižek an, der behaup­tet, dass weder Akzep­tanz noch Ableh­nung Lösun­gen sind. Ihm zufol­ge ist es statt­des­sen not­wen­dig, das Kon­zept von Euro­pa und Euro­pa selbst zu über­den­ken. Mit die­sen Gedan­ken im Hin­ter­kopf habe ich mit Talibs­hah Hosi­ni zusam­men­ge­ar­bei­tet, einem afgha­ni­schen Fil­me­ma­cher, der in Moria lebt. Er hat einen Film gedreht, der die täg­li­chen Kämp­fe der Asyl­su­chen­den und ihrer unge­wis­sen Zukunft zeigt, wäh­rend­des­sen film­te ich Talibs­hah in sei­nem täg­li­chen Leben sowie bei der Ent­ste­hung sei­nes Films.

Ich habe mich dafür ent­schie­den, den Meta-Film als Ver­grö­ße­rungs­glas / Lupe zu ver­wen­den, um den Blick zu erwei­tern und die Geflüch­te­ten nicht als Emp­fän­ger von Almo­sen dar­zu­stel­len, son­dern als Men­schen, die etwas zu sagen haben und fähig sind, dies zu tun.“ (Lina Lužy­te)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 82 min, OmdU 

Mit der Kame­ra gegen die Hoff­nungs­lo­sig­keit: Die Doku­men­tar­fil­me­rin Lina Lužy­te folgt dem afgha­ni­schen Künst­ler Talibs­hah Hosi­ni, der mit Fami­lie im grie­chi­schen Lager Moria fest­steckt. Dort schreibt, pro­du­ziert und dreht er mit ande­ren Asyl­su­chen­den einen Spiel­film über eine geflüch­te­te Fami­lie. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager. Aber bei aller har­schen Kri­tik an der euro­päi­schen Asyl­po­li­tik ist dies auch eine Geschich­te über Tri­umph und Erlösung.

Talib Shah Hos­sai­ni, ein 37-jäh­ri­ger afgha­ni­scher Fil­me­ma­cher und Asyl­be­wer­ber, lebt in Moria auf der grie­chi­schen Insel Les­bos. Moria war das größ­te Flücht­lings­la­ger in Euro­pa bis es im Herbst 2020 bis auf die Grund­mau­ern nie­der­brann­te. Nach einem Jahr in die­sem Lager steht Talib Shah kurz davor, die Hoff­nung zu ver­lie­ren. Anstatt jedoch auf­zu­ge­ben, beschließt er, sein Lei­den in Kunst zu ver­wan­deln und dreht den Film PIC­NIC – ein Ein­blick in das Leben tau­sen­der Flücht­lin­ge, die in Moria fest­sit­zen, einem Ort, der häu­fig als huma­ni­tä­re Kata­stro­phe bezeich­net wird. Die Fil­me­ma­che­rin Lina Lužy­tė folgt dem täg­li­chen Leben von Talib Shah und zeigt ihn bei den Dreh­ar­bei­ten zu sei­nem Film. Mit­glie­der von Talib Shahs Fami­lie tre­ten neben ande­ren Ama­teur­schau­spie­lern in dem Film auf. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager.

„Die zuneh­men­de Anti-Migra­ti­ons-Stim­mung in Euro­pa hat dazu geführt, dass vie­le EU-Län­der ihre Gren­zen geschlos­sen haben, so dass Tau­sen­de von Geflüch­te­ten in Moria, dem größ­ten Lager auf der grie­chi­schen Insel Les­bos fest­sa­ßen. Im Früh­herbst 2020 brann­te das Lager nie­der. Die Asyl­su­chen­den hoff­ten, dies wür­de end­lich Frei­heit bedeu­ten, aber 72 Stun­den spä­ter wur­de ein neu­es Lager errich­tet, in das die Men­schen auf unbe­stimm­te Zeit gebracht wurden.

Die einen nen­nen es die poli­ti­sche Ohn­macht der EU, die ande­ren sagen, es sei eine Stra­te­gie der Zurück­wei­sung. Ich schlie­ße mich dem Phi­lo­so­phen Sla­voj Žižek an, der behaup­tet, dass weder Akzep­tanz noch Ableh­nung Lösun­gen sind. Ihm zufol­ge ist es statt­des­sen not­wen­dig, das Kon­zept von Euro­pa und Euro­pa selbst zu über­den­ken. Mit die­sen Gedan­ken im Hin­ter­kopf habe ich mit Talibs­hah Hosi­ni zusam­men­ge­ar­bei­tet, einem afgha­ni­schen Fil­me­ma­cher, der in Moria lebt. Er hat einen Film gedreht, der die täg­li­chen Kämp­fe der Asyl­su­chen­den und ihrer unge­wis­sen Zukunft zeigt, wäh­rend­des­sen film­te ich Talibs­hah in sei­nem täg­li­chen Leben sowie bei der Ent­ste­hung sei­nes Films.

Ich habe mich dafür ent­schie­den, den Meta-Film als Ver­grö­ße­rungs­glas / Lupe zu ver­wen­den, um den Blick zu erwei­tern und die Geflüch­te­ten nicht als Emp­fän­ger von Almo­sen dar­zu­stel­len, son­dern als Men­schen, die etwas zu sagen haben und fähig sind, dies zu tun.“ (Lina Lužy­te)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 82 min, OmdU 

Mit der Kame­ra gegen die Hoff­nungs­lo­sig­keit: Die Doku­men­tar­fil­me­rin Lina Lužy­te folgt dem afgha­ni­schen Künst­ler Talibs­hah Hosi­ni, der mit Fami­lie im grie­chi­schen Lager Moria fest­steckt. Dort schreibt, pro­du­ziert und dreht er mit ande­ren Asyl­su­chen­den einen Spiel­film über eine geflüch­te­te Fami­lie. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager. Aber bei aller har­schen Kri­tik an der euro­päi­schen Asyl­po­li­tik ist dies auch eine Geschich­te über Tri­umph und Erlösung.

Talib Shah Hos­sai­ni, ein 37-jäh­ri­ger afgha­ni­scher Fil­me­ma­cher und Asyl­be­wer­ber, lebt in Moria auf der grie­chi­schen Insel Les­bos. Moria war das größ­te Flücht­lings­la­ger in Euro­pa bis es im Herbst 2020 bis auf die Grund­mau­ern nie­der­brann­te. Nach einem Jahr in die­sem Lager steht Talib Shah kurz davor, die Hoff­nung zu ver­lie­ren. Anstatt jedoch auf­zu­ge­ben, beschließt er, sein Lei­den in Kunst zu ver­wan­deln und dreht den Film PIC­NIC – ein Ein­blick in das Leben tau­sen­der Flücht­lin­ge, die in Moria fest­sit­zen, einem Ort, der häu­fig als huma­ni­tä­re Kata­stro­phe bezeich­net wird. Die Fil­me­ma­che­rin Lina Lužy­tė folgt dem täg­li­chen Leben von Talib Shah und zeigt ihn bei den Dreh­ar­bei­ten zu sei­nem Film. Mit­glie­der von Talib Shahs Fami­lie tre­ten neben ande­ren Ama­teur­schau­spie­lern in dem Film auf. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager.

„Die zuneh­men­de Anti-Migra­ti­ons-Stim­mung in Euro­pa hat dazu geführt, dass vie­le EU-Län­der ihre Gren­zen geschlos­sen haben, so dass Tau­sen­de von Geflüch­te­ten in Moria, dem größ­ten Lager auf der grie­chi­schen Insel Les­bos fest­sa­ßen. Im Früh­herbst 2020 brann­te das Lager nie­der. Die Asyl­su­chen­den hoff­ten, dies wür­de end­lich Frei­heit bedeu­ten, aber 72 Stun­den spä­ter wur­de ein neu­es Lager errich­tet, in das die Men­schen auf unbe­stimm­te Zeit gebracht wurden.

Die einen nen­nen es die poli­ti­sche Ohn­macht der EU, die ande­ren sagen, es sei eine Stra­te­gie der Zurück­wei­sung. Ich schlie­ße mich dem Phi­lo­so­phen Sla­voj Žižek an, der behaup­tet, dass weder Akzep­tanz noch Ableh­nung Lösun­gen sind. Ihm zufol­ge ist es statt­des­sen not­wen­dig, das Kon­zept von Euro­pa und Euro­pa selbst zu über­den­ken. Mit die­sen Gedan­ken im Hin­ter­kopf habe ich mit Talibs­hah Hosi­ni zusam­men­ge­ar­bei­tet, einem afgha­ni­schen Fil­me­ma­cher, der in Moria lebt. Er hat einen Film gedreht, der die täg­li­chen Kämp­fe der Asyl­su­chen­den und ihrer unge­wis­sen Zukunft zeigt, wäh­rend­des­sen film­te ich Talibs­hah in sei­nem täg­li­chen Leben sowie bei der Ent­ste­hung sei­nes Films.

Ich habe mich dafür ent­schie­den, den Meta-Film als Ver­grö­ße­rungs­glas / Lupe zu ver­wen­den, um den Blick zu erwei­tern und die Geflüch­te­ten nicht als Emp­fän­ger von Almo­sen dar­zu­stel­len, son­dern als Men­schen, die etwas zu sagen haben und fähig sind, dies zu tun.“ (Lina Lužy­te)

JFBB Sek­ti­on: KINO FERMISHED

Rober­ta Gross­man, US 2022, 74 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Eng­lisch, Deutsch, Hebrä­isch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch
Ange­sichts der bei­spiel­lo­sen Zer­stö­rung und der Not der Über­le­ben­den der Sho­ah geschieht
das Undenk­ba­re: Deut­sche und jüdi­sche Vertreter*innen tref­fen sich im Gehei­men, um über
die ers­te Wie­der­gut­ma­chung der Geschich­te zu ver­han­deln. (Text: Go2Films)

JFBB Sek­ti­on: KINO FERMISHED

Igor Sadreev, RU 2022, 78 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Rus­sisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch
Von der „Ärz­te-Ver­schwö­rung“ bis zum „zio­nis­ti­schen Rubel“: Anti­se­mi­tis­mus gehör­te auch in
der Sowjet­uni­on zum All­tag. Eine tem­po­rei­che Erkun­dungs­rei­se in das absurd-gefähr­li­che
Uni­ver­sum der Ver­schwö­rungs­theo­rien. Iro­nie, die im Hal­se ste­cken bleibt.

JFBB Sek­ti­on: KINO FERMISHED

Shau­ly Melamed, US 2022, 77 min, Dok
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch
Unter­ti­tel: Deutsch
Ein neu­er Blick auf alte Bil­der – wer war ich, wer ich bin? Vier quee­re Israe­lis reflek­tie­ren anhand
von DV-Home­vi­de­os aus ihrer Kind­heit und Jugend, wie sie zu ihrer Sexua­li­tät gefun­den haben.
Ado­les­zen­te Iden­ti­täts­su­che mit der Kamera.

JFBB Sek­ti­on: KINO FERMISHED

Zvi Lands­man, IL 2021, 85 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch, Eng­lisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch
Soge­nann­te „Kon­ver­sa­ti­ons­the­ra­pien“ sol­len Homo­se­xu­el­le von ihrer sexu­el­len Ori­en­tie­rung
„hei­len“. Die Fil­me­ma­cher um Regis­seur Zvi Lands­man durf­ten mit dabei sein. Ein schmerz­lich
inti­mer Ein­blick in die Lei­den und Kämp­fe von Lev und Ben, zwei Män­nern aus ultra­or­tho­do­xen
Gemein­schaf­ten, die sich in die­se The­ra­pien bege­ben haben.

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Ralph Arly­ck, US 2022, 88 min, Dok
Sprach­fas­sung: Eng­lisch, Fran­zö­sisch
Unter­ti­tel: Deutsch
Mit einer Leich­tig­keit, die nicht trau­rig auf Ver­gan­ge­nes und nicht ängst­lich auf die Zukunft
blickt, son­dern neu­gie­rig die wech­seln­den Per­spek­ti­ven eines Lebens betrach­tet, denkt der
82-jäh­ri­ge Kult-Doku­men­ta­rist Ralph Arly­ck über das Alter(n) nach. Nie­mals ohne Kame­ra
reflek­tiert er sein Leben, filmt sei­ne Nachbar*innen, sei­ne Frau, sei­ne Ärz­te- geht ihnen auf
die Ner­ven und stellt unan­ge­neh­me Fra­gen, auch an sich selbst.

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Tal Inbar, IL 2022, 54 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Ara­bisch, Hebrä­isch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch
Sechs Jah­re nach einem Atten­tat in einem belieb­ten Café in Tel Aviv trifft die Fil­me­ma­che­rin
Über­le­ben­de, die bis heu­te trau­ma­ti­siert sind… Par­al­lel mon­tier­te wer­den die Bil­der der
Über­wa­chungs­ka­me­ras und ver­deut­li­chen die scho­ckie­ren­de Bru­ta­li­tät des Anschlags.

Sie tru­gen Anzü­ge und saßen, wie die ande­ren Gäs­te, im Café Bren­ner im belieb­ten Saro­na-Markt in Tel Aviv. Es war der 8. Juni 2016. Dann, plötz­lich, schos­sen die bei­den 21-jäh­ri­gen paläs­ti­nen­si­schen Atten­tä­ter mit Maschi­nen­ge­weh­ren wahl­los auf die Café­gäs­te. Panik brach aus. Es gab vier Tote und vie­le Ver­letz­te. Der Schock saß tief. Sechs Jah­re spä­ter spricht die Fil­me­ma­che­rin Tal Inbar mit jüdi­schen und ara­bi­schen Über­le­ben­den. Durch die authen­ti­schen Bil­der der Über­wa­chungs­ka­me­ras stellt sie die scho­ckie­ren­den und bru­ta­len Ereig­nis­se in den Kon­text die­ser Erin­ne­run­gen. Eine jun­ge Frau trau­ert noch heu­te um ihren erschos­se­nen Vater. Ein ara­bi­scher Vater konn­te sei­nen Sohn ret­ten, aber in den Jah­ren danach brach sei­ne Fami­lie aus­ein­an­der. Sel­ten hat man als Betrach­terin die urplötz­lich aus­bre­chen­de, scho­ckie­ren­de Bru­ta­li­tät eines Atten­tats so nahe gespürt, wie in die­sen Bil­dern und Zeuginnen­aus­sa­gen.

Text: Jörg Taszman

Vor­film:

REQUI­EM FOR A WHALE

JFBB Sek­ti­on: KINO FER­MIS­HED
Ido Weis­man, IL 2022, 15 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch
Eines Mor­gens liegt ein rie­si­ger toter Finn­wal am Strand. Ido Weis­man doku­men­tiert die
Begeg­nung der Men­schen mit dem toten Wal. Vor epi­scher Strand­ku­lis­se ver­han­deln die
Schau­lus­ti­gen exis­ten­zi­el­le Fra­gen über Tod, Ver­gäng­lich­keit, Umwelt, Ver­ant­wor­tung und
Ethik.

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Noa Aha­ro­ni, IL 2022, 63 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch, Eng­lisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Vier Jüdin­nen wur­den kurz vor der Befrei­ung von Ausch­witz gehängt. Ihr Ver­bre­chen: Sabo­ta­ge. Sie hat­ten aus einer Waf­fen­fa­brik Schieß­pul­ver an Wider­stands­grup­pen im Lager geschmug­gelt. Anna Wajc­blum, die Schwes­ter einer der Gehäng­ten, berich­tet von den Ver­bre­chen und dem Leid im Lager, dem sich die muti­gen Frau­en widersetzten.

Mit­glie­der eines Son­der­kom­man­dos spreng­ten am 7.Oktober 1944 in Bir­ken­au das Kre­ma­to­ri­um 4 und wag­ten einen spon­ta­nen Auf­stand gegen die SS, den sie alle nicht über­leb­ten. Laszlo Nemes hat die­se Epi­so­de jüdi­schen Wider­stan­des in Ausch­witz-Bir­ken­au in sei­nem Spiel­film SON OF SAUL fest­ge­hal­ten. Im Doku­men­tar­film „Sabo­ta­ge“ erfährt man nun, dass der jüdi­sche Wider­stand im Lager mona­te­lang Hil­fe von muti­gen jüdi­schen Wider­stands­kämp­fe­rin­nen erhal­ten hat­te, die in den Uni­on Wer­ken Waf­fen für die Deut­schen her­stell­ten und Schieß­pul­ver aus der Fabrik schmug­gel­ten. Auch die damals 16-jäh­ri­ge Anna Wajc­blum und ihre älte­re Schwes­ter Estu­sia gehör­ten dem Wider­stand an, woll­ten nicht kampf­los ster­ben. Die Fil­me­ma­che­rin Noa Aha­ro­ni lässt in ihrem hybri­den Doku­men­tar­film die Über­le­ben­de Anna Wajc­blum zu Wort kom­men und ver­leiht den Ermor­de­ten Wider­stands­kämp­fe­rin­nen durch zart ani­mier­te Spiel­film­sze­nen ein Gesicht.

Vor­film:

LET­TER TO A PIG

JFBB Sek­ti­on: KINO FER­MIS­HED
Tal Kan­tor, FR/IL 2021, 16 min, Ani­ma­ti­ons­film
Sprach­fas­sung: Eng­lisch
Unter­ti­tel: Deutsch
Der Brief an das Schwein, das den Sho­ah-Über­le­ben­den vor sei­nen Nazi-Ver­fol­gern ret­te­te,
ver­setzt ein Mäd­chen aus der Lan­ge­wei­le des Klas­sen­raums in einen Tag­traum, in dem sie
selbst Teil der Geschich­te wird. Ein in kla­ren Lini­en gezeich­ne­ter Ani­ma­ti­ons­film über die Last
und Ver­ar­bei­tung von inter­ge­nera­tio­na­len Traumata.

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB SPIELFILM

Jake Palt­row, US/IL 2022, 105 min, Spiel­film
Sprach­fas­sung: Eng­lisch, Hebrä­isch
Unter­ti­tel: Deutsch
Dar­stel­ler­na­men: Noam Ova­dia, Tzahi Grad, Yoav Levi

Isra­el, Juni 1962. Die Hin­rich­tung des SS-Kriegs­ver­bre­chers Adolf Eich­mann steht bevor. Drei pri­va­te Schick­sa­le hin­ter einem geschichts­träch­ti­gen Ereig­nis, das für die ver­schie­de­nen Ein­wan­de­rer­grup­pen in Isra­el unter­schied­li­che Bedeu­tung hat: ein 13-jäh­ri­ger libysch-jüdi­scher Jun­ge, ein sephar­di­scher Wäch­ter und ein asch­ke­na­si­scher Schoah-Überlebender.

JUNE ZERO beleuch­tet die Hin­rich­tung Adolf Eich­manns aus einem Blick­win­kel, der es nicht immer in die Geschichts­bü­cher schafft, aber viel über die israe­li­sche Gesell­schaft in ihrer Viel­falt und ihren Wider­sprü­chen aus­sagt. Der Eich­mann-Pro­zess gilt als ein Wen­de­punkt in der israe­li­schen Geschich­te, als der Moment, in dem die Gesell­schaft anfing, sich mit den Trau­ma­ta der Sho­ah aus­ein­an­der­zu­set­zen, in dem der star­re Fokus auf den Staats­auf­bau etwas abebb­te. Doch bestand und besteht die israe­li­sche Gesell­schaft nicht nur aus Asch­ke­na­sim, Juden und Jüdin­nen euro­päi­scher Abstam­mung. Wel­che Bedeu­tung hat die­ses gro­ße Trau­ma der jüdi­schen Geschich­te für die Juden und Jüdin­nen nicht-euro­päi­scher Her­kunft?
Der Spiel­film von Jake Palt­row stellt drei pri­va­te, bei­spiel­haf­te Schick­sa­le hin­ter einem geschichts­träch­ti­gen Ereig­nis vor: Der 13-jäh­ri­ge David begeht gele­gent­lich klei­ne Dieb­stäh­le, und in der Schu­le wird er von sei­nem asch­ke­na­si­schen Leh­rer gemobbt, weil er ein sephar­di­scher Migrant aus Liby­en ist. Sein Auf­nah­me­land Isra­el befin­det sich im Aus­nah­me­zu­stand: Der Pro­zess gegen Adolf Eich­mann, den Archi­tek­ten der Mas­sen­ver­nich­tung der Juden und Jüdin­nen wäh­rend des Zwei­ten Welt­kriegs, neigt sich dem Ende zu und wird im gan­zen Land per Radio ver­folgt. Der marok­ka­ni­sche Jude Hay­im, einer der Wäch­ter Eich­manns, muss für die Sicher­heit des Ange­klag­ten sor­gen – und dar­auf ach­ten, dass kei­ner der ande­ren im Wach­per­so­nal Asch­ke­n­a­si ist, um Rache­ak­tio­nen vor­zu­beu­gen. Micha dage­gen hat die Ver­hö­run­gen Eich­manns mit aus­ge­führt. Er ist Über­le­ben­der der Scho­ah und berich­tet einer Tourist*innengruppe in Polen von sei­nen furcht­ba­ren Erfah­run­gen im Ghetto.

Text: Kira Taszman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Alon Schwarz, IL 2022, 95 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch, Ara­bisch, Eng­lisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Was geschah 1948 in dem ara­bi­schen Fischer­dorf Tan­tu­ra? Auf die­se Fra­ge las­sen sich
meh­re­re Ant­wor­ten finden.

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Phil­ip­pe Bel­lai­che, IL 2023, 89 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Ara­bisch, Hebrä­isch, Fran­zö­sisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Auf Spu­ren­su­che. Die marok­ka­ni­sche Stadt Mar­ra­kesch war jahr­zehn­te­lang das Zen­trum leben­di­ger sephar­di­scher Kul­tur. Was davon geblie­ben ist beleuch­tet die­ses Film­pro­jekt über jüdi­sches Leben einst und heu­te. Gemein­sam bege­ben sich israe­li­sche und marok­ka­ni­sche Stu­die­ren­de auf Spurensuche.

Im jüdi­schen Vier­tel von Mar­ra­kesch, der Mel­lah, besuch­ten die einst 35.000 Juden und Jüdin­nen 35 ver­schie­de­ne Syn­ago­gen. Die Stra­ßen des Quar­tiers wim­mel­ten von Leben und jüdi­scher Kul­tur – in Geschäf­ten, Hand­wer­ken und Häu­sern. Ein beson­ders präch­ti­ges Haus gehör­te der ein­fluss­rei­chen Fami­lie Cor­cos. Heu­te steht es leer und ver­fällt, trotz der Pfle­ge eines mus­li­mi­schen Haus­meis­ters, zuse­hends. Auch in eine ehe­mals jüdi­sche Schu­le Mar­ra­keschs gehen nun mus­li­mi­sche Kin­der, denen nicht viel ein­fällt, als man sie bit­tet, einen Juden zu malen. Nur noch betag­te mus­li­mi­sche Bewoh­nerinnen der Stadt erin­nern sich an ihre eins­ti­gen Nach­barinnen, denn sie wuch­sen gemein­sam mit ihnen auf oder lern­ten von ihnen Hand­wer­ke, vor allem die Metall-Orna­men­tik. Den Gläu­bi­gen der ein­zi­gen noch ope­rie­ren­den Syn­ago­ge fällt es an eini­gen Tagen schwer, den Min­jan, das Quo­rum von zehn Män­nern für einen voll­stän­di­gen jüdi­schen Got­tes­dienst, zusam­men zu bekom­men. Den gro­ßen jüdi­schen Fried­hof der Stadt besu­chen die letz­ten ver­blie­be­nen Juden und Jüdin­nen der Stadt sowie Nach­kom­men der sephar­di­schen Gemein­de Mar­ra­keschs, die nun im Aus­land leben. In fünf kur­zen Doku­men­tar­fil­men beleuch­tet die­ses Film­pro­jekt, wie die Stadt mit dem ent­stan­de­nen Vaku­um der eins­ti­gen jüdi­schen Bevöl­ke­rung umgeht. Gemein­sam bege­ben sich israe­li­sche und marok­ka­ni­sche Stu­die­ren­de mit unter­schied­li­chen Schwer­punk­ten auf Spu­ren­su­che nach der einst blü­hen­den jüdi­schen Kul­tur. Es ist eine Kul­tur, an die bald nur noch Orte und Arte­fak­te erin­nern wer­den, kei­ne Men­schen. Das Pro­jekt wur­de initi­iert von Taha Bal­af­rej (Con­nect Insti­tu­te, Moroc­co), Prof. Sami Shalom Che­trit (Sapir Col­le­ge, Isra­el) und Ziv Naveh (Ges­her Mul­ti­cul­tu­ral Film Fund, Israel).

Peop­le Asleep and the Water as Well
Regie: Rotem Elka­yam, Eli­ran Dam­ri, Mary­em Bouz­zit, Ghi­ta Sarhani

If Walls Could Speak
Regie: Ella Dagan, Kinar Dar, Ayoub El Mou­den, Riham Har­rag, Yas­ser Hafid

Guar­di­ans of Heri­ta­ge
Regie: Mos­he Micha­el, Zaka­ria Hab­bad, Iman Mas­kal, Mouad ait Lahcen

Draw Me a Jew
Regie: Amit Arell, Hen Hajaj, Rachi­da Iaich, Hind Chti­bia, Baya Bazaar

Bet­ween Sde­rot and Mar­ra­k­ech: A Tra­vel Dia­ry
Regie: Zohar Dadon

Min­yan
Regie: Shani Cohen, Shani Ber­adt, Yous­sef Atir, Yanis Ait Hebouch

Text: Kira Tazman

JFBB Sek­ti­on: FROM REAL TO REEL – ISRA­EL: PER­SPEK­TI­VEN AUS 75 JAH­REN FILMGESCHICHTE 

Yosef Mil­lo, IL 1967, 90 min, Spiel­film
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch
Dar­stel­ler­na­men: Assi Day­an, Iris Yot­vat, Cha­na Eden, Eli Cohen, Han­nah Aden, Shmu­el
Atz­mon, Ya’ack­ov Ben-Sira

Uri Kaha­na ist der per­fek­te “Sab­re ” – ein Jun­ge der ers­ten Genera­ti­on, der auf israe­li­schem
Boden gebo­ren wur­de. Lei­der ist er, als er nach dem Stu­di­um in sei­nen Kib­buz zurück­kehrt,
ein wenig “vom Kurs abge­kom­men”. Die Span­nun­gen zwi­schen sei­nen Eltern neh­men zu und
er fühlt sich nicht mehr als Teil des Kol­lek­tivs- Uri gerät in eine men­ta­le Zwickmühle.

Basie­rend auf dem gleich­na­mi­gen Buch von Mos­he Shamir aus dem Jahr 1947 ist HE WAL­KED THROUGH THE FIEL­DS die Geschich­te von Uri, dem ulti­ma­ti­ven ” Sab­re “, einem star­ken, gut aus­se­hen­den und auf­rech­ten jun­gen Mann aus einem Kib­buz, der sich vor allem dem Kampf für das Über­le­ben des israe­li­schen Vol­kes ver­schrie­ben hat. Auch, wenn der Preis dafür die Auf­ga­be sei­ner indi­vi­du­el­len Wün­sche ist. Als er sein Stu­di­um abschließt und in sei­nen Kib­buz zurück­kehrt, befin­det er sich jedoch in einem kom­ple­xen psy­chi­schen Zustand, denn er fühlt sich nicht mehr als Teil des Kol­lek­tivs. Dar­über hin­aus ent­ste­hen Span­nun­gen zwi­schen sei­nen Eltern und zu allem Über­fluss ver­liebt er sich in Mika, eine jun­ge Frau und Neu­ein­wan­de­rin von “dort” (eine Sho­ah-Über­le­ben­der zu sein war im natio­na­len Kon­text von ’47 eine Schan­de und wur­de als Schwä­che und unpas­send für das zio­nis­ti­sche Ethos emp­fun­den, eine Schan­de, über die man nicht sprach). Und doch müs­sen sei­ne per­sön­li­chen Wün­sche den exis­ten­zi­el­len Bedürf­nis­sen einer neu­en natio­na­len Hei­mat unter­ge­ord­net wer­den, selbst wenn dies bedeu­tet, das eige­ne Leben zu opfern.
HE WAL­KED THOUGH THE FIEL­DS gibt einen fas­zi­nie­ren­den Ein­blick in die DNA eines jahr­zehn­te­lang unter­drück­ten und ver­folg­ten Vol­kes, das allen Wid­rig­kei­ten zum Trotz über­leb­te und schließ­lich einen 2.000 Jah­re alten Traum von einer siche­ren Hei­mat ver­wirk­lich­te, in der eine bei­spiel­haf­te mora­li­sche Gesell­schaft gedei­hen konn­te. Der Star des Films, der 1967 in Isra­el ein Kas­sen­schla­ger war, ist der jun­ge Assi Day­an, der als Sohn von Mos­he Day­an bekannt wur­de und spä­ter bei dem Mythen­bre­cher LIFE ACCORD­ING TO AGFA Regie führte.

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Aya Elia, Ohad Mil­stein, IL 2023, 54 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Sie sind die „Engel des Todes“ – Offizier*innen der israe­li­schen Streit­kräf­te, die den Fami­li­en getö­te­ter Soldat*innen die Todes­nach­richt über­brin­gen müs­sen. Ein zutiefst nach­denk­li­cher Film über ein uni­ver­sel­les Thema.

Im Sep­tem­ber 1997 wur­de der Mari­ne­of­fi­zier Itamar Elia in einem Hin­ter­halt im Liba­non getö­tet. Seit­dem ist für sei­ne Mut­ter, sei­nen Vater und sei­ne Schwes­ter nichts mehr so wie frü­her. Die Über­brin­gung der Todes­nach­richt, sagt ein soge­nann­ter „casu­al­ty offi­cer“, sei wie ein Schnitt mit dem Mes­ser in das Leben der betrof­fe­nen Fami­li­en: in ein Vor­her und ein Nach­her. Drei casu­al­ty offi­cers berich­ten in dem Doku­men­tar­film von Ohad Mil­stein und Aya Elia, der Schwes­ter Itamars, von ihrem schwe­ren und ver­ant­wor­tungs­vol­len Job. Sie müs­sen sich bei der Über­brin­gung der Todes­nach­richt an ein strik­tes Pro­to­koll und eine genaue For­mu­lie­rung hal­ten, jeden Zwei­fel aus­räu­men. Das Erlö­schen in den Augen der Emp­fän­gerinnen der Nach­richt belas­tet auch die­je­ni­gen, die die­se Nach­richt über­brin­gen müs­sen. Für die Ko-Regis­seu­rin Aya Elia, die zum Todes­zeit­punkt ihres Bru­ders erst elf Jah­re alt war, gab es danach kei­ne glück­li­che Kind­heit und Teen­ager­zeit mehr. Schuld­ge­füh­le, Lee­re und eine immense Trau­er bestim­men bis heu­te das Leben der Fami­lie – eine von etli­chen in Isra­el. Ein Film über Ver­lust und Tod und wie eine Gesell­schaft mit dem dro­hen­den Tod von Armee­an­ge­hö­ri­gen – Kin­dern, Eltern oder Ehe­part­nerinnen – umgeht. Ein mensch­lich-emo­tio­na­ler Blick, der uns schmerz­lich bewusst macht, um was es hin­ter den Ver­lus­ten in Zah­len und den stra­te­gisch-fak­ti­schen Dis­kur­sen über Waf­fen­lie­fe­run­gen und Ter­ri­to­ri­al­ge­win­ne eigent­lich geht.

Text: Kira Taszman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB SPIELFILM

Ady Wal­ter, UA/FR 2022, 109 min, Spiel­film
Sprach­fas­sung: Jid­disch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch
Dar­stel­ler­na­men: Mos­he Lobel, Antoi­ne Mil­let, Saul Rubi­nek, Anisia Stasevich

Men­de­le kehrt aus Kyjiw in sein gali­zi­sches Schtetl, in der heu­ti­gen Ukrai­ne, zurück, um eine
pri­va­te Sache zu erle­di­gen. Dort ahnt nie­mand, wel­che Kata­stro­phe sich gera­de anbahnt, in
die­sem Som­mer 1941, ein Tag vor der Nazi-Inva­si­on der UdSSR.

Ukrai­ne, 21. Juni 1941. Men­de­le ist in Kyjiw Film­re­gis­seur gewor­den, besucht nun aber sei­nen Hei­mat­ort, ein Schtetl in der Nähe des gali­zi­schen Sokal, das bis Sep­tem­ber 1939 zu Polen gehör­te und dann von der sta­li­nis­ti­schen Sowjet­uni­on annek­tiert wur­de. In dem Ört­chen, in dem jetzt sowje­ti­sche Offi­zie­re öffent­lich Pro­pa­gan­da betrei­ben und ortho­do­xe und welt­li­che Bewohner*innen sich wie immer befeh­den, neh­men ihm vie­le sei­nen Fort­gang übel, dar­un­ter auch der Rab­bi. Es sind nur noch weni­ge Stun­den bis zum Schab­bes, und bis dahin muss Men­de­le sei­nen Vater Shlo­ime besu­chen und sei­ne Ex-Braut Yuna sehen, die bald mit sei­nem Erz­ri­va­len Folye ver­hei­ra­tet wer­den soll. Der­weil lau­ern auf der ande­ren Sei­te des Flus­ses die deut­schen Pan­zer… Das meis­ter­li­che Debüt von Regis­seur Ady Wal­ter wur­de vor­nehm­lich in Schwarz­weiß und auf Jid­disch und Ukrai­nisch gedreht. Anschau­lich schil­dert es mit dem leb­haf­ten Schtetl eine ost­eu­ro­pä­isch-jüdi­sche Welt, die es heu­te nicht mehr gibt. Um die­se klaf­fen­de Lücke zu ver­deut­li­chen, nah­men die Fil­me­ma­cher das „E“ aus dem Film­ti­tel. Die ukrai­nisch-fran­zö­si­sche Kopro­duk­ti­on ließ in der Nähe von Kyjiw ein gan­zes Schtetl samt geseg­ne­ter und geweih­ter Syn­ago­ge erbau­en, das nach den Dreh­ar­bei­ten als Muse­um die­nen soll­te. Doch es wur­de – bit­te­re Iro­nie der Geschich­te – wäh­rend des rus­si­schen Über­falls auf die Ukrai­ne zerstört.

Text: Kira Taszman

JFBB Sek­ti­on: JEW­CY HOR­ROR MOVIES

Mar­cin Wro­na, PL/IL 2015, 94 min, Spiel­film
Sprach­fas­sung: Pol­nisch, Eng­lisch, Jid­disch
Unter­ti­tel: Deutsch
Dar­stel­ler­na­men: Itay Tiran, Agnieszka Zulew­s­ka, Andrzej Grabowski

Die Ver­gan­gen­heit ist gegen­wär­tig und je mehr sie ver­sucht wird zu ver­drän­gen, um so
unheim­li­cher kehrt sie wie­der- ein Hor­ror­film der die jid­di­sche Legen­de vom Dib­buk adap­tiert
und dar­über von der Sho­ah erzählt: Pio­tr kehrt für sei­ne Hoch­zeit nach Polen zurück und als
er im Gar­ten ein Ske­lett fin­det, beginnt er, sich zu verändern…

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB SPIELFILM

Sté­pha­ne Freiss, IT/FR 2022, 100 min, Spiel­film
Sprach­fas­sung: Fran­zö­sisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Beim jähr­li­chen Fami­li­en­aus­flug nach Ita­li­en freun­det sich die 26-jäh­ri­ge Esther, Toch­ter einer ortho­do­xen fran­zö­si­schen Fami­lie, mit einem jun­gen Mann an. Was sie eigent­lich nicht darf.

Jeden Som­mer kommt eine ortho­do­xe jüdi­sche Fami­lie aus Aix-Le- Bains in den Süden Ita­li­ens, um dort eine hei­li­ge, kosche­re Zitro­nen­frucht zu ern­ten. Esther, die schon 26 ist und noch kei­nen Mann hat, zwei­felt aber zuse­hends an ihrer Reli­gi­on und ihrem ein­tö­ni­gen Leben. Sie freun­det sich mit dem Besit­zer der Obst­plan­ta­ge, dem Ita­lie­ner Elio, an. Eigent­lich darf sie weder das Haus eines Man­nes betre­ten, noch in sei­nem Auto mit­fah­ren, auch nicht im Inter­net sur­fen oder tan­zen. Aber immer offen­si­ver nimmt sie sich nun neue Frei­hei­ten.
Über­zeu­gen­des Regie­de­büt des fran­zö­si­schen Schau­spie­lers Sté­pha­bes Freiss um eine jun­ge Jüdin, die ihr vor­be­stimm­tes Leben hin­ter­fragt. Sein sub­ti­les Werk ist kein Pam­phlet gegen das ortho­do­xe Juden­tum, zeigt aber, wie schwer es jun­ge Frau­en inner­halb die­ser star­ren Regeln haben. Auch Freiss‘ eige­ne Mut­ter war ortho­do­xe Jüdin und leb­te in Tel Aviv. Der ita­lie­ni­sche Star Ric­car­do Sca­mar­cio und die Fran­zö­sin Lou de Laá­ge spie­len berüh­rend die­ses unglei­che Paar, dass sich pla­to­nisch inein­an­der ver­liebt. Wenn am Ende ein schö­ner Lucia Dal­la-Song ertönt, hat man einen wirk­lich guten Film gesehen.

Text: Jörg Taszman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Mar­ga­ri­ta Lin­ton, Yaniv Lin­ton, IL 2022, 60 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch, Rus­sisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Wie lässt sich Abwe­sen­heit zei­gen – oder gar fil­men? Eine Toch­ter sucht den Kon­takt zu ihrem Vater, einem bekann­ten Maler. Doch der ver­trös­tet sie immer wie­der. Berüh­ren­der Film über eine ver­zwei­fel­te Suche nach Nähe und die Fra­ge nach fami­liä­rer Verantwortung.

Mar­ga­ri­ta Lin­ton ali­as Rita, ist eine Fil­me­ma­che­rin, deren Kind­heit und Jugend durch die Abwe­sen­heit ihres Vaters geprägt war. Der aus Riga stam­men­de Künst­ler emi­grier­te 1990 mit sei­ner Fami­lie nach Isra­el, ver­ließ sie aber bald dar­auf. Rita kennt ihren Vater kaum, will aber anläss­lich einer Aus­stel­lung sei­ner Selbst­por­träts wie­der Kon­takt zu ihm auf­neh­men. Doch am Tele­fon ver­trös­tet er sie stets und ver­setzt sie just an dem Tag, als sie sich end­lich tref­fen woll­ten. Rita filmt die tele­fo­ni­schen Kon­takt­auf­nah­me­ver­su­che und sucht in den Gemäl­den ihres Vaters nach Spu­ren von Gemein­sam­kei­ten, sein Des­in­ter­es­se an ihr kränkt sie. Also ersetzt sie ihren Erzeu­ger durch einen Schau­spie­ler und stellt ein Tref­fen nach. Die­se Vor­ge­hens­wei­se hat über­ra­schen­de Fol­gen für den Film als Gan­zes. Was ist hier wahr, was insze­niert? Der so cle­ve­re wie berüh­ren­de Film behan­delt auf ori­gi­nel­le Wei­se exis­ten­zi­el­le The­men – Bluts­ban­de, Zurück­wei­sung, hei­le und dys­funk­tio­na­le Fami­li­en… Außer­dem hin­ter­fragt er künst­le­ri­sches Schaf­fen: Soll­te man einem Men­schen alles ver­zei­hen, nur, weil er ein begna­de­ter Künst­ler ist? Oder steht der nicht auch in der Ver­ant­wor­tung gegen­über den rea­len exis­tie­ren­den Men­schen, die er in die Welt gesetzt hat?

Text: Kira Taszman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Valen­ti­na Ber­ta­ni, IT/IL 2022, 96 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Ita­lie­nisch, Hebrä­isch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Wie wird man mit 20 noch rich­tig erwach­sen? Die ein­ei­igen Zwil­lin­ge Ben­ji und Joshua müs­sen nach dem Ende der Schul­zeit ler­nen, mit ihrer unbän­di­gen Ener­gie und geis­ti­ger Beein­träch­ti­gung ein Leben auf­zu­bau­en, auch unab­hän­gig voneinander.

Ben­ji und Joshua sind ein leb­haf­tes ita­lie­nisch-jüdi­sches Zwil­lings­paar und kaum zu bän­di­gen. Zu ihrem 20. Geburts­tag haben sich bei­de eini­ges vor­ge­nom­men. Zwar wird es nichts mit einer Pool­par­ty, doch sie wol­len end­lich Sex mit einer Frau, wobei Ben­ja­min der roman­ti­sche­re der bei­den ist. Die Zwil­lin­ge wach­sen in einem lie­be­vol­len Eltern­haus unweit von Mai­land auf, doch nach dem Ende ihrer Schul­zeit herrscht zunächst Per­spek­tiv­lo­sig­keit. Ben­ji und Joshua haben eine geis­ti­ge Behin­de­rung und bewe­gen sich vor allem in ihrem fami­liä­ren Umfeld und in einer Grup­pe jüdi­scher Jugend­li­cher. Regis­seu­rin Valen­ti­na Ber­ta­ni beglei­tet die bei­den jun­gen Män­ner haut­nah durch ihren All­tag, zeigt ihre Träu­me, ihre Lebens­freu­de, aber auch ihren Frust, der durch ihr Außen­sei­ter­tum ent­steht. Beim gemein­sa­men Wehr­dienst in Isra­el offen­ba­ren sich cha­rak­ter­li­che Unter­schie­de. Wie bei der titel­ge­ben­den Kro­nen­scheu – mit ihrem Blät­ter­dach hal­ten sich Bäu­me mit zuneh­men­dem Wachs­tum respekt­voll auf Abstand zuein­an­der – eman­zi­pie­ren sich auch Ben­ji und Joshua von­ein­an­der. Doch das enge brü­der­li­che Band wird immer fortbestehen.

Text: Kira Taszman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Vale­rie Kon­ta­kos, GR 2022, 78 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Eng­lisch, Grie­chisch
Unter­ti­tel: Deutsch

Chel­ly Wil­son, Geschäfts­frau grie­chisch-jüdi­scher Her­kunft, lieb­te Män­ner und Frau­en, spiel­te Poker mit Por­no­stars und Mafio­si, trotz­te allen Her­aus­for­de­run­gen ihres Lebens – und war Herr­sche­rin über ein Impe­ri­um von Por­no­ki­nos im Man­hat­tan der 1970^er Jahre.

Chel­ly Wil­son fei­er­te Weih­nach­ten über einem Por­no­ki­no mit ihrer Fami­lie und zahl­rei­chen Freundinnen: „Sie hielt Hof wie eine Mafia­pa­tin“, erin­nert sich ihr Enkel. Die Ein­wan­de­rin aus Grie­chen­land hat­te es von einer Kiosk­ver­käu­fe­rin zur erfolg­rei­chen Geschäfts­frau gebracht, leb­te den ame­ri­ka­ni­schen Traum. Sie war auf­brau­send, gebie­te­risch, aber auch char­mant und groß­zü­gig und kann­te vie­le ein­fluss­rei­che Men­schen. Doch selbst Chel­lys jüngs­te Toch­ter wuss­te lan­ge nicht, dass die von allen respek­tier­te Matri­ar­chin eine sephar­di­sche Jüdin aus Thes­sa­lo­ni­ki war, in Wirk­lich­keit Rachel Sere­ro hieß und dem Holo­caust nur knapp ent­kom­men war. Regis­seu­rin Vale­rie Kon­ta­kos schil­dert anhand von Wochen­schau­en, Home­vi­de­os, Ani­ma­ti­ons­se­quen­zen und mit­hil­fe der Aus­sa­gen von Chel­lys Töch­tern, Enkelinnen und Bekann­ten ihr ereig­nis­rei­ches Leben. So beginnt die Doku­men­ta­ti­on mit dem Bild der erfolg­rei­chen Geschäfts­frau, begibt sich jedoch bald auf die Spu­ren einer sephar­di­schen Jüdin im 20. Jahr­hun­dert, deren Leben ent­lang einer arran­gier­ten Ehe, fami­liä­rer Hier­ar­chien, dem Stre­ben nach Frei­heit und Auto­no­mie, den Ver­pflich­tun­gen einer Mut­ter und den Aus­wir­kun­gen der natio­nal­so­zia­lis­ti­schen Ver­fol­gung alles ande­re als gerad­li­nig ver­lief. Chel­ly Wil­son bau­te sich in Man­hat­tan erfolg­reich eine neue Groß­fa­mi­lie auf, litt jedoch auch an dem Über­le­bens­schuld-Syn­drom. In den USA genoss sie alle ihre Frei­hei­ten, ließ sich nicht bevor­mun­den und teil­te ihr Leben mit ihrem Ehe­mann und etli­chen Lieb­ha­be­rin­nen. Ein­bli­cke in eine kom­ple­xe Fami­li­en­ge­schich­te, aber auch in die fas­zi­nie­ren­de Sub­kul­tur der Ero­tik- und Por­no­film­sze­ne im New York City der 1960^er und 1970^er. Chel­ly Wil­son zeig­te sie in ihren Kinos auf der 42^nd Street, in dem so ver­ruch­ten wie vibrie­ren­den Vier­tel mit dem Spitz­na­men „The Deuce“.

Text: Kira Taszman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB SPIELFILM

Fred Cavayé, FR/BE 2022, 115 min, Spiel­film
Sprach­fas­sung: Fran­zö­sisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch
Dar­stel­ler­na­men: Dani­el Auteuil, Gil­les Lell­ou­che, Sara Giraudeau

Der jüdi­sche Juwe­lier Haff­mann „ver­kauft“ sein Geschäft an sei­nen nicht-jüdi­schen Mit­ar­bei­ter mit der münd­li­chen Abma­chung, dass die­ser es ihm nach dem Krieg wie­der über­gibt… Ein psy­cho­lo­gi­sches Kam­mer­spiel und his­to­ri­scher Thril­ler über drei Men­schen im von den Deut­schen besetz­ten Paris ¹⁹⁴¹⁄₄₂.

Im Früh­jahr 1941 müs­sen sich im besetz­ten Paris alle Juden und Jüdin­nen regis­trie­ren. Der jüdi­sche Juwe­lier Haff­mann schickt dar­auf­hin sei­ne Fami­lie in die von der Vichy-Regie­rung kon­trol­lier­te „freie“ Zone. Er selbst „ver­kauft“ sein Geschäft an sei­nen nicht-jüdi­schen Mit­ar­bei­ter Mer­cier mit der münd­li­chen Abma­chung, dass die­ser ihm nach dem Krieg das Geschäft wie­der über­gibt. Haff­manns eige­ne Flucht schei­tert jedoch. Er lebt jah­re­lang ver­steckt im Kel­ler und wird von Mer­cier gezwun­gen, Schmuck für die deut­schen Besat­zer her­zu­stel­len. Mer­ciers Ehe­frau ent­frem­det sich dabei zuneh­mend von ihrem Mann. Die bei­den fata­len Raz­zi­en gegen die Pari­ser Juden und Jüdin­nen im Mai 1941 und am ¹⁶⁄₁₇. Juli 1942 schwin­gen dabei im Hin­ter­grund mit. Dabei wur­den die­se zu Tau­sen­den von der fran­zö­si­schen Poli­zei fest­ge­nom­men und anschlie­ßend von den Deut­schen Beset­zern in die Ver­nich­tungs­la­ger in Ost­eu­ro­pa depor­tiert.
Im Kon­text des fran­zö­si­schen Kinos über die eige­nen Kol­la­bo­ra­teurinnen, die den Deut­schen bei der Ver­schlep­pung der fran­zö­si­schen Juden und Jüdin­nen bereit­wil­lig hal­fen, ist ADIEU MON­SIEUR HAFF­MANN ein hoch­in­ter­es­san­tes Werk. Action­spe­zia­list Fred Cavayé ver­filmt mit den fran­zö­si­schen Stars Dani­el Auteuil, Gil­les Lell­ou­che und Sara Girau­deau das gleich­na­mi­ge, sehr erfolg­rei­che Thea­ter­stück von Jean-Phil­lip­pe Daguer­re (gewann 2018 vier Moliè­res, natio­na­ler fran­zö­si­scher Thea­ter­preis) über drei Men­schen in einer zuge­spitz­ten Not­si­tua­ti­on im besetz­ten Paris ¹⁹⁴¹⁄₄₂. In Frank­reich wur­de der Film mit 500 000 Zuschau­erinnen ein Hit.

Text: Jörg Taszman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Phil­ip­pe Bel­lai­che, IL 2023, 89 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Ara­bisch, Hebrä­isch, Fran­zö­sisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Auf Spu­ren­su­che. Die marok­ka­ni­sche Stadt Mar­ra­kesch war jahr­zehn­te­lang das Zen­trum leben­di­ger sephar­di­scher Kul­tur. Was davon geblie­ben ist beleuch­tet die­ses Film­pro­jekt über jüdi­sches Leben einst und heu­te. Gemein­sam bege­ben sich israe­li­sche und marok­ka­ni­sche Stu­die­ren­de auf Spurensuche.

Im jüdi­schen Vier­tel von Mar­ra­kesch, der Mel­lah, besuch­ten die einst 35.000 Juden und Jüdin­nen 35 ver­schie­de­ne Syn­ago­gen. Die Stra­ßen des Quar­tiers wim­mel­ten von Leben und jüdi­scher Kul­tur – in Geschäf­ten, Hand­wer­ken und Häu­sern. Ein beson­ders präch­ti­ges Haus gehör­te der ein­fluss­rei­chen Fami­lie Cor­cos. Heu­te steht es leer und ver­fällt, trotz der Pfle­ge eines mus­li­mi­schen Haus­meis­ters, zuse­hends. Auch in eine ehe­mals jüdi­sche Schu­le Mar­ra­keschs gehen nun mus­li­mi­sche Kin­der, denen nicht viel ein­fällt, als man sie bit­tet, einen Juden zu malen. Nur noch betag­te mus­li­mi­sche Bewoh­nerinnen der Stadt erin­nern sich an ihre eins­ti­gen Nach­barinnen, denn sie wuch­sen gemein­sam mit ihnen auf oder lern­ten von ihnen Hand­wer­ke, vor allem die Metall-Orna­men­tik. Den Gläu­bi­gen der ein­zi­gen noch ope­rie­ren­den Syn­ago­ge fällt es an eini­gen Tagen schwer, den Min­jan, das Quo­rum von zehn Män­nern für einen voll­stän­di­gen jüdi­schen Got­tes­dienst, zusam­men zu bekom­men. Den gro­ßen jüdi­schen Fried­hof der Stadt besu­chen die letz­ten ver­blie­be­nen Juden und Jüdin­nen der Stadt sowie Nach­kom­men der sephar­di­schen Gemein­de Mar­ra­keschs, die nun im Aus­land leben. In fünf kur­zen Doku­men­tar­fil­men beleuch­tet die­ses Film­pro­jekt, wie die Stadt mit dem ent­stan­de­nen Vaku­um der eins­ti­gen jüdi­schen Bevöl­ke­rung umgeht. Gemein­sam bege­ben sich israe­li­sche und marok­ka­ni­sche Stu­die­ren­de mit unter­schied­li­chen Schwer­punk­ten auf Spu­ren­su­che nach der einst blü­hen­den jüdi­schen Kul­tur. Es ist eine Kul­tur, an die bald nur noch Orte und Arte­fak­te erin­nern wer­den, kei­ne Men­schen. Das Pro­jekt wur­de initi­iert von Taha Bal­af­rej (Con­nect Insti­tu­te, Moroc­co), Prof. Sami Shalom Che­trit (Sapir Col­le­ge, Isra­el) und Ziv Naveh (Ges­her Mul­ti­cul­tu­ral Film Fund, Israel).

Peop­le Asleep and the Water as Well
Regie: Rotem Elka­yam, Eli­ran Dam­ri, Mary­em Bouz­zit, Ghi­ta Sarhani

If Walls Could Speak
Regie: Ella Dagan, Kinar Dar, Ayoub El Mou­den, Riham Har­rag, Yas­ser Hafid

Guar­di­ans of Heri­ta­ge
Regie: Mos­he Micha­el, Zaka­ria Hab­bad, Iman Mas­kal, Mouad ait Lahcen

Draw Me a Jew
Regie: Amit Arell, Hen Hajaj, Rachi­da Iaich, Hind Chti­bia, Baya Bazaar

Bet­ween Sde­rot and Mar­ra­k­ech: A Tra­vel Dia­ry
Regie: Zohar Dadon

Min­yan
Regie: Shani Cohen, Shani Ber­adt, Yous­sef Atir, Yanis Ait Hebouch

Text: Kira Tazman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Mar­ga­ri­ta Lin­ton, Yaniv Lin­ton, IL 2022, 60 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Hebrä­isch, Rus­sisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

Wie lässt sich Abwe­sen­heit zei­gen – oder gar fil­men? Eine Toch­ter sucht den Kon­takt zu ihrem Vater, einem bekann­ten Maler. Doch der ver­trös­tet sie immer wie­der. Berüh­ren­der Film über eine ver­zwei­fel­te Suche nach Nähe und die Fra­ge nach fami­liä­rer Verantwortung.

Mar­ga­ri­ta Lin­ton ali­as Rita, ist eine Fil­me­ma­che­rin, deren Kind­heit und Jugend durch die Abwe­sen­heit ihres Vaters geprägt war. Der aus Riga stam­men­de Künst­ler emi­grier­te 1990 mit sei­ner Fami­lie nach Isra­el, ver­ließ sie aber bald dar­auf. Rita kennt ihren Vater kaum, will aber anläss­lich einer Aus­stel­lung sei­ner Selbst­por­träts wie­der Kon­takt zu ihm auf­neh­men. Doch am Tele­fon ver­trös­tet er sie stets und ver­setzt sie just an dem Tag, als sie sich end­lich tref­fen woll­ten. Rita filmt die tele­fo­ni­schen Kon­takt­auf­nah­me­ver­su­che und sucht in den Gemäl­den ihres Vaters nach Spu­ren von Gemein­sam­kei­ten, sein Des­in­ter­es­se an ihr kränkt sie. Also ersetzt sie ihren Erzeu­ger durch einen Schau­spie­ler und stellt ein Tref­fen nach. Die­se Vor­ge­hens­wei­se hat über­ra­schen­de Fol­gen für den Film als Gan­zes. Was ist hier wahr, was insze­niert? Der so cle­ve­re wie berüh­ren­de Film behan­delt auf ori­gi­nel­le Wei­se exis­ten­zi­el­le The­men – Bluts­ban­de, Zurück­wei­sung, hei­le und dys­funk­tio­na­le Fami­li­en… Außer­dem hin­ter­fragt er künst­le­ri­sches Schaf­fen: Soll­te man einem Men­schen alles ver­zei­hen, nur, weil er ein begna­de­ter Künst­ler ist? Oder steht der nicht auch in der Ver­ant­wor­tung gegen­über den rea­len exis­tie­ren­den Men­schen, die er in die Welt gesetzt hat?

Text: Kira Taszman

JFBB Sek­ti­on: WETT­BE­WERB DOKUMENTARFILM

Del­phi­ne Coulin, Muri­el Coulin, FR 2023, 75 min, Doku­men­tar­film
Sprach­fas­sung: Fran­zö­sisch
Unter­ti­tel: Eng­lisch und Deutsch

„Leben oder Thea­ter? Ein Sin­ge­spiel“ Mit­hil­fe des Bil­der­zy­klus‘ der jun­gen deutsch-jüdi­schen Male­rin Char­lot­te Salo­mon gelingt mit die­ser Bild­au­to­bio­gra­phie ein Ani­ma­ti­ons­film der beson­de­ren Art. Unter­halt­sa­me, anrüh­ren­de Hom­mage an eine bedeu­ten­de Künst­le­rin, die im Alter von nur 26 Jah­ren in Ausch­witz ermor­det wurde.

Wäh­rend ihres Exils in Süd­frank­reich zu Anfang der 1940^er Jah­re mal­te Char­lot­te Salo­mon in etwa 800 Blät­tern im For­mat von 32,5 cm x 25cm das, was man heu­te eine Gra­phic Novel nen­nen wür­de. Mit expres­si­ven Gou­ache-Bil­dern vol­ler Far­be und Bewe­gung sowie Tex­ten stell­te sie das Leben ihrer Ber­li­ner Fami­lie und ihr eige­nes nach. Sie nann­te die­sen Bil­der­zy­klus „Leben oder Thea­ter? Ein Sin­ge­spiel“. Das Werk ist, mal in humor­vol­lem, mal in nach­denk­li­chem Ton, ein per­sön­li­ches Epos, das die Künst­le­rin in Akten und Sze­nen unter­teil­te: das Ken­nen­ler­nen ihrer Eltern im Ers­ten Welt­krieg, die vie­len Sui­zi­de in ihrer Fami­lie müt­ter­li­cher­seits (dar­un­ter auch der ihrer Mut­ter selbst), ihre Geburt im Jahr 1917, ihre Lie­be zu ihrer Stief­mut­ter, zur Male­rei und Musik, die Macht­er­grei­fung der Natio­nal­so­zia­lis­ten, ihre Roman­ze mit dem Gesangs­päd­ago­gen Ama­de­us Daber­lohn und ihre Flucht an die Côte d’Azur. Renom­mier­te Schauspieler*innen wie Vicky Krieps, Mathieu Amal­ric oder Han­na Schy­gul­la spre­chen die Figu­ren in die­sem Ani­ma­ti­ons­film der beson­de­ren Art, der neben Char­lot­te Salo­mons Bil­dern auch Fotos der Fami­lie sowie Aus­schnit­te aus Wochen­schau­en und Stumm­fil­men ver­wen­det. Den Regis­seu­rin­nen Del­phi­ne & Muri­el Coulin gelingt eine unter­halt­sa­me und anrüh­ren­de Hom­mage an eine bedeu­ten­de Künst­le­rin, die im Alter von nur 26 Jah­ren in Ausch­witz ermor­det wurde.

Text: Kira Taszman

Deutsch­land 2022, 82 min, OmdU 

Mit der Kame­ra gegen die Hoff­nungs­lo­sig­keit: Die Doku­men­tar­fil­me­rin Lina Lužy­te folgt dem afgha­ni­schen Künst­ler Talibs­hah Hosi­ni, der mit Fami­lie im grie­chi­schen Lager Moria fest­steckt. Dort schreibt, pro­du­ziert und dreht er mit ande­ren Asyl­su­chen­den einen Spiel­film über eine geflüch­te­te Fami­lie. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager. Aber bei aller har­schen Kri­tik an der euro­päi­schen Asyl­po­li­tik ist dies auch eine Geschich­te über Tri­umph und Erlösung.

Talib Shah Hos­sai­ni, ein 37-jäh­ri­ger afgha­ni­scher Fil­me­ma­cher und Asyl­be­wer­ber, lebt in Moria auf der grie­chi­schen Insel Les­bos. Moria war das größ­te Flücht­lings­la­ger in Euro­pa bis es im Herbst 2020 bis auf die Grund­mau­ern nie­der­brann­te. Nach einem Jahr in die­sem Lager steht Talib Shah kurz davor, die Hoff­nung zu ver­lie­ren. Anstatt jedoch auf­zu­ge­ben, beschließt er, sein Lei­den in Kunst zu ver­wan­deln und dreht den Film PIC­NIC – ein Ein­blick in das Leben tau­sen­der Flücht­lin­ge, die in Moria fest­sit­zen, einem Ort, der häu­fig als huma­ni­tä­re Kata­stro­phe bezeich­net wird. Die Fil­me­ma­che­rin Lina Lužy­tė folgt dem täg­li­chen Leben von Talib Shah und zeigt ihn bei den Dreh­ar­bei­ten zu sei­nem Film. Mit­glie­der von Talib Shahs Fami­lie tre­ten neben ande­ren Ama­teur­schau­spie­lern in dem Film auf. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager.

„Die zuneh­men­de Anti-Migra­ti­ons-Stim­mung in Euro­pa hat dazu geführt, dass vie­le EU-Län­der ihre Gren­zen geschlos­sen haben, so dass Tau­sen­de von Geflüch­te­ten in Moria, dem größ­ten Lager auf der grie­chi­schen Insel Les­bos fest­sa­ßen. Im Früh­herbst 2020 brann­te das Lager nie­der. Die Asyl­su­chen­den hoff­ten, dies wür­de end­lich Frei­heit bedeu­ten, aber 72 Stun­den spä­ter wur­de ein neu­es Lager errich­tet, in das die Men­schen auf unbe­stimm­te Zeit gebracht wurden.

Die einen nen­nen es die poli­ti­sche Ohn­macht der EU, die ande­ren sagen, es sei eine Stra­te­gie der Zurück­wei­sung. Ich schlie­ße mich dem Phi­lo­so­phen Sla­voj Žižek an, der behaup­tet, dass weder Akzep­tanz noch Ableh­nung Lösun­gen sind. Ihm zufol­ge ist es statt­des­sen not­wen­dig, das Kon­zept von Euro­pa und Euro­pa selbst zu über­den­ken. Mit die­sen Gedan­ken im Hin­ter­kopf habe ich mit Talibs­hah Hosi­ni zusam­men­ge­ar­bei­tet, einem afgha­ni­schen Fil­me­ma­cher, der in Moria lebt. Er hat einen Film gedreht, der die täg­li­chen Kämp­fe der Asyl­su­chen­den und ihrer unge­wis­sen Zukunft zeigt, wäh­rend­des­sen film­te ich Talibs­hah in sei­nem täg­li­chen Leben sowie bei der Ent­ste­hung sei­nes Films.

Ich habe mich dafür ent­schie­den, den Meta-Film als Ver­grö­ße­rungs­glas / Lupe zu ver­wen­den, um den Blick zu erwei­tern und die Geflüch­te­ten nicht als Emp­fän­ger von Almo­sen dar­zu­stel­len, son­dern als Men­schen, die etwas zu sagen haben und fähig sind, dies zu tun.“ (Lina Lužy­te)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Deutsch­land 2022, 82 min, OmdU 

Mit der Kame­ra gegen die Hoff­nungs­lo­sig­keit: Die Doku­men­tar­fil­me­rin Lina Lužy­te folgt dem afgha­ni­schen Künst­ler Talibs­hah Hosi­ni, der mit Fami­lie im grie­chi­schen Lager Moria fest­steckt. Dort schreibt, pro­du­ziert und dreht er mit ande­ren Asyl­su­chen­den einen Spiel­film über eine geflüch­te­te Fami­lie. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager. Aber bei aller har­schen Kri­tik an der euro­päi­schen Asyl­po­li­tik ist dies auch eine Geschich­te über Tri­umph und Erlösung.

Talib Shah Hos­sai­ni, ein 37-jäh­ri­ger afgha­ni­scher Fil­me­ma­cher und Asyl­be­wer­ber, lebt in Moria auf der grie­chi­schen Insel Les­bos. Moria war das größ­te Flücht­lings­la­ger in Euro­pa bis es im Herbst 2020 bis auf die Grund­mau­ern nie­der­brann­te. Nach einem Jahr in die­sem Lager steht Talib Shah kurz davor, die Hoff­nung zu ver­lie­ren. Anstatt jedoch auf­zu­ge­ben, beschließt er, sein Lei­den in Kunst zu ver­wan­deln und dreht den Film PIC­NIC – ein Ein­blick in das Leben tau­sen­der Flücht­lin­ge, die in Moria fest­sit­zen, einem Ort, der häu­fig als huma­ni­tä­re Kata­stro­phe bezeich­net wird. Die Fil­me­ma­che­rin Lina Lužy­tė folgt dem täg­li­chen Leben von Talib Shah und zeigt ihn bei den Dreh­ar­bei­ten zu sei­nem Film. Mit­glie­der von Talib Shahs Fami­lie tre­ten neben ande­ren Ama­teur­schau­spie­lern in dem Film auf. Der Dreh ist erwar­tungs­ge­mäß tur­bu­lent, und von drau­ßen bedro­hen Brand­stif­ter das Lager.

„Die zuneh­men­de Anti-Migra­ti­ons-Stim­mung in Euro­pa hat dazu geführt, dass vie­le EU-Län­der ihre Gren­zen geschlos­sen haben, so dass Tau­sen­de von Geflüch­te­ten in Moria, dem größ­ten Lager auf der grie­chi­schen Insel Les­bos fest­sa­ßen. Im Früh­herbst 2020 brann­te das Lager nie­der. Die Asyl­su­chen­den hoff­ten, dies wür­de end­lich Frei­heit bedeu­ten, aber 72 Stun­den spä­ter wur­de ein neu­es Lager errich­tet, in das die Men­schen auf unbe­stimm­te Zeit gebracht wurden.

Die einen nen­nen es die poli­ti­sche Ohn­macht der EU, die ande­ren sagen, es sei eine Stra­te­gie der Zurück­wei­sung. Ich schlie­ße mich dem Phi­lo­so­phen Sla­voj Žižek an, der behaup­tet, dass weder Akzep­tanz noch Ableh­nung Lösun­gen sind. Ihm zufol­ge ist es statt­des­sen not­wen­dig, das Kon­zept von Euro­pa und Euro­pa selbst zu über­den­ken. Mit die­sen Gedan­ken im Hin­ter­kopf habe ich mit Talibs­hah Hosi­ni zusam­men­ge­ar­bei­tet, einem afgha­ni­schen Fil­me­ma­cher, der in Moria lebt. Er hat einen Film gedreht, der die täg­li­chen Kämp­fe der Asyl­su­chen­den und ihrer unge­wis­sen Zukunft zeigt, wäh­rend­des­sen film­te ich Talibs­hah in sei­nem täg­li­chen Leben sowie bei der Ent­ste­hung sei­nes Films.

Ich habe mich dafür ent­schie­den, den Meta-Film als Ver­grö­ße­rungs­glas / Lupe zu ver­wen­den, um den Blick zu erwei­tern und die Geflüch­te­ten nicht als Emp­fän­ger von Almo­sen dar­zu­stel­len, son­dern als Men­schen, die etwas zu sagen haben und fähig sind, dies zu tun.“ (Lina Lužy­te)

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Deutsch­land / Japan 2022, 97 min, Deutsch | Japa­nisch mit deut­schen UT

Regie: Rai­ner Komers

Das kar­ge und aut­ar­ke Leben in den japa­ni­schen Ber­gen, ein­ge­fan­gen zwi­schen Regen­zeit und ers­tem Schnee. Abge­le­gen und ruhig: ein Ort, den die Zeit ver­ges­sen hat – und doch, selbst hier, ein Gefühl der Unru­he … Die Welt ver­än­dert sich, und es gibt kein Ent­rin­nen, nur Anpassung.

Rai­ner Komers por­trai­tiert in sei­nem neu­en Film die Dorf­ge­mein­schaft von Miya­ma, einer Berg­re­gi­on nörd­lich von Kyo­to, und trifft dabei auf eine Welt, in der Tra­di­ti­on und Moder­ne, auf viel­fäl­ti­ge Wei­se ver­wo­ben, mit­ein­an­der exis­tie­ren. Jun­ge Fami­li­en, die ver­su­chen, sich eine eigen­stän­di­ge Exis­tenz auf­zu­bau­en, die Alten, die ein genüg­sa­mes Leben aus einer ande­ren Zeit zu füh­ren schei­nen, die immer gegen­wär­ti­ge Natur, der tra­di­tio­nel­le Reis­an­bau und der Kampf gegen die Maka­ken bil­den den Fluss der Erzählung.

Die­sem gesellt sich als Melo­die die Geschich­te von Uwe Wal­ter hin­zu, der aus dem Ruhr­ge­biet stammt und seit drei Jahr­zehn­ten mit sei­ner japa­ni­schen Frau in Miya­ma lebt. Für die Alt­ein­ge­ses­se­nen ist Uwe der Außen­sei­ter, aber zugleich auch ein Ken­ner des tra­di­tio­nel­len Nō-Thea­ters und ein Meis­ter der Shakuha­chi-Flö­te, einem prä­gen­den Instru­ment der klas­si­schen Musik Japans. Kaum vor­stell­bar, dass es einen wei­te­ren Deut­schen gibt, der so sehr die japa­ni­sche Kul­tur lebt und sich der dörf­li­chen Gemein­schaft ange­passt hat.

MIYA­MA, KYO­TO PRE­FEC­TU­RE erzählt vom Leben in die­ser Dorf­ge­mein­schaft, von der der Lei­ter des Doku­men­tar­film­fes­ti­vals Leip­zig, Chris­toph Ter­hech­te sagt: „Der eigent­li­che Gegen­stand die­ses Films ist nicht der graublond gelock­te Deut­sche, son­dern eben jene Gemein­schaft, die Rai­ner Komers in bit­ter­sü­ßer Viel­stim­mig­keit por­trä­tiert. Sie ent­steht im Spiel der Kin­der, in den Ver­rich­tun­gen der Erwach­se­nen und den Erzäh­lun­gen der Alten, in den som­mer­li­chen Wol­ken­brü­chen der Regen­zeit, im wei­ßen Mond über dem nächt­li­chen Dorf und in den blut­rot gefärb­ten Blät­tern im Herbst – ein herr­li­cher Film, der zeigt, wie anpas­sungs­fä­hig wir Men­schen sind.“

Deutsch­land 2023, 106 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Lew Hohmann 

Wen­zel, authen­ti­scher Poet und Voll­blut­mu­si­ker, gehört zu den wich­tigs­ten Lie­der­ma­chern im Osten. Zu sei­nem jähr­li­chen Fes­ti­val in Kamp am Peen­e­strom pil­gern Fans aus der gan­zen Repu­blik. Dem Fes­ti­val droht das Aus. Gemein­sam mit sei­nen Kam­per Freun­den ver­sucht Wen­zel es zu ret­ten. Zu DDR-Zei­ten Haupt­ak­teur des kri­ti­schen Lie­der­thea­ters Karls Enkel, narrt er spä­ter mit Stef­fen Men­sching im Clowns-Duo MEH&WEH die Funk­tio­nä­re. Ihre DaDa­eR-Pro­gram­me wer­den Kult. Wen­zel ist gera­de­zu manisch pro­duk­tiv, aber die Coro­na-Pan­de­mie bremst ihn schmerz­haft aus. Inzwi­schen hat Wen­zel über 50 CD’s pro­du­ziert. U.a. auch mit Arlo und Nora Guthrie, Kin­der von Folk-Legen­de Woo­dy Guthrie, mit denen er in Nash­ville auftritt.

Lew Hoh­manns Film lebt von den offe­nen Gesprä­chen mit Wen­zel vor dem Hin­ter­grund sei­ner beweg­ten Bio­gra­fie und von der Magie sei­ner Kon­zer­te. Lie­der voll zärt­li­cher Poe­sie, ande­re atta­ckie­ren mit bei­ßen­dem Spott die neue Bun­des­re­pu­blik. Mit­rei­ßen­de Rhyth­men, umwer­fend Humor und Iro­nie in sei­nen Mode­ra­tio­nen. Das schät­zen auch sei­ne Freund:innen Ant­je Voll­mer, Kon­stan­tin Wecker, Andre­as Dre­sen und Chris­toph Hein. Die Fans fin­den sich in sei­nen Tex­ten wie­der, die sie bei Kon­zer­ten mit­sin­gen. Er ist der Pro­vo­ka­teur und Bar­de geblie­ben, den man kennt.

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land / Japan 2022, 97 min, Deutsch | Japa­nisch mit deut­schen UT

Regie: Rai­ner Komers

Das kar­ge und aut­ar­ke Leben in den japa­ni­schen Ber­gen, ein­ge­fan­gen zwi­schen Regen­zeit und ers­tem Schnee. Abge­le­gen und ruhig: ein Ort, den die Zeit ver­ges­sen hat – und doch, selbst hier, ein Gefühl der Unru­he … Die Welt ver­än­dert sich, und es gibt kein Ent­rin­nen, nur Anpassung.

Rai­ner Komers por­trai­tiert in sei­nem neu­en Film die Dorf­ge­mein­schaft von Miya­ma, einer Berg­re­gi­on nörd­lich von Kyo­to, und trifft dabei auf eine Welt, in der Tra­di­ti­on und Moder­ne, auf viel­fäl­ti­ge Wei­se ver­wo­ben, mit­ein­an­der exis­tie­ren. Jun­ge Fami­li­en, die ver­su­chen, sich eine eigen­stän­di­ge Exis­tenz auf­zu­bau­en, die Alten, die ein genüg­sa­mes Leben aus einer ande­ren Zeit zu füh­ren schei­nen, die immer gegen­wär­ti­ge Natur, der tra­di­tio­nel­le Reis­an­bau und der Kampf gegen die Maka­ken bil­den den Fluss der Erzählung.

Die­sem gesellt sich als Melo­die die Geschich­te von Uwe Wal­ter hin­zu, der aus dem Ruhr­ge­biet stammt und seit drei Jahr­zehn­ten mit sei­ner japa­ni­schen Frau in Miya­ma lebt. Für die Alt­ein­ge­ses­se­nen ist Uwe der Außen­sei­ter, aber zugleich auch ein Ken­ner des tra­di­tio­nel­len Nō-Thea­ters und ein Meis­ter der Shakuha­chi-Flö­te, einem prä­gen­den Instru­ment der klas­si­schen Musik Japans. Kaum vor­stell­bar, dass es einen wei­te­ren Deut­schen gibt, der so sehr die japa­ni­sche Kul­tur lebt und sich der dörf­li­chen Gemein­schaft ange­passt hat.

MIYA­MA, KYO­TO PRE­FEC­TU­RE erzählt vom Leben in die­ser Dorf­ge­mein­schaft, von der der Lei­ter des Doku­men­tar­film­fes­ti­vals Leip­zig, Chris­toph Ter­hech­te sagt: „Der eigent­li­che Gegen­stand die­ses Films ist nicht der graublond gelock­te Deut­sche, son­dern eben jene Gemein­schaft, die Rai­ner Komers in bit­ter­sü­ßer Viel­stim­mig­keit por­trä­tiert. Sie ent­steht im Spiel der Kin­der, in den Ver­rich­tun­gen der Erwach­se­nen und den Erzäh­lun­gen der Alten, in den som­mer­li­chen Wol­ken­brü­chen der Regen­zeit, im wei­ßen Mond über dem nächt­li­chen Dorf und in den blut­rot gefärb­ten Blät­tern im Herbst – ein herr­li­cher Film, der zeigt, wie anpas­sungs­fä­hig wir Men­schen sind.“

Deutsch­land 2023, 106 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Lew Hohmann 

Wen­zel, authen­ti­scher Poet und Voll­blut­mu­si­ker, gehört zu den wich­tigs­ten Lie­der­ma­chern im Osten. Zu sei­nem jähr­li­chen Fes­ti­val in Kamp am Peen­e­strom pil­gern Fans aus der gan­zen Repu­blik. Dem Fes­ti­val droht das Aus. Gemein­sam mit sei­nen Kam­per Freun­den ver­sucht Wen­zel es zu ret­ten. Zu DDR-Zei­ten Haupt­ak­teur des kri­ti­schen Lie­der­thea­ters Karls Enkel, narrt er spä­ter mit Stef­fen Men­sching im Clowns-Duo MEH&WEH die Funk­tio­nä­re. Ihre DaDa­eR-Pro­gram­me wer­den Kult. Wen­zel ist gera­de­zu manisch pro­duk­tiv, aber die Coro­na-Pan­de­mie bremst ihn schmerz­haft aus. Inzwi­schen hat Wen­zel über 50 CD’s pro­du­ziert. U.a. auch mit Arlo und Nora Guthrie, Kin­der von Folk-Legen­de Woo­dy Guthrie, mit denen er in Nash­ville auftritt.

Lew Hoh­manns Film lebt von den offe­nen Gesprä­chen mit Wen­zel vor dem Hin­ter­grund sei­ner beweg­ten Bio­gra­fie und von der Magie sei­ner Kon­zer­te. Lie­der voll zärt­li­cher Poe­sie, ande­re atta­ckie­ren mit bei­ßen­dem Spott die neue Bun­des­re­pu­blik. Mit­rei­ßen­de Rhyth­men, umwer­fend Humor und Iro­nie in sei­nen Mode­ra­tio­nen. Das schät­zen auch sei­ne Freund:innen Ant­je Voll­mer, Kon­stan­tin Wecker, Andre­as Dre­sen und Chris­toph Hein. Die Fans fin­den sich in sei­nen Tex­ten wie­der, die sie bei Kon­zer­ten mit­sin­gen. Er ist der Pro­vo­ka­teur und Bar­de geblie­ben, den man kennt.

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land / Japan 2022, 97 min, Deutsch | Japa­nisch mit deut­schen UT

Regie: Rai­ner Komers

Das kar­ge und aut­ar­ke Leben in den japa­ni­schen Ber­gen, ein­ge­fan­gen zwi­schen Regen­zeit und ers­tem Schnee. Abge­le­gen und ruhig: ein Ort, den die Zeit ver­ges­sen hat – und doch, selbst hier, ein Gefühl der Unru­he … Die Welt ver­än­dert sich, und es gibt kein Ent­rin­nen, nur Anpassung.

Rai­ner Komers por­trai­tiert in sei­nem neu­en Film die Dorf­ge­mein­schaft von Miya­ma, einer Berg­re­gi­on nörd­lich von Kyo­to, und trifft dabei auf eine Welt, in der Tra­di­ti­on und Moder­ne, auf viel­fäl­ti­ge Wei­se ver­wo­ben, mit­ein­an­der exis­tie­ren. Jun­ge Fami­li­en, die ver­su­chen, sich eine eigen­stän­di­ge Exis­tenz auf­zu­bau­en, die Alten, die ein genüg­sa­mes Leben aus einer ande­ren Zeit zu füh­ren schei­nen, die immer gegen­wär­ti­ge Natur, der tra­di­tio­nel­le Reis­an­bau und der Kampf gegen die Maka­ken bil­den den Fluss der Erzählung.

Die­sem gesellt sich als Melo­die die Geschich­te von Uwe Wal­ter hin­zu, der aus dem Ruhr­ge­biet stammt und seit drei Jahr­zehn­ten mit sei­ner japa­ni­schen Frau in Miya­ma lebt. Für die Alt­ein­ge­ses­se­nen ist Uwe der Außen­sei­ter, aber zugleich auch ein Ken­ner des tra­di­tio­nel­len Nō-Thea­ters und ein Meis­ter der Shakuha­chi-Flö­te, einem prä­gen­den Instru­ment der klas­si­schen Musik Japans. Kaum vor­stell­bar, dass es einen wei­te­ren Deut­schen gibt, der so sehr die japa­ni­sche Kul­tur lebt und sich der dörf­li­chen Gemein­schaft ange­passt hat.

MIYA­MA, KYO­TO PRE­FEC­TU­RE erzählt vom Leben in die­ser Dorf­ge­mein­schaft, von der der Lei­ter des Doku­men­tar­film­fes­ti­vals Leip­zig, Chris­toph Ter­hech­te sagt: „Der eigent­li­che Gegen­stand die­ses Films ist nicht der graublond gelock­te Deut­sche, son­dern eben jene Gemein­schaft, die Rai­ner Komers in bit­ter­sü­ßer Viel­stim­mig­keit por­trä­tiert. Sie ent­steht im Spiel der Kin­der, in den Ver­rich­tun­gen der Erwach­se­nen und den Erzäh­lun­gen der Alten, in den som­mer­li­chen Wol­ken­brü­chen der Regen­zeit, im wei­ßen Mond über dem nächt­li­chen Dorf und in den blut­rot gefärb­ten Blät­tern im Herbst – ein herr­li­cher Film, der zeigt, wie anpas­sungs­fä­hig wir Men­schen sind.“

Deutsch­land 2023, 106 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Lew Hohmann 

Wen­zel, authen­ti­scher Poet und Voll­blut­mu­si­ker, gehört zu den wich­tigs­ten Lie­der­ma­chern im Osten. Zu sei­nem jähr­li­chen Fes­ti­val in Kamp am Peen­e­strom pil­gern Fans aus der gan­zen Repu­blik. Dem Fes­ti­val droht das Aus. Gemein­sam mit sei­nen Kam­per Freun­den ver­sucht Wen­zel es zu ret­ten. Zu DDR-Zei­ten Haupt­ak­teur des kri­ti­schen Lie­der­thea­ters Karls Enkel, narrt er spä­ter mit Stef­fen Men­sching im Clowns-Duo MEH&WEH die Funk­tio­nä­re. Ihre DaDa­eR-Pro­gram­me wer­den Kult. Wen­zel ist gera­de­zu manisch pro­duk­tiv, aber die Coro­na-Pan­de­mie bremst ihn schmerz­haft aus. Inzwi­schen hat Wen­zel über 50 CD’s pro­du­ziert. U.a. auch mit Arlo und Nora Guthrie, Kin­der von Folk-Legen­de Woo­dy Guthrie, mit denen er in Nash­ville auftritt.

Lew Hoh­manns Film lebt von den offe­nen Gesprä­chen mit Wen­zel vor dem Hin­ter­grund sei­ner beweg­ten Bio­gra­fie und von der Magie sei­ner Kon­zer­te. Lie­der voll zärt­li­cher Poe­sie, ande­re atta­ckie­ren mit bei­ßen­dem Spott die neue Bun­des­re­pu­blik. Mit­rei­ßen­de Rhyth­men, umwer­fend Humor und Iro­nie in sei­nen Mode­ra­tio­nen. Das schät­zen auch sei­ne Freund:innen Ant­je Voll­mer, Kon­stan­tin Wecker, Andre­as Dre­sen und Chris­toph Hein. Die Fans fin­den sich in sei­nen Tex­ten wie­der, die sie bei Kon­zer­ten mit­sin­gen. Er ist der Pro­vo­ka­teur und Bar­de geblie­ben, den man kennt.

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2022, 91 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Astrid Menzel

„Küm­mer‘ dich um Oma, wenn ich nicht mehr da bin“, sagt der Groß­va­ter zu sei­ner 30-jäh­ri­gen Enke­lin Astrid. Da ist der Groß­va­ter bereits immer häu­fi­ger im Kran­ken­haus. Ers­te Erin­ne­rungs­lü­cken machen sich bei Oma Car­men bemerk­bar. Als der Opa ver­stirbt, kommt Car­men in ein Senio­ren­heim. Ihre Demen­z­er­kran­kung ver­schlech­tert sich zuse­hends. Sie fühlt sich, trotz Besu­chen, von der Fami­lie im Stich gelas­sen. Astrid wird klar, dass sie ihr Ver­spre­chen an den Opa nicht erfüllt hat. Sie beschließt ihre 86-jäh­ri­ge Groß­mutter mit auf eine zwei­wö­chi­ge Kanu­tour zu neh­men, zurück zum Steg, wo das Boot vor vie­len Jah­ren getauft wur­de. Eine Rei­se­rou­te wird aus­ge­tüf­telt, Equip­ment besorgt. Erfüllt von Nost­al­gie und Trotz, soll die­se gemein­sa­me Rei­se Klar­heit brin­gen, ob und wie sie in Zukunft für ihre Oma sor­gen könnte.

Und so begibt sich Astrid gemein­sam mit ihrem jün­ge­ren Bru­der Hend­ric und Oma Car­men auf eine Kanu­tour von Bre­men bis Kiel. Vol­ler Ver­trau­en steigt die 86-jäh­ri­ge täg­lich zu ihren Enkeln ins Kanu. Es wackelt und glu­ckert, die Son­ne scheint. Die unge­wis­se Zukunft rückt in wei­te Fer­ne. Alles scheint gut. Doch es ist nicht leicht Car­mens gewohn­ten Tages­rhyth­mus auf der Rei­se bei­zu­be­hal­ten. Die täg­li­chen Orts­wech­sel set­zen ihr zu. Trotz gedul­di­ger Wie­der­ho­lun­gen kann sie sich nichts Neu­es mehr mer­ken. Wäh­rend die Groß­mutter die Gesell­schaft ihrer Enkel auf dem Was­ser genießt, wer­den die Näch­te für alle drei immer belas­ten­der. Die Situa­ti­on spitzt sich zu, bis Car­men eines Nachts beschließt, zu Fuß nach Hau­se zu gehen.

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Deutsch­land 2023, 106 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Lew Hohmann 

Wen­zel, authen­ti­scher Poet und Voll­blut­mu­si­ker, gehört zu den wich­tigs­ten Lie­der­ma­chern im Osten. Zu sei­nem jähr­li­chen Fes­ti­val in Kamp am Peen­e­strom pil­gern Fans aus der gan­zen Repu­blik. Dem Fes­ti­val droht das Aus. Gemein­sam mit sei­nen Kam­per Freun­den ver­sucht Wen­zel es zu ret­ten. Zu DDR-Zei­ten Haupt­ak­teur des kri­ti­schen Lie­der­thea­ters Karls Enkel, narrt er spä­ter mit Stef­fen Men­sching im Clowns-Duo MEH&WEH die Funk­tio­nä­re. Ihre DaDa­eR-Pro­gram­me wer­den Kult. Wen­zel ist gera­de­zu manisch pro­duk­tiv, aber die Coro­na-Pan­de­mie bremst ihn schmerz­haft aus. Inzwi­schen hat Wen­zel über 50 CD’s pro­du­ziert. U.a. auch mit Arlo und Nora Guthrie, Kin­der von Folk-Legen­de Woo­dy Guthrie, mit denen er in Nash­ville auftritt.

Lew Hoh­manns Film lebt von den offe­nen Gesprä­chen mit Wen­zel vor dem Hin­ter­grund sei­ner beweg­ten Bio­gra­fie und von der Magie sei­ner Kon­zer­te. Lie­der voll zärt­li­cher Poe­sie, ande­re atta­ckie­ren mit bei­ßen­dem Spott die neue Bun­des­re­pu­blik. Mit­rei­ßen­de Rhyth­men, umwer­fend Humor und Iro­nie in sei­nen Mode­ra­tio­nen. Das schät­zen auch sei­ne Freund:innen Ant­je Voll­mer, Kon­stan­tin Wecker, Andre­as Dre­sen und Chris­toph Hein. Die Fans fin­den sich in sei­nen Tex­ten wie­der, die sie bei Kon­zer­ten mit­sin­gen. Er ist der Pro­vo­ka­teur und Bar­de geblie­ben, den man kennt.

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Geor­gi­en, Deutsch­land, Spa­ni­en 2022, 47 min, OmeU

Regie: Tek­la Aslanishvili

in Koope­ra­ti­on mit der Medio­thek des Ost­eu­ro­pa-Insti­tuts der Frei­en Uni­ver­si­tät Berlin 

Die expe­ri­men­tel­le doku­men­ta­ri­sche Arbeit A STA­TE IN A STA­TE (Geor­gi­scher Ori­gi­nal­ti­tel: „Sachelm­ci­po Sachelm­ci­po­shi“) unter­sucht die fra­gi­le Infra­struk­tur der süd­kau­ka­si­schen Eisen­bahn, die die post­so­wje­ti­schen Repu­bli­ken zwi­schen dem Schwar­zen und dem Kas­pi­schen Meer mit­ein­an­der ver­bin­det. Der Film, der die­ses Jahr u.a. auf der Trans­me­dia­le in Ber­lin gezeigt wur­de, zeich­net die Eisen­bahn als tech­ni­sche Mate­ria­li­sie­rung der brü­chi­gen poli­ti­schen Gren­zen, die nach dem Zusam­men­bruch der Sowjet­uni­on wie­der in den Vor­der­grund tre­ten. Mit einem schar­fen Blick auf die Geschich­te und auf die Gegen­wart des Eisen­bahn­net­zes im Süd­kau­ka­sus, zeigt die Fil­me­ma­che­rin ein Bild eines Sys­tems, das nicht nur als Ort des Pro­tests, der oft poli­ti­schen Inter­es­sen zuwi­der­läuft, son­dern auch als Ort, an dem trans­na­tio­na­le Ver­bin­dun­gen und ein auf Soli­da­ri­tät basie­ren­des infra­struk­tu­rel­les Bewusst­sein entstehen.

Im Anschluss an die Film­vor­füh­rung fin­det ein Film­ge­spräch und eine Dis­kus­si­on mit der Fil­me­ma­che­rin statt. Mode­riert wird das Gespräch von der Stu­die­ren­den­grup­pe (Robert Somo­gyi, Pau­la Böhm, Dany­il Poto­pai­ev) des Semi­nars „Doku­men­ta­ris­mus im Film“, das im SoSe 2023 an der FU von Iri­ne Ber­id­ze ange­bo­ten wird. Das Gespräch fin­det in eng­li­scher Spra­che statt.

Polen 2022, 96 min, Pol­nisch | Eng­lisch mit deut­schen UT

Regie: Anna Kazejak

Auf der däni­schen Insel Born­holm ver­brin­gen zwei Fami­li­en gemein­sam ihren tra­di­tio­nel­len Kurz­ur­laub. An bes­ter Strand­la­ge wer­den die Cam­per abge­stellt und ein Zelt für die drei Jungs auf­ge­schla­gen – so weit, so gut. Doch ein Zwi­schen­fall mit den Kin­dern bringt die Idyl­le aus dem Gleich­ge­wicht: Was als unaus­ge­reif­ter Zwist beginnt, ent­wi­ckelt sich all­mäh­lich zum hand­fes­ten Streit. Schon bald wer­den Tücken der Kin­der­er­zie­hung, Mid­life-Kri­sen und Ehe­pro­ble­me scho­nungs­los offen­ge­legt – und die ursprüng­lich erhol­sa­men Feri­en ver­wan­deln sich in ein läu­tern­des Fegefeuer.

„Was immer man über den Urlaub sagen kann, an Born­holm hat es nicht gele­gen.“ (film​fo​rum​.de)

„Von der Inhalts­an­ga­be her ist der Bezie­hungs- und Freund­schafts-Crash zwi­schen allen Betei­lig­ten eine veri­ta­ble Tra­gö­die. Aber auf der for­ma­len Ebe­ne schlägt Regis­seu­rin Anna Kaze­jak ganz ande­re Töne an. Die Vival­di-ähn­li­che Musik von Jer­zy Rogie­wicz lässt die Vögel zwit­schern, die sanft beweg­te Kame­ra von Jakub Sto­le­cki fei­ert das früh­som­mer­lich flir­ren­de Licht. Auf der visu­el­len und akus­ti­schen Ebe­ne geht es nicht nur dar­um, dass das Tra­gi­sche immer zugleich auch komisch ist. Son­dern vor allem dar­um, dass die Fil­me­ma­che­rin und ihr Ko-Dreh­buch­au­tor Filip Kas­pe­r­as­zek ihren Cha­rak­te­ren einen Lern­pro­zess zutrau­en. Sie geben die Aus­ein­an­der­set­zung um ein gleich­be­rech­tig­tes Mit­ein­an­der der Geschlech­ter nicht ver­lo­ren, allen Kom­mu­ni­ka­ti­ons­pro­ble­men und über­leb­ten Rol­len­bil­dern zum Trotz.

‘Eine Frau ist kein Auto‘, sagt Dawid ein­mal zu Hubert, als der im Suff über eine ver­meint­li­che Par­al­le­le zwi­schen dem Wert­ver­lust des Kauf­ob­jek­tes und dem Span­nungs­ver­lust in einer Bezie­hung lamen­tiert. Tref­fen­der könn­te man Huberts ver­al­te­tes, auf Ver­drän­gung, Prag­ma­tis­mus und ‘Boys Talk‘ set­zen­des Män­ner­bild kaum beschrei­ben, das sich von den Ansprü­chen einer neu­en, auf Gleich­be­rech­ti­gung drän­gen­den Frau­en­gene­ra­ti­on bedroht sieht. Trotz­dem besteht der tra­gi­ko­mi­sche Charme von FUCK­ING BORN­HOLM nicht in einer Haudrauf-Schuld­zu­wei­sung, son­dern in der fein aus­ge­tüf­tel­ten Balan­ce zwi­schen den vier Erwach­se­nen­rol­len, von denen kei­ne von vor­he­r­ein ver­ur­teilt wird. Eher gleicht der fil­mi­sche Ansatz einer Ver­suchs­an­ord­nung zwi­schen zwei Paa­ren, aus deren leicht distan­zier­ter Betrach­tung sich der Humor speist. Dabei wird man einer Frau auf dem Regie­stuhl aller­dings kaum ver­übeln wol­len, dass sie sich gegen Ende auf Majas Sei­te stellt, die als Ers­te einen Aus­weg aus der Sack­gas­se ihrer Ehe fin­det.” (Peter Gut­ting, kino​-zeit​.de)

„Spar­sam setzt Kaze­jak Dia­lo­ge ein, lässt die Gesich­ter, ins­be­son­de­re das der her­aus­ra­gen­den Gro­chow­s­ka spre­chen, mit orches­tra­len Strei­chern die Dra­ma­tik anschwel­len, kon­tras­tiert die zuneh­men­de Anspan­nung mit der in sanf­tes Licht getauch­ten Land­schaft Born­holms. Es ist ein expli­zit weib­li­cher Blick auf die zuneh­men­de Unbe­hol­fen­heit der Män­ner und auf emo­tio­na­le Ver­let­zun­gen in Bezie­hun­gen, nicht aggres­siv, son­dern melan­cho­lisch, manch­mal wit­zig und am Ende trau­rig-tri­um­phal.“ (sze​ne​-ham​burg​.com)

Deutsch­land 2023, 106 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Lew Hohmann 

Wen­zel, authen­ti­scher Poet und Voll­blut­mu­si­ker, gehört zu den wich­tigs­ten Lie­der­ma­chern im Osten. Zu sei­nem jähr­li­chen Fes­ti­val in Kamp am Peen­e­strom pil­gern Fans aus der gan­zen Repu­blik. Dem Fes­ti­val droht das Aus. Gemein­sam mit sei­nen Kam­per Freun­den ver­sucht Wen­zel es zu ret­ten. Zu DDR-Zei­ten Haupt­ak­teur des kri­ti­schen Lie­der­thea­ters Karls Enkel, narrt er spä­ter mit Stef­fen Men­sching im Clowns-Duo MEH&WEH die Funk­tio­nä­re. Ihre DaDa­eR-Pro­gram­me wer­den Kult. Wen­zel ist gera­de­zu manisch pro­duk­tiv, aber die Coro­na-Pan­de­mie bremst ihn schmerz­haft aus. Inzwi­schen hat Wen­zel über 50 CD’s pro­du­ziert. U.a. auch mit Arlo und Nora Guthrie, Kin­der von Folk-Legen­de Woo­dy Guthrie, mit denen er in Nash­ville auftritt.

Lew Hoh­manns Film lebt von den offe­nen Gesprä­chen mit Wen­zel vor dem Hin­ter­grund sei­ner beweg­ten Bio­gra­fie und von der Magie sei­ner Kon­zer­te. Lie­der voll zärt­li­cher Poe­sie, ande­re atta­ckie­ren mit bei­ßen­dem Spott die neue Bun­des­re­pu­blik. Mit­rei­ßen­de Rhyth­men, umwer­fend Humor und Iro­nie in sei­nen Mode­ra­tio­nen. Das schät­zen auch sei­ne Freund:innen Ant­je Voll­mer, Kon­stan­tin Wecker, Andre­as Dre­sen und Chris­toph Hein. Die Fans fin­den sich in sei­nen Tex­ten wie­der, die sie bei Kon­zer­ten mit­sin­gen. Er ist der Pro­vo­ka­teur und Bar­de geblie­ben, den man kennt.

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Deutsch­land 2023, 106 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Lew Hohmann 

Wen­zel, authen­ti­scher Poet und Voll­blut­mu­si­ker, gehört zu den wich­tigs­ten Lie­der­ma­chern im Osten. Zu sei­nem jähr­li­chen Fes­ti­val in Kamp am Peen­e­strom pil­gern Fans aus der gan­zen Repu­blik. Dem Fes­ti­val droht das Aus. Gemein­sam mit sei­nen Kam­per Freun­den ver­sucht Wen­zel es zu ret­ten. Zu DDR-Zei­ten Haupt­ak­teur des kri­ti­schen Lie­der­thea­ters Karls Enkel, narrt er spä­ter mit Stef­fen Men­sching im Clowns-Duo MEH&WEH die Funk­tio­nä­re. Ihre DaDa­eR-Pro­gram­me wer­den Kult. Wen­zel ist gera­de­zu manisch pro­duk­tiv, aber die Coro­na-Pan­de­mie bremst ihn schmerz­haft aus. Inzwi­schen hat Wen­zel über 50 CD’s pro­du­ziert. U.a. auch mit Arlo und Nora Guthrie, Kin­der von Folk-Legen­de Woo­dy Guthrie, mit denen er in Nash­ville auftritt.

Lew Hoh­manns Film lebt von den offe­nen Gesprä­chen mit Wen­zel vor dem Hin­ter­grund sei­ner beweg­ten Bio­gra­fie und von der Magie sei­ner Kon­zer­te. Lie­der voll zärt­li­cher Poe­sie, ande­re atta­ckie­ren mit bei­ßen­dem Spott die neue Bun­des­re­pu­blik. Mit­rei­ßen­de Rhyth­men, umwer­fend Humor und Iro­nie in sei­nen Mode­ra­tio­nen. Das schät­zen auch sei­ne Freund:innen Ant­je Voll­mer, Kon­stan­tin Wecker, Andre­as Dre­sen und Chris­toph Hein. Die Fans fin­den sich in sei­nen Tex­ten wie­der, die sie bei Kon­zer­ten mit­sin­gen. Er ist der Pro­vo­ka­teur und Bar­de geblie­ben, den man kennt.

Öster­reich / Deutsch­land / Frank­reich 2022, 99 min, Deutsch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Ulrich Seidl 

Vor Jah­ren hat es den Mitt­vier­zi­ger Ewald nach Rumä­ni­en ver­schla­gen. Jetzt wagt er einen Neu­an­fang. Er ver­lässt sei­ne Freun­din und zieht in die ver­arm­te, länd­li­che Ein­öde, wo er mit Jun­gen aus der Umge­bung ein ver­fal­le­nes Schul­ge­bäu­de zu einer Fes­tung aus­baut. Die Kin­der ent­de­cken dort eine Unbe­schwert­heit, die sie so nicht kann­ten, doch der Arg­wohn der Dorf­be­woh­ner lässt nicht lan­ge auf sich war­ten. Und Ewald muss sich einer lan­ge ver­dräng­ten Wahr­heit stel­len. SPAR­TA von Ulrich Seidl erzählt von der Unent­rinn­bar­keit der eige­nen Ver­gan­gen­heit und von dem Schmerz, sich selbst zu finden.

„Am Anfang steht eines die­ser typi­schen Ulrich-Seidl-Tableaus. Es ist das­sel­be, mit denen der öster­rei­chi­sche Regis­seur auch RIMI­NI begin­nen ließ, das kurz vor­her erschie­ne­ne Bru­der­stück zu SPAR­TA: Eine Grup­pe von Rentner:innen sitzt neben­ein­an­der auf­ge­reiht im Auf­ent­halts­raum eines Senio­ren­heims und into­niert das Fass­nachts­lied ‚So ein Tag, so wun­der­schön wie heu­te‘. Die Stim­men sin­gen schlep­pend, schwach und zitt­rig durch­ein­an­der, nur wenig ist schön an die­sem Tag und in die­sem Leben, das stellt Seidl gleich zu Anfang unmiss­ver­ständ­lich klar – so weit, so bekannt. (…)

Nun also RIMI­NI und SPAR­TA, zwei Fil­me, die eigent­lich einer wer­den soll­ten, die immer noch Spu­ren von­ein­an­der ent­hal­ten, nun aber getrennt von­ein­an­der ver­öf­fent­licht wer­den. Im Fokus ste­hen zwei Brü­der. Bei­de zieht es – in einer Art Flucht­re­flex vor dem Bekann­ten, der Ver­gan­gen­heit und sich selbst – ins Aus­land, den einen nach Rimi­ni, den ande­ren ins dörf­li­che Rumä­ni­en. Nach­dem RIMI­NI, der Micha­el Tho­mas als abge­half­ter­ten Schla­ger­sän­ger Richie Bra­vo durch eine trüb­graue Urlaubs­höl­le voll begra­be­ner Träu­me beglei­te­te, von vie­len Rezipient:innen nicht ganz zu Recht als busi­ness as usu­al bei­sei­te­ge­legt wur­de, hat SPAR­TA nun für die ers­te rich­ti­ge Seidl-Kon­tro­ver­se gesorgt. Die­se dreht sich erst­mals nicht um das Sicht­ba­re, son­dern um das Dahin­ter­lie­gen­de, genau­er: die Produktionsbedingungen. (…)

Was macht man mit einem Film, der von einer Dis­kus­si­on um Aus­beu­tung und Kin­des­wohl­ge­fähr­dung über­schat­tet wird? Nun: ihn sich im Zwei­fel erst ein­mal anschau­en. Denn zur Ambi­gui­tät des Sach­ver­halts gehört auch, dass die Vor­wür­fe mit SPAR­TA einen Film tref­fen, auf den vie­le der wie­der­keh­ren­den ästhe­ti­schen und per­spek­ti­vi­schen Kri­tik­punk­te nicht so leicht anzu­wen­den sind. Schon in der Kame­ra­füh­rung offen­bart sich eine Ver­än­de­rung: Die Zahl der künst­lich sym­me­tri­sier­ten, bewe­gungs­lo­sen Tota­len und Halb­to­ta­len ist deut­lich ver­rin­gert, an ihre Stel­le rückt wie schon bei RIMI­NI eine erstaun­lich agi­le Hand­ka­me­ra. Seidl zwingt die Figu­ren nicht mehr in die von ihm gewähl­ten Bild­aus­schnit­te, son­dern folgt ihnen nach und lässt sie auf die­se Wei­se das Blick­feld bestimmen. (…)

Zurück zum ein­gangs erwähn­ten Senio­ren­heim: Hier vege­tiert – offen­sicht­lich kurz vor sei­nem Tod – der Vater von Ewald und Richie vor sich hin, irrt ver­lo­ren durch die Gän­ge und wird inmit­ten des demen­ten Siech­tums blitz­licht­ar­tig von Erin­ne­rungs­fet­zen heim­ge­sucht, die ihn zurück in die Behüt­etheit sei­ner Kind­heit tra­gen oder Nazi­lie­der sin­gen las­sen. Die Wur­zeln des indi­vi­du­el­len Leids lie­gen nicht zuletzt in über Genera­tio­nen wei­ter­ge­reich­ten Trau­ma­ta. Das Ver­gan­ge­ne lässt uns selbst dann nicht ruhen, wenn die Gegen­wart schon vor unse­ren Augen ver­schwimmt. Die­ser klam­mer­ar­ti­ge Über­bau fin­det sich mit teils iden­ti­schen Sze­nen sowohl in RIMI­NI als auch SPAR­TA wie­der, und viel­leicht wäre er im Kon­text des Gesamt­wer­kes bes­ser auf­ge­gan­gen. Gleich­zei­tig pro­fi­tiert SPAR­TA von sei­ner Kon­zen­triert­heit. Wie der Regis­seur in RIMI­NI eine fra­gi­le Vater-Toch­ter-Annä­he­rung dazu nutzt, von der Tris­tesse und dem Tran­szen­denz­po­ten­zi­al von Schla­gern zu erzäh­len, hät­te sich schwer­lich mit dem unbe­haue­nen Qua­si-Neo­rea­lis­mus von SPAR­TA ver­tra­gen. Am Ende steht Ulrich Seidls streit­bars­ter Film seit Lan­gem, aber – so viel Ambi­va­lenz muss man aus­hal­ten – auch sein bes­ter.“ (Micha­el S. Ben­dix, kino​-zeit​.de)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)

Deutsch­land 2023, 106 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Lew Hohmann 

Wen­zel, authen­ti­scher Poet und Voll­blut­mu­si­ker, gehört zu den wich­tigs­ten Lie­der­ma­chern im Osten. Zu sei­nem jähr­li­chen Fes­ti­val in Kamp am Peen­e­strom pil­gern Fans aus der gan­zen Repu­blik. Dem Fes­ti­val droht das Aus. Gemein­sam mit sei­nen Kam­per Freun­den ver­sucht Wen­zel es zu ret­ten. Zu DDR-Zei­ten Haupt­ak­teur des kri­ti­schen Lie­der­thea­ters Karls Enkel, narrt er spä­ter mit Stef­fen Men­sching im Clowns-Duo MEH&WEH die Funk­tio­nä­re. Ihre DaDa­eR-Pro­gram­me wer­den Kult. Wen­zel ist gera­de­zu manisch pro­duk­tiv, aber die Coro­na-Pan­de­mie bremst ihn schmerz­haft aus. Inzwi­schen hat Wen­zel über 50 CD’s pro­du­ziert. U.a. auch mit Arlo und Nora Guthrie, Kin­der von Folk-Legen­de Woo­dy Guthrie, mit denen er in Nash­ville auftritt.

Lew Hoh­manns Film lebt von den offe­nen Gesprä­chen mit Wen­zel vor dem Hin­ter­grund sei­ner beweg­ten Bio­gra­fie und von der Magie sei­ner Kon­zer­te. Lie­der voll zärt­li­cher Poe­sie, ande­re atta­ckie­ren mit bei­ßen­dem Spott die neue Bun­des­re­pu­blik. Mit­rei­ßen­de Rhyth­men, umwer­fend Humor und Iro­nie in sei­nen Mode­ra­tio­nen. Das schät­zen auch sei­ne Freund:innen Ant­je Voll­mer, Kon­stan­tin Wecker, Andre­as Dre­sen und Chris­toph Hein. Die Fans fin­den sich in sei­nen Tex­ten wie­der, die sie bei Kon­zer­ten mit­sin­gen. Er ist der Pro­vo­ka­teur und Bar­de geblie­ben, den man kennt.

Öster­reich / Deutsch­land / Frank­reich 2022, 99 min, Deutsch | Rumä­nisch mit deut­schen UT

Regie: Ulrich Seidl 

Vor Jah­ren hat es den Mitt­vier­zi­ger Ewald nach Rumä­ni­en ver­schla­gen. Jetzt wagt er einen Neu­an­fang. Er ver­lässt sei­ne Freun­din und zieht in die ver­arm­te, länd­li­che Ein­öde, wo er mit Jun­gen aus der Umge­bung ein ver­fal­le­nes Schul­ge­bäu­de zu einer Fes­tung aus­baut. Die Kin­der ent­de­cken dort eine Unbe­schwert­heit, die sie so nicht kann­ten, doch der Arg­wohn der Dorf­be­woh­ner lässt nicht lan­ge auf sich war­ten. Und Ewald muss sich einer lan­ge ver­dräng­ten Wahr­heit stel­len. SPAR­TA von Ulrich Seidl erzählt von der Unent­rinn­bar­keit der eige­nen Ver­gan­gen­heit und von dem Schmerz, sich selbst zu finden.

„Am Anfang steht eines die­ser typi­schen Ulrich-Seidl-Tableaus. Es ist das­sel­be, mit denen der öster­rei­chi­sche Regis­seur auch RIMI­NI begin­nen ließ, das kurz vor­her erschie­ne­ne Bru­der­stück zu SPAR­TA: Eine Grup­pe von Rentner:innen sitzt neben­ein­an­der auf­ge­reiht im Auf­ent­halts­raum eines Senio­ren­heims und into­niert das Fass­nachts­lied ‚So ein Tag, so wun­der­schön wie heu­te‘. Die Stim­men sin­gen schlep­pend, schwach und zitt­rig durch­ein­an­der, nur wenig ist schön an die­sem Tag und in die­sem Leben, das stellt Seidl gleich zu Anfang unmiss­ver­ständ­lich klar – so weit, so bekannt. (…)

Nun also RIMI­NI und SPAR­TA, zwei Fil­me, die eigent­lich einer wer­den soll­ten, die immer noch Spu­ren von­ein­an­der ent­hal­ten, nun aber getrennt von­ein­an­der ver­öf­fent­licht wer­den. Im Fokus ste­hen zwei Brü­der. Bei­de zieht es – in einer Art Flucht­re­flex vor dem Bekann­ten, der Ver­gan­gen­heit und sich selbst – ins Aus­land, den einen nach Rimi­ni, den ande­ren ins dörf­li­che Rumä­ni­en. Nach­dem RIMI­NI, der Micha­el Tho­mas als abge­half­ter­ten Schla­ger­sän­ger Richie Bra­vo durch eine trüb­graue Urlaubs­höl­le voll begra­be­ner Träu­me beglei­te­te, von vie­len Rezipient:innen nicht ganz zu Recht als busi­ness as usu­al bei­sei­te­ge­legt wur­de, hat SPAR­TA nun für die ers­te rich­ti­ge Seidl-Kon­tro­ver­se gesorgt. Die­se dreht sich erst­mals nicht um das Sicht­ba­re, son­dern um das Dahin­ter­lie­gen­de, genau­er: die Produktionsbedingungen. (…)

Was macht man mit einem Film, der von einer Dis­kus­si­on um Aus­beu­tung und Kin­des­wohl­ge­fähr­dung über­schat­tet wird? Nun: ihn sich im Zwei­fel erst ein­mal anschau­en. Denn zur Ambi­gui­tät des Sach­ver­halts gehört auch, dass die Vor­wür­fe mit SPAR­TA einen Film tref­fen, auf den vie­le der wie­der­keh­ren­den ästhe­ti­schen und per­spek­ti­vi­schen Kri­tik­punk­te nicht so leicht anzu­wen­den sind. Schon in der Kame­ra­füh­rung offen­bart sich eine Ver­än­de­rung: Die Zahl der künst­lich sym­me­tri­sier­ten, bewe­gungs­lo­sen Tota­len und Halb­to­ta­len ist deut­lich ver­rin­gert, an ihre Stel­le rückt wie schon bei RIMI­NI eine erstaun­lich agi­le Hand­ka­me­ra. Seidl zwingt die Figu­ren nicht mehr in die von ihm gewähl­ten Bild­aus­schnit­te, son­dern folgt ihnen nach und lässt sie auf die­se Wei­se das Blick­feld bestimmen. (…)

Zurück zum ein­gangs erwähn­ten Senio­ren­heim: Hier vege­tiert – offen­sicht­lich kurz vor sei­nem Tod – der Vater von Ewald und Richie vor sich hin, irrt ver­lo­ren durch die Gän­ge und wird inmit­ten des demen­ten Siech­tums blitz­licht­ar­tig von Erin­ne­rungs­fet­zen heim­ge­sucht, die ihn zurück in die Behüt­etheit sei­ner Kind­heit tra­gen oder Nazi­lie­der sin­gen las­sen. Die Wur­zeln des indi­vi­du­el­len Leids lie­gen nicht zuletzt in über Genera­tio­nen wei­ter­ge­reich­ten Trau­ma­ta. Das Ver­gan­ge­ne lässt uns selbst dann nicht ruhen, wenn die Gegen­wart schon vor unse­ren Augen ver­schwimmt. Die­ser klam­mer­ar­ti­ge Über­bau fin­det sich mit teils iden­ti­schen Sze­nen sowohl in RIMI­NI als auch SPAR­TA wie­der, und viel­leicht wäre er im Kon­text des Gesamt­wer­kes bes­ser auf­ge­gan­gen. Gleich­zei­tig pro­fi­tiert SPAR­TA von sei­ner Kon­zen­triert­heit. Wie der Regis­seur in RIMI­NI eine fra­gi­le Vater-Toch­ter-Annä­he­rung dazu nutzt, von der Tris­tesse und dem Tran­szen­denz­po­ten­zi­al von Schla­gern zu erzäh­len, hät­te sich schwer­lich mit dem unbe­haue­nen Qua­si-Neo­rea­lis­mus von SPAR­TA ver­tra­gen. Am Ende steht Ulrich Seidls streit­bars­ter Film seit Lan­gem, aber – so viel Ambi­va­lenz muss man aus­hal­ten – auch sein bes­ter.“ (Micha­el S. Ben­dix, kino​-zeit​.de)

Deutsch­land 2022, 107 min, deut­sche Originalfassung

Regie: Axel Ranisch

Eine jun­ge Call­cen­ter-Agen­tin ver­liebt sich in einen klein­kri­mi­nel­len Stra­ßen­tän­zer. Sie ist Orpheus. Er ist Eury­di­ke. Ihr Aus­drucks­mit­tel ist der Gesang, er arti­ku­liert sich durch sei­nen Tanz. Für ihre gro­ße Lie­be steigt sie hin­ab in die Unter­welt, stellt sich ihren alten Dämo­nen und lernt wie­der zu ver­trau­en. Ein Opern-Pas­tic­cio zwi­schen Puc­ci­ni, Hän­del und Chris­ti­an Steiffen.

„Bis in die Neben­rol­len her­vor­ra­gend besetzt – neben Ranisch ‚Regu­lars‘ wie Hei­ko Pin­kow­ski, Frith­jof Gawen­da und Chris­ti­na Gro­ße glän­zen bei­spiels­wei­se Ursi­na Lar­di als Diva und Ursu­la Wer­ner als Taschen­die­bin – ver­knüpft ORPHEA IN LOVE sou­ve­rän das Skur­ri­le mit dem Erha­be­nen, die gro­ßen Gefüh­le mit herz­haft-iro­ni­schen Über­zeich­nun­gen. So char­mant, wie Ranisch die Gren­zen zwi­schen E und U ein­reißt, wenn er form­stren­gen Barock­ge­sang mit Street­dance-Moves kom­bi­niert, so frei geht er auch mit den Geset­zen des Gen­res Musik­film bezie­hungs­wei­se Musi­cal um. Da wird schon mal eine lei­den­schaft­li­che Gesangs­ein­la­ge im Call­cen­ter, kaum ange­setzt, von der Che­fin mit einem bar­schen ‚Ruhe! Hier spielt die Musik!‘ schon wie­der abge­würgt. ORPHEA IN LOVE ist nicht nur eine wun­der­schö­ne Lie­bes­er­klä­rung an die Musik, son­dern ein Mani­fest fil­mi­scher Frei­heit.“ (Patrick Sey­bo­th, epd​-film​.de)